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We play for Rollins: Eine seelenvolle Verbeugung vor dem Saxofon-Koloss

Kurz nach dem Tod von Sonny Rollins ging Tenorsaxofonist Joshua Redman mit einer Gruppe Gleichgesinnter ins Studio, um seinem Vorbild Tribut zu zollen. Das Album erscheint am 20. November.

Mit dem Tod von <a href="https://www.jazzecho.de/sonnyrollins" target="_blank" rel="noopener">Sonny Rollins</a>, der am 25. Mai im Alter von 95 Jahren verstarb, verlor die Musikwelt den letzten echten Giganten des Jazz. Bereits auf seinen fr&uuml;hen Soloalben, die er in den 1950er Jahren f&uuml;r das Label Prestige einspielte, schlug der Tenorsaxofonist musikalisch seinen eigenen Weg ein und verdiente sich den Titel &bdquo;Saxophone Colossus&rdquo;. Obwohl Rollins nicht der &bdquo;Erfinder&ldquo; des pianolosen Trios war, f&uuml;hrte er diese Kunst im Jahr 1957 mit den Alben &bdquo;Way Out West&ldquo; und &bdquo;A Night at the &sbquo;Village Vanguard&lsquo;&ldquo; auf ungeahnte neue H&ouml;hen.
<h3 class="MsoNormal">Ein Solist von schier unersch&ouml;pflichem Ideenreichtum </h3>
Aufgrund seines kraftvollen Tons und seiner tief in Melodie und Rhythmus verwurzelten Spielweise erfreute sich Sonny Rollins bereits fr&uuml;h enormer Popularit&auml;t. Und im Laufe der Jahrzehnte sollte diese noch weiter wachsen. Beim Spielen griff er oft ein kleines Motiv auf oder nahm eine einfache Melodie und formte sie in atem(be)raubenden, epischen Soli immer wieder neu um. Dabei spickte er sie &ndash; sehr zum Vergn&uuml;gen des Publikums &ndash; auf verschmitzte Art und Weise zudem mit kurzen Zitaten anderer St&uuml;cke. So schaffte er es, dass kein Auftritt dem anderen glich. Mit seinen Aufnahmen und seiner starken, unabh&auml;ngigen Pers&ouml;nlichkeit beeinflusste er nicht nur Generationen von Jazzsaxofonisten, sondern auch Musiker und Musikerinnen anderer Genres. Einer von ihnen ist der Tenorsaxofonist <a href="https://www.jazzecho.de/joshua-redman" target="_blank" rel="noopener">Joshua Redman</a>, der sich selbst einmal als &bdquo;Fan Nr. 1&ldquo; des Saxofon-Kolosses bezeichnet hat.
<h3 class="MsoNormal">Joshua Redman entdeckt durch Sonny Rollins den Schl&uuml;ssel zu einem musikalischen Geheimnis&nbsp;</h3>
&bdquo;Nachdem ich Sonny Rollins geh&ouml;rt hatte, wurde mir die wahre Kraft und das Potenzial der Jazzimprovisation voll und ganz bewusst&ldquo;, verriet Redman einmal dem Magazin JazzTimes. &bdquo;Es war, als h&auml;tte Sonny mir einen Schl&uuml;ssel in die Hand gedr&uuml;ckt, der mir ein gro&szlig;es musikalisches Geheimnis erschloss. Er zeigte mir, dass man als Improvisator vollkommen emotional, unmittelbar und spontan sein und gleichzeitig doch v&ouml;llig geordnet, koh&auml;rent, logisch und kompositorisch vorgehen kann. Er weckte in mir ein Gesp&uuml;r f&uuml;r erz&auml;hlerischen Fluss und organische Architektur. Er lehrte mich, wie man improvisiert.&ldquo;
<h3 class="MsoNormal">Eine durch und durch inspirierte Hommage an Sonny Rollins </h3>
Als Joshua Redman in der Nacht des 25. Mai von Sonnys Tod erfuhr, war der Schock gro&szlig;. &bdquo;Sonnys Tod hat mich wirklich schwer getroffen&ldquo;, erz&auml;hlt er. &bdquo;Es ist fast so, als w&auml;re ein Elternteil gestorben. F&uuml;r mich &ndash; und ich glaube, f&uuml;r uns alle &ndash; war er wie ein musikalischer Vater, Gro&szlig;vater und Pate in einer Person.&ldquo; Als er am n&auml;chsten Tag aufwachte, versp&uuml;rte Redman das dringende Bed&uuml;rfnis, seinem gro&szlig;en Vorbild Tribut zu zollen. Binnen weniger Tage gelang es ihm, eine lockere Gruppe von &auml;lteren und neueren musikalischen Weggef&auml;hrten zusammenzutrommeln und f&uuml;r die Aufnahmen von&nbsp;<a href="https://www.jazzecho.de/joshua-redman/diskografie/if-ever-you-would-leave-us-we-play-for-rollins-lp-1296001" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;If Ever You Would Leave Us (we play for Rollins)&rdquo;</a> in ein New Yorker Studio zu holen. Bei den Sessions am 10. und 11. Juni ging es laut Redman &bdquo;lebhaft, vielleicht manchmal sogar ein bisschen hektisch, aber trotzdem immer super entspannt zu. Musikalische Entscheidungen wurden schnell, gemeinsam und ganz nat&uuml;rlich getroffen.&ldquo;
<externalmediaembed class="mceNonEditable mce-youtube" type="youtube" data-id="Apys4aN_rDU"></externalmediaembed>
<h3 class="MsoNormal">Eine All-Star-Besetzung mit drei ehemaligen Rollins-Begleitern</h3>
Neben den S&auml;ngerinnen C&eacute;cile McLorin Salvant und Gabrielle Cavassa, dem Tenorsaxofonisten Chris Potter, dem Bassisten Larry Grenadier und dem Schlagzeuger Marcus Gilmore waren mit dem Pianisten Kevin Hays, dem Gitarristen Peter Bernstein und dem Bassisten Christian McBride auch drei Musiker dabei, die noch selbst mit Rollins gespielt hatten. Zu h&ouml;ren ist Redman mit dieser All-Star-Besetzung in den unterschiedlichsten Konstellationen &ndash; vom Solo bis zum Quintett &ndash; und nicht zuletzt nat&uuml;rlich im pianolosen Trio. Gemeinsam interpretierten sie elf inspirierte St&uuml;cke aus Rollins&rsquo; Repertoire &ndash; eine Mischung aus bekannten Jazzstandards und sechs zeitlosen Eigenkompositionen des Saxofon-Kolosses. So ist eine Aufnahme entstanden, auf der in jeder Note das Gef&uuml;hl des Verlusts, aber auch die Freude und die Dankbarkeit der beteiligten Musiker und Musikerinnen sp&uuml;rbar ist. 
Das Album erscheint am 20. November bei Blue Note Records und kann bereits jetzt vorbestellt werden. Exklusiv im JazzEcho-Store ist die LP als<a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/joshua-redman-if-ever-you-would-leave-us-we-play-for-rollins-122209" target="_blank" rel="noopener"> farbiges Vinyl mit handsignierter Art Card</a> erh&auml;ltlich.

Sparklmami präsentiert „quisiera“ und „running“ in den Mahogany Sessions

Im Sommer hat sich eine der eigenwilligsten neuen Stimmen zwischen Jazz, Soul, Funk und Latin-Sounds vorgestellt. Nun zeigt Sparklmami eine besonders intime Seite ihrer Musik: F&uuml;r die Mahogany Sessions hat sie zwei Albumsongs live aufgenommen.

<h3 class="MsoNoSpacing">Sparklmami verwandelt &bdquo;quisiera&ldquo; und &bdquo;running&ldquo; f&uuml;r die Mahogany Sessions</h3>
Weniger ist manchmal mehr, vor allem bei Musik, die von Atmosph&auml;re, Stimme und unmittelbarer Emotion lebt. Genau daf&uuml;r sind die <a href="https://www.youtube.com/channel/UCG36u-k09zdIPQh5EEdVgTA">Mahogany Sessions</a> bekannt. In der traditionsreichen YouTube-Reihe pr&auml;sentieren Musikerinnen und Musiker ihre Songs in sorgf&auml;ltig gefilmten, oft reduzierten Live-Versionen. Die S&auml;ngerin und Songschreiberin <a href="https://www.sparklmami.com/" target="_blank" rel="noopener">Sparklmami </a>hat w&auml;hrend eines Besuchs in London gleich zwei Songs f&uuml;r das Format eingespielt: &bdquo;quisiera&ldquo; und &bdquo;running&ldquo;.
Begleitet wird sie in den Videos von Josh Jessen am Keyboard. Er reiste mit Sparklmami nach London, wo die Mahoganny Sessions produziert werden, und geh&ouml;rt auch sonst zum engsten musikalischen Umfeld der K&uuml;nstlerin: Jessen ist der feste Keyboarder und Synthesizer-Spieler ihrer Studio-Band und wirkte bereits an ihrem Deb&uuml;talbum <a href="https://www.jazzecho.de/sparklmami/diskografie/in-this-body-lp-1292685" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;in this body&ldquo;</a> mit. Die gemeinsame Vertrautheit passt bestens zum intimen Charakter der Sessions, in denen weniger eine aufwendige Inszenierung als das unmittelbare Zusammenspiel der Musiker im Mittelpunkt steht.
<externalmediaembed class="mceNonEditable mce-youtube" type="youtube" data-id="vD5_ys2KurU"></externalmediaembed>
<h3 class="MsoNoSpacing">Was sind die Mahogany Sessions?</h3>
Die Mahogany Sessions gibt es bereits seit 2010. Was urspr&uuml;nglich aus einem 2009 gestarteten Musikblog hervorging, entwickelte sich zu einer international bekannten Plattform f&uuml;r musikalische Entdeckungen. Im Mittelpunkt stehen intime, filmisch inszenierte Live-Performances, die K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstler bewusst in einem reduzierten Rahmen pr&auml;sentieren.
&Uuml;ber die Jahre haben zahlreiche sp&auml;ter weltbekannte Acts vor den Mahogany-Kameras gespielt. Zu den K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstlern, die f&uuml;r das Format Sessions aufgenommen haben, z&auml;hlen unter anderem Hozier, Ed Sheeran, Billie Eilish, James Bay, Jacob Collier und Arooj Aftab. Das Grundprinzip ist dabei &uuml;ber die Jahre weitgehend gleich geblieben: Die Performance und der Song sollen im Zentrum stehen &ndash; unabh&auml;ngig davon, ob vor der Kamera ein Newcomer oder ein internationaler Star steht.
F&uuml;r Sparklmami ist dieses Setting wie gemacht. Die multidisziplin&auml;re K&uuml;nstlerin, die als Ariella Granados in Texas aufwuchs und heute in Chicago lebt, verbindet in ihrer Musik eine ausgepr&auml;gte Lust an Improvisation mit einem sehr eigenen visuellen Kosmos. Ihre musikalischen Koordinaten reichen von brasilianischem Jazz der 1970er Jahre &uuml;ber experimentellen Soul und Funk bis zu den mexikanischen Boleros ihrer Kindheit.
<h3 class="MsoNoSpacing">&bdquo;quisiera&ldquo;: Sparklmamis Bolero &uuml;ber die Beziehung zu ihrer Mutter</h3>
Dass Sparklmami f&uuml;r die Mahogany Sessions unter anderem &bdquo;quisiera&ldquo; ausgew&auml;hlt hat, passt bestens zum intimen Charakter des Formats. Der Song erschien bereits vor ihrem Deb&uuml;talbum und ist Sparklmamis ganz eigene Interpretation der Bolero-Tradition. Die f&uuml;r das Genre charakteristische romantische Sehnsucht richtet sich hier allerdings nicht an einen Geliebten: In &bdquo;quisiera&ldquo; adressiert Sparklmami ihre Mutter. Im Zentrum steht der Wunsch, emotionale und generationelle Distanz zu &uuml;berwinden und zu einem tieferen gegenseitigen Verst&auml;ndnis zu finden.
<h3 class="MsoNoSpacing">&bdquo;running&ldquo; zeigt eine weitere Facette von Sparklmamis &bdquo;in this body&ldquo;</h3>
Mit &bdquo;running&ldquo; hat Sparklmami f&uuml;r ihre zweite Mahogany Session einen weiteren Song ihres Deb&uuml;talbums ausgew&auml;hlt. Darin geht es im Kern um <mark class="MAeH" data-sfc-root="ep" data-wiz-uids="YiyjIc_u" data-ved="2ahUKEwjq8bfWyeaWAxVN5QIHHY1eF8kQuJAPeggIAggBCA4QAQ" data-complete="true" data-sae="" data-sfc-inited="2" data-copy-service-computed-style="font-family: &quot;Google Sans&quot;, Arial, sans-serif, &quot;Noto Color Emoji&quot;; font-size: 16px; font-weight: 500; margin: 0px; text-decoration: none; border-bottom: 0px rgb(0, 29, 53);">die einseitige Sehnsucht, das emotionale Hinterherlaufen und das schmerzhafte Verlangen nach einer Person, die diese Gef&uuml;hle nicht erwidert. Zusammen zeigen die beiden Performances exemplarisch, wie wandlungsf&auml;hig die musikalische Welt ist, die Sparklmami auf &bdquo;in this body&ldquo; entwirft. Statt sich auf ein bestimmtes Genre festzulegen, l&auml;sst sie unterschiedliche musikalische Traditionen, pers&ouml;nliche Erinnerungen und spontane Ideen ineinanderflie&szlig;en.
<externalmediaembed class="mceNonEditable mce-youtube" type="youtube" data-id="_sf68tCJtXY"></externalmediaembed>
<h3 class="MsoNoSpacing">&bdquo;in this body&ldquo;: Sparklmamis Deb&uuml;t bei Verve Records</h3>
Mit &bdquo;in this body&ldquo; gab Sparklmami im Juni ihr Albumdeb&uuml;t bei Verve Records / slowplay. Auf neun St&uuml;cken entwirft die S&auml;ngerin eine musikalische Welt, die von Erinnerung, Fantasie und der Suche nach der eigenen Identit&auml;t gepr&auml;gt ist. Dabei treffen schimmernde Bl&auml;ser und improvisatorische Passagen auf Funk-Grooves, experimentellen Soul, brasilianische Jazz-Einfl&uuml;sse und die Boleros, mit denen Sparklmami zu Hause aufwuchs.
Auch biografisch laufen in dieser Musik unterschiedliche Welten zusammen. Hinter dem Pseudonym Sparklmami steckt Ariella Granados, die als Tochter mexikanischer Immigranten in Texas aufwuchs und heute in Chicago lebt. Als multidisziplin&auml;re K&uuml;nstlerin versteht sie Musik dabei als Teil eines gr&ouml;&szlig;eren Ganzen: Styling, Bildsprache und Performance geh&ouml;ren ebenso zu ihrem Kosmos wie ihre Songs.

TRÍADA kündigen Debütalbum „Exuvia“ an

Von Bossa-Nova-Covers zum eigenen Songwriting: Das junge argentinische Trio TR&Iacute;ADA ver&ouml;ffentlicht am 23. Oktober sein Deb&uuml;talbum &bdquo;Exuvia&ldquo;. Mit &bdquo;Clara&ldquo; ist jetzt eine neue Single daraus erschienen.

<h3 class="MsoNoSpacing">TR&Iacute;ADA: Drei Freundinnen aus Buenos Aires</h3>
Bei <a href="https://www.jazzecho.de/triada" target="_blank" rel="noopener">TR&Iacute;ADA</a>&nbsp;beginnt die Bandgeschichte nicht im Proberaum, sondern mit einer Freundschaft. Diamela Spina (Percussion, Gesang), Aylen Reynoso (Gitarre) und Julia Percowicz (Gesang) lernten sich w&auml;hrend ihrer Schulzeit an der Escuela Juan Pedro Esnaola in Buenos Aires kennen. Noch bevor daraus eine feste Band wurde, verbrachten sie viel Zeit miteinander und machten gemeinsam Musik. Spina erinnerte sich sp&auml;ter: &bdquo;We started hanging out before we were even making music together.&ldquo; Percowicz zufolge entstand TR&Iacute;ADA beinahe nebenbei: Man habe einfach zusammen gespielt und irgendwann ein Video hochgeladen, &bdquo;just&hellip; to see&ldquo;. 
Diese Ungezwungenheit ist bis heute Teil ihres Selbstverst&auml;ndnisses. Noch 2026 beschrieb Spina das gemeinsame Aufnehmen kleiner Videos als das Nat&uuml;rlichste &uuml;berhaupt: So h&auml;tten sie bereits als beste Freundinnen im Wohnzimmer gesessen, Kaffee getrunken, das Handy aufgestellt und gespielt. &bdquo;We don&rsquo;t have to explain anything. We just understand each other.&ldquo; 
<h3 class="MsoNoSpacing">Mit Jo&atilde;o Gilberto vom Klassenzimmer ins Netz</h3>
Ein gr&ouml;&szlig;eres Publikum fand das Trio zun&auml;chst mit Coverversionen. Nach dem Unterricht filmten die drei Musikerinnen reduzierte Arrangements von Songs, die von s&uuml;damerikanischer Folklore bis zu brasilianischer Bossa Nova reichten. Besonders ihre Version von Jo&atilde;o Gilbertos <a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/32tVlPCsuxUhu9UWoxugoA?si=tVEraHcOSVujr46qo3dO_Q" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;O Pato&ldquo;</a> wurde zum fr&uuml;hen Durchbruch: Das Video sammelte auf Instagram mehr als zwei Millionen Aufrufe und wurde anschlie&szlig;end zur ersten regul&auml;ren Ver&ouml;ffentlichung der Band. 
Dabei war der heute charakteristische TR&Iacute;ADA-Sound keineswegs von Anfang an festgelegt. In ihrer fr&uuml;hen Phase besch&auml;ftigten sich die Freundinnen auch mit Progressive Rock und Post-Punk. Erst im Lauf dieser musikalischen Suche r&uuml;ckten jene Stile st&auml;rker ins Zentrum, mit denen sie aufgewachsen waren oder sich besonders verbunden f&uuml;hlten: argentinische und lateinamerikanische Folklore, Jazz, Bossa Nova und akustische Songwriter-Musik. Als Einfl&uuml;sse nannten sie unter anderem Jorge Drexler, Los Panchos, Jo&atilde;o Gilberto und Rita Pay&eacute;s. 
<h3 class="MsoNoSpacing">Intimit&auml;t statt Genregrenzen</h3>
Was diese unterschiedlichen Einfl&uuml;sse verbindet, ist weniger ein bestimmtes Genre als eine &auml;sthetische Idee. Percowicz beschrieb TR&Iacute;ADAs Ansatz einmal als Musik, die &bdquo;ins Intime und Allt&auml;gliche&ldquo; gef&uuml;hrt werde: lateinamerikanische Genres, reduziert auf Gitarre, peruanisches Caj&oacute;n und eng gesetzte Gesangsharmonien. 
Auch die Band selbst sieht ihre Wiedererkennbarkeit vor allem in diesen Zutaten. Harmonien, Gitarrenarrangements, Percussion sowie eine &bdquo;intime und organische&ldquo; Atmosph&auml;re seien jene Elemente, mit denen sie praktisch jeden Song in eine TR&Iacute;ADA-Version verwandeln k&ouml;nnten. 
Der Name passt dazu gleich doppelt. &bdquo;Tr&iacute;ada&ldquo; bezeichnet in der Musik drei T&ouml;ne, die gemeinsam einen Akkord bilden. Zugleich geht der Name auf ein Gedicht von Percowicz &uuml;ber die Freundschaft der drei Musikerinnen zur&uuml;ck. 
<h3 class="MsoNoSpacing">Von Coverversionen zu eigenen Songs</h3>
2025 b&uuml;ndelte das Trio seine ersten Neuinterpretationen auf der EP <a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/7ykf5Rnb5mfOrDeomhWeZq?si=UNv2gk0aSYyHCLSM8fw5aw" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;De Versiones y Alma&ldquo;</a>. Darauf standen unter anderem &bdquo;B&eacute;same Mucho&ldquo;, &bdquo;O Pato&ldquo; und &bdquo;Romp&iacute;&ldquo; &ndash; Songs aus unterschiedlichen L&auml;ndern und Epochen, die TR&Iacute;ADA in ihre eigene akustische Klangsprache &uuml;berf&uuml;hrten. SPIN beschrieb die damals 19-j&auml;hrigen Musikerinnen treffend als &bdquo;old souls with young voices&ldquo;. 
Mit &bdquo;Exuvia&ldquo; folgt nun der n&auml;chste Schritt: Statt vor allem fremde St&uuml;cke neu zu lesen, r&uuml;ckt das eigene Songwriting in den Mittelpunkt. Der Albumtitel bezeichnet die bei einer H&auml;utung abgestreifte Haut und steht f&uuml;r das Zur&uuml;cklassen einer Entwicklungsphase.
<h3 class="MsoNoSpacing">Neue Single &bdquo;Clara&ldquo; zeigt TR&Iacute;ADAs erweiterten Sound</h3>
Einen Eindruck davon vermittelt die neue Single &bdquo;Clara&ldquo;. Der Song erz&auml;hlt von einer &auml;lteren, zur&uuml;ckgezogen lebenden Frau, die von ihrer Umgebung als verbittert wahrgenommen wird, hinter dieser Fassade jedoch eine eigene, kaum entdeckte Welt tr&auml;gt.
Auch klanglich erweitert das Trio hier seinen bisherigen Ansatz. &bdquo;Von dem Moment an, als der Song entstand, hatten wir die Idee, M&auml;nnerstimmen einzuladen, die diesen charakteristischen Latin-Sound beisteuern&ldquo;, erkl&auml;ren TR&Iacute;ADA. F&uuml;r die Musikerinnen war es das erste Mal, dass sie zus&auml;tzliche S&auml;nger f&uuml;r Backing Vocals in eine Aufnahme einbezogen.
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Das von Didi Gutman produzierte Deb&uuml;talbum <a href="https://www.jazzecho.de/triada/diskografie/exuvia-1295949" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Exuvia&ldquo;</a> erscheint am 23. Oktober digital bei Verve Records.

Gespräche über das, was hinter der Musik liegt

Welche Geschichten erz&auml;hlt ein K&uuml;nstler durch die Musik? Welche Begegnungen und Erfahrungen pr&auml;gen K&uuml;nstler? All dem widmet sich der ECM Records Podcast, in dem Caroline Fontanieu und Friedrich Kunzmann mit K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstlern ins Gespr&auml;ch kommen.

Die j&uuml;ngsten Folgen f&uuml;hren in sehr unterschiedliche musikalische Welten. Ayumi Tanakas Trioalbum "<a href="https://open.spotify.com/episode/4wWf9N6aysQIr1OXBYXDM3?si=6c5193aa41974330" target="_blank" rel="noopener">Windflower</a>"&nbsp;f&uuml;hrt zu Gedanken &uuml;ber Natur, Universalit&auml;t und gemeinschaftliches Musizieren. Elina Duni und Rob Luft sprechen &uuml;ber die Rolle von Sprache und Tr&auml;umen auf ihrem Duoalbum "<a href="https://open.spotify.com/episode/3fvZsmpKtr3Z50iX9CBe42?si=b4d3ca2eaf294de3" target="_blank" rel="noopener">Reaching for the Moon</a>" und &uuml;ber die besondere Kommunikation zwischen Stimme und Gitarre. Joe Lovano erz&auml;hlt, wie sich im "<a href="https://open.spotify.com/episode/3YmbVOSspDlAtBptwYSEy9?si=8aaff3a83900414f" target="_blank" rel="noopener">Paramount Quartet</a>" aus Vertrauen, Verbindung und gemeinsamem Improvisieren eine eigene musikalische Sprache entwickelt. Fred Hersch blickt anl&auml;sslich von "<a href="https://open.spotify.com/episode/4mPIxd3Lm9WqWYDz8TvHfW?si=91f26e5e7917497b" target="_blank" rel="noopener">Feebles, Fables and Ferns</a>" auf eine Aufnahme aus dem Jahr 1988 zur&uuml;ck und spricht &uuml;ber Erinnerung und musikalischen Dialog. Steve Swallow wiederum n&auml;hert sich in der Folge zu "<a href="https://open.spotify.com/episode/0GIsoU4mWwwfvlhLOiv8iF?si=2fdce02faedf4bc1" target="_blank" rel="noopener">Winter Songs</a>" den Themen Trauer, Dankbarkeit und Zeit.
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Auch fr&uuml;here Aufnahmen werden im Podcast aus heutiger Perspektive neu betrachtet. Marilyn Crispell erinnert sich im Gespr&auml;ch &uuml;ber die Wiederver&ouml;ffentlichung von "<a href="https://open.spotify.com/episode/0p1bkhpZUZXCdjFU7WR0Tp?si=8bd507915da4484f" target="_blank" rel="noopener">Amaryllis</a>" an Paul Motian und Gary Peacock, Bennie Maupin verbindet "<a href="https://open.spotify.com/episode/0tgKyPXvVck9AkInLuX8jO?si=abbf3b251dee4105" target="_blank" rel="noopener">The Jewel in the Lotus</a>" mit Spiritualit&auml;t, Kunst und seiner musikalischen Vergangenheit.
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In mittlerweile &uuml;ber 70 Folgen er&ouml;ffnen die Gespr&auml;che immer neue Zug&auml;nge zu den Aufnahmen: &uuml;ber pers&ouml;nliche Erinnerungen, musikalische Beziehungen und die Gedanken, die eine Interpretation oder Zusammenarbeit pr&auml;gen. H&ouml;ren Sie doch mal rein!

Eine pianistische Sternstunde in der Ewigen Stadt

Jedes der Konzerte, die der Pianist Keith Jarrett 2016 auf seiner triumphalen letzten Europatournee gab, war ein einzigartiges musikalisches Ereignis. Am 6. November erscheint der f&uuml;nfte und letzte Konzertmitschnitt der Tournee unter dem Titel "Roma".

Als ECM Records in den 1970er Jahren die ersten Aufnahmen von Keith Jarretts vollst&auml;ndig improvisierten Pianosolokonzerten ver&ouml;ffentlichte, betraten der K&uuml;nstler und das Label absolutes Neuland. Die beiden Alben "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/keith-jarrett-solo-concerts-bremen-lausanne-luminessence-3lp-882536" target="_blank" rel="noopener">Solo Concerts: Bremen/Lausanne</a>" (1973), das in einer Box mit drei LPs erschien, und "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/the-koeln-concert-50th-anniversary-ltd-ed-2lp-1232397" target="_blank" rel="noopener">K&ouml;ln Concert</a>" (1975), das als Doppelalbum ver&ouml;ffentlicht wurde, waren sowohl in konzeptioneller als auch musikalischer Hinsicht bahnbrechend. Mehr noch: Sie erreichten und begeisterten auch ein Publikum, das sich bis dahin eher wenig &ndash; wenn &uuml;berhaupt &ndash; f&uuml;r Jazz und improvisierte Musik interessiert hatte. "Jazzmusiker haben in ihrem Schaffen schon immer gro&szlig;en Wert auf Improvisation gelegt&rdquo;, bemerkte der Musikhistoriker und -kritiker Ted Gioia, der selbst Jazzpianist ist, vor 20 Jahren in einem Artikel &uuml;ber Jarretts "essenzielle Aufnahmen&rdquo;. "Doch nur wenige haben diese Hinwendung zum spontanen Schaffen so weit getrieben wie Keith Jarrett in seinen Solokonzerten. Er war ein Pionier des (nach wie vor seltenen) Konzepts eines vollst&auml;ndig improvisierten Klavierabends, der ganz und gar von der Muse des Augenblicks inspiriert ist. Doch so spannend dieses Konzept auch ist, Jarretts Umsetzung dieser ehrgeizigen Idee ist noch beeindruckender."
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Jedes neue Soloalbum ein weiterer Meilenstein
In den folgenden beiden Jahrzehnten erschienen immer wieder neue, von Kritik und Publikum gefeierte Aufnahmen von Jarretts faszinierenden, improvisierten Solokonzerten, darunter die monumentale 10-LP-Box "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/sun-bear-concerts-10-lp-647394" target="_blank" rel="noopener">Sun Bear Concerts</a>" (1976), das Dreifachalbum "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/concerts-bregenz-muenchen-193897" target="_blank" rel="noopener">Concerts</a>" (1982) und "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/la-scala-70542">La Scala</a>" (1997). Bis eine Erkrankung am Chronischen Fatigue-Syndrom den Pianisten zu einer l&auml;ngeren Pause zwang. Erst 2002 betrat er in Japan wieder die B&uuml;hne f&uuml;r neue Solokonzerte, die 2005 von ECM Records auf der Doppel-CD "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/radiance-93550" target="_blank" rel="noopener">Radiance</a>" ver&ouml;ffentlicht wurden. In einem Interview mit Wolfgang Sandner von der Frankfurter Allgemeinen Zeitung &auml;u&szlig;erte Jarrett damals, dass nun jedes Solokonzert f&uuml;r ihn etwas ganz Besonderes sei, da ihm diese Krankheit bewusst gemacht habe, dass es sein letztes sein k&ouml;nnte. Deshalb setzte er sich das Ziel, bei seinen Solokonzerten vollkommener und konzentrierter zu spielen und nicht mehr "einfach drauflos", wie bei seinen ber&uuml;hmten fr&uuml;heren Aufnahmen.
Jarretts letzte Europa-Tournee im Sommer 2016: Ein Triumph sondergleichen!
Seitdem legte Keith Jarrett bei jedem weiteren improvisierten Solokonzert die Messlatte f&uuml;r sich selbst h&ouml;her. Als er im Sommer 2016 zu seiner Solotournee durch Europa aufbrach, ahnte er noch nicht, dass es seine letzte sein w&uuml;rde. Die Tournee begann am 3. Juli mit einem Auftritt in Budapest und f&uuml;hrte im Drei-Tage-Rhythmus weiter &uuml;ber Bordeaux, Wien und Rom nach M&uuml;nchen. Bei den Konzerten &uuml;berraschte Jarrett mit Improvisationen, die er spontan zu Suiten formte. Dabei folgte er jedes Mal einer anderen Dramaturgie und zeigte sich erfindungsreicher denn je. Als erstes erschien 2019 &ndash; noch bevor bekannt wurde, dass der Pianist 2018 zwei Schlaganf&auml;lle erlitten hatte und nie mehr auftreten w&uuml;rde &ndash; das abschlie&szlig;ende Konzert der Tournee unter dem Titel "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/munich-2016-lp-567108" target="_blank" rel="noopener">M&uuml;nchen 2016</a>". Es folgten das "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/budapest-concert-lp-614224" target="_blank" rel="noopener">Budapest Concert</a>" (2020), das "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/bordeaux-concert-2lp-776589" target="_blank" rel="noopener">Bordeaux Concert</a>" (2022) und "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/new-vienna-2lp-1148196" target="_blank" rel="noopener">New Vienna</a>" (2025). In der internationalen Presse riefen s&auml;mtliche Alben ein gewaltiges Echo hervor und wurden durchweg als neue Meisterwerke des Pianisten gefeiert. Nun erscheint am 6. November anl&auml;sslich des zehnj&auml;hrigen Jubil&auml;ums von Jarretts finaler Solotournee durch Europa der f&uuml;nfte und letzte, schlicht "Roma&rdquo; betitelte Konzertmitschnitt auf Doppel-Vinyl und einer einzelnen CD. Die Musik, die Keith Jarrett am 12. Juli im Saal Santa Cecilia im Parco della Musica in Rom bot, sticht selbst innerhalb dieser au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Konzertreihe deutlich hervor. Und das will wirklich etwas hei&szlig;en!

Jeff Goldblum: „I Shouldn't Be Telling You This“ erscheint als Thousand-Club-LP

Jazz mit Hollywood-Flair: Am 30. Oktober 2026 erscheint Jeff Goldblums zweites Album &bdquo;I Shouldn't Be Telling You This&ldquo; als streng limitierte Vinyl-Neuauflage mit alternativem Cover, individueller Nummerierung und weltweit nur 1.000 Exemplaren.

<h3 class="MsoNoSpacing">Jeff Goldblums &bdquo;I Shouldn't Be Telling You This&ldquo;: Jazz, Charme und gro&szlig;e Stimmen</h3>
<a href="https://www.jazzecho.de/jeff-goldblum" target="_blank" rel="noopener">Jeff Goldblum</a> ist l&auml;ngst nicht mehr nur Schauspieler, sondern auch eine feste Gr&ouml;&szlig;e an den Schnittstellen von Jazz, Entertainment und Popkultur. Mit seinem Mildred Snitzer Orchestra verbindet er seit Jahren klassische Jazzstandards mit einer B&uuml;hnenpr&auml;senz, die ebenso sehr von Spontaneit&auml;t und Humor lebt wie von seiner h&ouml;rbaren Begeisterung f&uuml;r die Musik.
Sein zweites Album <a href="https://www.jazzecho.de/jeff-goldblum/diskografie/i-shouldnt-be-telling-you-this-lp-565837" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;I Shouldn't Be Telling You This&ldquo;</a> erschien urspr&uuml;nglich 2019 und kn&uuml;pfte an den Erfolg seines Deb&uuml;ts <a href="https://www.jazzecho.de/jeff-goldblum/diskografie/the-capitol-studios-sessions-lp-482864" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;The Capitol Studios Sessions&ldquo;</a> an, das zuvor Platz eins der Billboard Jazz Albums erreicht hatte. Auch auf dem Nachfolger bleibt Goldblum seinem Konzept treu: Standards und Klassiker bilden das musikalische Fundament, doch durch die Auswahl der G&auml;ste und die lockere Atmosph&auml;re bekommt das Album einen ganz eigenen Charakter.
Nun wird &bdquo;I Shouldn't Be Telling You This&ldquo; als Teil der Thousand-Club-LP-Serie neu aufgelegt.&nbsp;Anders als bei vielen bisherigen Ver&ouml;ffentlichungen der Reihe steht damit kein jahrzehntealter Katalogklassiker im Mittelpunkt, sondern ein Album, das erst wenige Jahre zur&uuml;ckliegt. Gerade das zeigt, dass sich der Thousand Club nicht ausschlie&szlig;lich als Archivprojekt versteht, sondern auch j&uuml;ngeren Aufnahmen einen Platz als besondere Sammleredition einr&auml;umt.
<h3 class="MsoNoSpacing">Miley Cyrus, Fiona Apple und Gregory Porter: Eine ungew&ouml;hnliche G&auml;steliste</h3>
Zu den Besonderheiten von &bdquo;I Shouldn't Be Telling You This&ldquo; geh&ouml;rt seine beeindruckende Liste an Gasts&auml;ngerinnen und Gasts&auml;ngern. Miley Cyrus trifft auf &bdquo;The Thrill Is Gone / Django&ldquo; auf Goldblums Ensemble, w&auml;hrend Fiona Apple mit &bdquo;Don't Worry 'Bout Me&ldquo; ihre ganz eigene Interpretation eines Standards beisteuert. Auch Gregory Porter ist vertreten und verleiht &bdquo;Make Someone Happy&ldquo; seine unverwechselbare W&auml;rme. Dazu kommen Auftritte von Sharon Van Etten, Anna Calvi, Inara George und Gina Saputo.
Gerade diese Mischung macht den Reiz des Albums aus. Goldblum und seine Band bleiben tief im klassischen Jazz verwurzelt, &ouml;ffnen die Musik aber zugleich f&uuml;r Stimmen, die man eher aus Indie, Pop oder Singer-Songwriter-Kontexten kennt. Statt eines puristischen Jazzalbums entsteht so ein bewusst zug&auml;ngliches Crossover-Projekt, das Goldblums Rolle zwischen Musiker, Entertainer und Popkultur-Figur perfekt widerspiegelt.
<h3 class="MsoNoSpacing">Thousand Club: Nicht nur Klassiker aus vergangenen Jahrzehnten</h3>
Mit dem Thousand Club widmet sich das Fontana-Label ausgew&auml;hlten Alben in besonders limitierten Vinyl-Editionen. Das Konzept steckt bereits im Namen: Von jedem Titel werden lediglich 1.000 Exemplare hergestellt, jedes einzelne davon wird individuell von 1 bis 1000 foliennummeriert.
Bislang lag ein deutlicher Schwerpunkt der Serie auf Wiederentdeckungen aus den 1960er- und 1970er-Jahren. Alben von Leaf Hound, Camel, Caravan, Small Faces oder zuletzt Marlena Shaws Soul-Jazz-Klassiker <a href="https://www.jazzecho.de/various-artists-jazz/rezensionen-und-news/marlena-shaw-rare-groove-klassiker-the-spice-of-life-erscheint-in-der-thousand-club-serie-280278" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;The Spice of Life&ldquo;</a> stehen beispielhaft f&uuml;r diesen Blick in die Archive.
Mit &bdquo;I Shouldn't Be Telling You This&ldquo; erweitert sich das Konzept nun um eine deutlich j&uuml;ngere Ver&ouml;ffentlichung. Das 2019 erschienene Album ist noch keine historische Wiederentdeckung im klassischen Sinn, hat sich durch Goldblums anhaltende Popularit&auml;t und seine prominente G&auml;steliste aber bereits als markanter Titel seines Jazzkatalogs etabliert.
&Auml;u&szlig;erlich unterscheidet sich die Thousand-Club-Ausgabe von der regul&auml;ren Ver&ouml;ffentlichung. Das Album erscheint als hellblaue &ldquo;Marble Vinyl&rdquo; und mit einem alternativen Cover, sie wird weltweit auf 1.000 Exemplare limitiert. Zur Sammlerausstattung geh&ouml;ren wie immer eine stabile Kartonh&uuml;lle mit gepr&auml;gtem Thousand-Club-Logo, die individuelle Foliennummerierung von 1 bis 1000 sowie eine sch&uuml;tzende PVC-H&uuml;lle.
Jeff Goldblum &amp; The Mildred Snitzer Orchestra &ndash; &bdquo;I Shouldn't Be Telling You This (Thousand Club)&ldquo; erscheint am 30. Oktober 2026 und kann bereits jetzt <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/jeff-goldblum-jeff-goldblum-the-mildred-snitzer-orchestra-i-shouldn-t-be-telling-you-this-121988" target="_blank" rel="noopener">exklusiv im JazzEcho-Store vorbestellt werden</a>.

Claudya: Kultsong „Deixa Eu Dizer“ bekommt Remix von Dubdogz

Brasiliens Gesangslegende Claudya schrieb mit &bdquo;Deixa Eu Dizer&ldquo; Musikgeschichte. Mehr als 50 Jahre sp&auml;ter holen die Dubdogz den Kultsong auf den Dancefloor.&nbsp;

Kennen Sie Claudya? In Brasilien muss man diese Frage eigentlich nicht stellen. Dort z&auml;hlt die S&auml;ngerin seit Jahrzehnten zu den gro&szlig;en Stimmen der M&uacute;sica Popular Brasileira. Und selbst wer ihren Namen nicht sofort parat hat, d&uuml;rfte ihre Stimme schon einmal geh&ouml;rt haben: Ihr 1973 ver&ouml;ffentlichter Song &bdquo;Deixa Eu Dizer&ldquo; entwickelte sich &uuml;ber die Jahrzehnte zum Kultst&uuml;ck, wurde gesampelt und von immer neuen Generationen entdeckt. Jetzt beginnt ein weiteres Kapitel in der erstaunlichen Geschichte des Songs: Das brasilianische DJ- und Produzenten-Duo Dubdogz hat &bdquo;Deixa Eu Dizer&ldquo; neu interpretiert. Der Remix kann ab sofort digital gestreamt werden.
<h3 class="MsoNormal" style="text-align: left;">Claudya: Eine gro&szlig;e Stimme der brasilianischen Musik</h3>
Geboren wurde Claudya 1948 in Rio de Janeiro als Maria das Gra&ccedil;as Rallo. Schon in den 1960er-Jahren machte sie in Brasilien auf sich aufmerksam, unter anderem mit einem Auftritt in der legend&auml;ren TV-Show &bdquo;O Fino da Bossa&ldquo;, die von Elis Regina und Jair Rodrigues pr&auml;sentiert wurde. Es folgten Erfolge bei wichtigen brasilianischen Songfestivals und eine Karriere, die inzwischen mehr als sechs Jahrzehnte umspannt.
Dabei lie&szlig; sich Claudya musikalisch nie auf ein Genre festlegen. M&uacute;sica Popular Brasileira, kurz MPB, Bossa Nova und Samba finden sich in ihrem Repertoire ebenso wie Soul und Samba-Rock. Auch international machte sie sich einen Namen und trat bei Festivals unter anderem in Japan, Spanien, Griechenland und Mexiko auf.
Bis heute ist Claudya musikalisch aktiv. 2022 ver&ouml;ffentlichte sie etwa das Album &bdquo;A Nossa Bossa Sempre Jovem&ldquo; &ndash; ein passender Titel f&uuml;r eine K&uuml;nstlerin, deren Musik immer wieder von j&uuml;ngeren Generationen entdeckt wird.
<h3 class="MsoNormal" style="text-align: left;">&bdquo;Deixa Eu Dizer&ldquo;: Warum Claudyas Song zum Kult wurde</h3>
Ein St&uuml;ck steht dabei besonders f&uuml;r die erstaunliche Langlebigkeit ihrer Musik: &bdquo;Deixa Eu Dizer&ldquo;. Claudya ver&ouml;ffentlichte den von Ivan Lins und Ronaldo Monteiro de Souza geschriebenen Song 1973 auf ihrem <a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/2dEy0o3j0WbTQcSJQISPiw?si=6KQC4vfRRLWukssfASSOcw" target="_blank" rel="noopener">gleichnamigen Album</a>. Mit ihrer eindringlichen Interpretation machte sie das St&uuml;ck zu einem H&ouml;hepunkt ihrer Karriere.
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Jahrzehnte sp&auml;ter begann f&uuml;r die Aufnahme ein zweites Leben. Der brasilianische Rapper Marcelo D2 verwendete Claudyas Stimme prominent in seinem 2008 ver&ouml;ffentlichten Song &bdquo;Desabafo&ldquo;. Der Hip-Hop-Track machte das charakteristische Sample aus &bdquo;Deixa Eu Dizer&ldquo; einem Publikum bekannt, das zum Zeitpunkt der Originalver&ouml;ffentlichung noch lange nicht geboren war.
<h3 class="MsoNormal" style="text-align: left;">Dubdogz bringen &bdquo;Deixa Eu Dizer&ldquo; auf den Dancefloor</h3>
Nun erh&auml;lt der Klassiker ein weiteres musikalisches Leben. Das brasilianische DJ- und Produzenten-Duo <a href="https://www.insomniac.com/music/artists/dubdogz/" target="_blank" rel="noopener">Dubdogz</a> hat sich &bdquo;Deixa Eu Dizer&ldquo; vorgenommen und den Song in die elektronische Gegenwart &uuml;bersetzt.
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Hinter Dubdogz stehen die Zwillingsbr&uuml;der Lucas und Marcos Ruback Schmidt. Eine sch&ouml;ne Verbindung zwischen Original und Remix gibt es dabei auch abseits der Musik: Claudya wuchs in Juiz de Fora im brasilianischen Bundesstaat Minas Gerais auf &ndash; derselben Stadt, aus der auch die beiden Dubdogz-Br&uuml;der stammen.
Die Liste ihrer prominenter Kollaborationen und Remixe kann sich sehen lassen: Dubdogz arbeiteten bereits mit beziehungsweise an Musik von David Guetta, Ti&euml;sto, Steve Angello, den Black Eyed Peas, Shakira, P!NK und Nile Rodgers. Ihr Track &bdquo;Infinity&ldquo; entwickelte sich mit mehr als 190 Millionen Spotify-Streams zu einem ihrer gr&ouml;&szlig;ten Erfolge, w&auml;hrend ihr offizieller Remix von Stromaes &bdquo;Alors On Danse&ldquo; weltweit mehr als 230 Millionen Streams sammelte.
<h3 class="MsoNormal" style="text-align: left;">Von MPB &uuml;ber Hip-Hop bis House: &bdquo;Deixa Eu Dizer&ldquo; lebt weiter</h3>
Dass sich Dubdogz nun ausgerechnet &bdquo;Deixa Eu Dizer&ldquo; vornehmen, passt zur ungew&ouml;hnlichen Geschichte des Songs. Was 1973 als Teil eines MPB-Albums erschien, fand Jahrzehnte sp&auml;ter seinen Weg in den brasilianischen Hip-Hop und landet nun in einer neuen House-Version auf dem Dancefloor.
Im Mittelpunkt steht dabei weiterhin jene Stimme, mit der alles begann: Claudya. Mehr als 50 Jahre nach der Ver&ouml;ffentlichung des Originals zeigt &bdquo;Deixa Eu Dizer&ldquo; damit einmal mehr, wie m&uuml;helos ein gro&szlig;er Song Generationen und Genres miteinander verbinden kann.
&bdquo;Deixa Eu Dizer&ldquo; von Dubdogz und Claudya kann ab sofort auf den g&auml;ngigen <a href="https://www.jazzecho.de/various-artists-jazz/diskografie/dubdogz-claudya-deixa-eu-dizer-single-1295883" target="_blank" rel="noopener">digitalen Plattformen</a> gestreamt werden.
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Tochter des Neumonds - zum Tod von Cassandra Wilson

30 Jahre lang pr&auml;gte Cassandra Wilson mit ihrer unverwechselbaren, dunklen und bluesgetr&auml;nkten Altstimme den zeitgen&ouml;ssischen Jazz wie keine andere S&auml;ngerin. Nun ist sie im Alter von 70 Jahren &uuml;berraschend in Jackson, Mississippi, verstorben.

Die am 5. Dezember 1955 in Jackson, Mississippi, als Cassandra Marie Fowlkes geborene Cassandra Wilson wuchs in einer von Musik gepr&auml;gten Umgebung auf. Mit f&uuml;nf Jahren begann sie zu singen, lernte wenig sp&auml;ter Klavier spielen und erhielt im Alter von zw&ouml;lf Jahren Gitarrenunterricht von ihrem Vater, dem Jazz- und Bluesgitarristen Herman Fowlkes. Ihre ersten Karriereschritte machte Wilson Mitte der 1970er Jahre in der lokalen Szene als S&auml;ngerin mit einem breit gef&auml;cherten Repertoire, das bereits Jazz, Blues und Folk umfasste. 
Die Weichen f&uuml;r ihren Aufstieg zur international gefeierten Jazzs&auml;ngerin stellte Cassandra Wilson Anfang der 1980er Jahre, als sie mit ihrem ersten Ehemann, von dem sie den Nachnamen &uuml;bernommen hatte, nach New York ging. An der Seite des Altsaxofonisten Steve Coleman, der ihren musikalischen Horizont erweiterte, stieg sie schnell zu einem der Stars des innovativen M-Base-Kollektivs auf. Parallel dazu begann sie, f&uuml;r das deutsche Label JMT Alben unter ihrem Namen aufzunehmen. Darauf pr&auml;sentierte sie sowohl eigene Kompositionen als auch erfrischend eigenwillige Interpretationen von Jazzstandards und vollf&uuml;hrte so einen kunstvollen Balanceakt zwischen Jazztradition und Moderne.&nbsp;
Ihren Status als eine der aufregendsten Jazzs&auml;ngerinnen der Gegenwart zementierte Cassandra Wilson anschlie&szlig;end mit den Alben, die sie zwischen 1993 und 2010 f&uuml;r Blue Note Records aufnahm. Zu den H&ouml;hepunkten ihres abwechslungsreichen &OElig;uvres geh&ouml;ren unter anderem der Dauerbrenner <a href="https://www.jazzecho.de/blue-note-classic-vinyl-series/diskografie/cassandra-wilson-blue-light-til-dawn-blue-note-classic-vinyl-717812">&ldquo;Blue Light &lsquo;til Dawn&rdquo;</a> (1993), das Miles-Davis-Tribute-Album <a href="https://www.jazzecho.de/cassandra-wilson/diskografie/traveling-miles-lp-214595" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Traveling Miles&rdquo;</a> (1999) sowie die beiden mit einem Grammy ausgezeichneten Meisterwerke <a href="https://www.jazzecho.de/cassandra-wilson/diskografie/new-moon-daughter-301620" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;New Moon Daughter&rdquo;</a> (1995) und <a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/0NVvo5bvNOYWZmkJELSQ5S?si=yHemQAbFSDel3ix1deL3Aw" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Loverly&rdquo;</a> (2008). Auf vielen dieser Alben kehrte Wilson musikalisch zu ihren Blues- und Folk-Wurzeln in zur&uuml;ck, verwob diese aber raffiniert mit zeitgen&ouml;ssischen Jazzkl&auml;ngen sowie Einfl&uuml;ssen aus Afrika und Lateinamerika.
Der Kritiker Stanley Crouch bezeichnete Cassandra Wilson im Jahr 2001 im Time Magazine als &ldquo;Amerikas beste S&auml;ngerin&rdquo; und schrieb: &ldquo;Gef&uuml;hlvoll, sinnlich und lyrisch f&uuml;hrt sie die Tradition der gro&szlig;en Jazzs&auml;ngerinnen fort.&rdquo; Zu einem &auml;hnlichen Urteil kam zehn Jahre sp&auml;ter auch Thom Jurek von AllMusic: &ldquo;Sie ist wohl die gr&ouml;&szlig;te lebende Jazzs&auml;ngerin. Bekannt f&uuml;r ihre Blues-, Soul- und Pop-Covers sowie ihre Jazzstandards unterwirft ihre rauchige Altstimme fast alles ihrem Willen. Wilsons Phrasierung ist absolut einzigartig, so originell wie die Musik eines jeden Bl&auml;sers oder Pianisten.&rdquo;
Mit ihrem letzten Album &ldquo;Coming Forth by Day&rdquo;, das am 7. April 2015 - dem 100. Geburtstag von Billie Holiday - erschien, zollte die gr&ouml;&szlig;te Jazzdiva der Gegenwart der gr&ouml;&szlig;ten Jazzdiva der Vergangenheit Tribut. Noch im selben Jahr zog Cassandra Wilson von New York in ihre Geburtsstadt Jackson, Mississippi zur&uuml;ck.Gemeinsam mit ihrer langj&auml;hrigen Freundin, der S&auml;ngerin Rhonda Richmond, er&ouml;ffnete sie dort einen Jazzclub namens The Yellow Scarf und gr&uuml;ndete das Plattenlabel Ojah Records. Erst letztes Jahr machte Cassandra Wilson wieder Schlagzeilen - mit zwei triumphalen Auftritten bei Jazzfestivals in New Jersey und Upstate New York, die beim Publikum Hoffnungen auf ein Comeback weckten. Umso best&uuml;rzter war die Jazzwelt, als am 2. September bekannt wurde, dass Cassandra Wilson im Alter von 70 Jahren in Jackson verstorben war.
Das Label Blue Note Records ehrte Cassandra Wilson bereits vor einiger Zeit mit einer Spotify-Playlist, deren Titel nichts hinzuzuf&uuml;gen ist: <a href="https://open.spotify.com/playlist/2KsOUzkZKTVaaCDzX5doyW?si=c620ae37525046da" target="_blank" rel="noopener">"The Finest"</a>.

Joe Harriott: Das britische Jazz-Juwel „High Spirits“ neu auf Vinyl

Eine &uuml;berraschend zug&auml;ngliche Seite des gro&szlig;en Jazz-Innovators Joe Harriott: Am 16. Oktober erscheint &bdquo;High Spirits&ldquo; auf 180g-Vinyl in der Reihe BRITISH JAZZ EXPLOSION.

<h3 class="MsoNormal">&bdquo;High Spirits&ldquo;: Joe Harriott von einer anderen Seite</h3>
<a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Joe_Harriott" target="_blank" rel="noopener">Joe Harriott</a> z&auml;hlt zu den eigenst&auml;ndigsten und innovativsten Musikern des britischen Jazz. Der 1928 in Jamaika geborene Altsaxophonist hatte mit Alben wie &bdquo;Free Form&ldquo; und &bdquo;Abstract&ldquo; bereits Anfang der 1960er-Jahre radikal neue Wege beschritten. Auf <a href="https://www.jazzecho.de/british-jazz-explosion/diskografie/joe-harriott-quintet-high-spirits-lp-1295808" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;High Spirits&ldquo;</a> schlug er dagegen eine melodischere Richtung ein, ohne dabei etwas von seiner unverwechselbaren musikalischen Pers&ouml;nlichkeit einzub&uuml;&szlig;en.
Das im September 1964 aufgenommene Album widmet sich acht Songs aus dem gleichnamigen B&uuml;hnenmusical von Hugh Martin und Timothy Gray, das auf No&euml;l Cowards Theaterst&uuml;ck &bdquo;Blithe Spirit&ldquo; basiert. Die ebenso eleganten wie einfallsreichen Arrangements stammen von Pianist Pat Smythe, der sp&auml;ter auch eine wichtige Rolle bei Harriotts wegweisenden Indo-Jazz-Projekten spielen sollte.
<h3 class="MsoNormal">Ein herausragendes Joe-Harriott-Quintett</h3>
Neben Harriott und Smythe sind Shake Keane an Trompete und Fl&uuml;gelhorn, Coleridge Goode am Bass und Bobby Orr am Schlagzeug zu h&ouml;ren. Das Quintett verbindet die melodischen Vorlagen mit souver&auml;nem Post-Bop und brillanter Improvisation und verwandelt das ungew&ouml;hnliche Ausgangsmaterial in eigenst&auml;ndigen Modern Jazz.
1965 als Teil der von Produzent Denis Preston betreuten Lansdowne Series ver&ouml;ffentlicht, steht &bdquo;High Spirits&ldquo; etwas im Schatten von Harriotts experimentelleren Werken. Gerade seine Verbindung von Zug&auml;nglichkeit, ausgefeilten Arrangements und improvisatorischer Freiheit macht das Album heute jedoch zu einem besonderen Juwel des britischen Jazz der 1960er-Jahre.
<h3 class="MsoNormal">BRITISH JAZZ EXPLOSION: Neu gemastert auf 180g-Vinyl</h3>
Die Neuauflage erscheint im Rahmen der bei Jazzfans gefeierten Serie <a href="https://www.jazzecho.de/british-jazz-explosion" target="_blank" rel="noopener">BRITISH JAZZ EXPLOSION</a>. Gemastert wurde in den Abbey Road Studios von den originalen Stereo-Analogb&auml;ndern und auf 180g-Vinyl gepresst. Enthalten ist ein vierseitiges Faltblatt mit Abbildungen und einem neuen Text des Jazz-Experten und Serienproduzenten Tony Higgins.
&bdquo;High Spirits&ldquo; des Joe Harriott Quintet erscheint am 16. Oktober und kann&nbsp;<a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/the-joe-harriott-quintet-high-spirits-121782" target="_blank" rel="noopener">bereits vorbestellt werden</a>.
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Alan Skidmore Quintet: „Once Upon A Time“ kehrt auf Vinyl zurück

Ein Schl&uuml;sselwerk des britischen Modern Jazz wird neu aufgelegt: Am 16. Oktober erscheint &bdquo;Once Upon A Time&ldquo; des Alan Skidmore Quintet auf 180g-Vinyl in der gefeierten Reihe BRITISH JAZZ EXPLOSION.

<h3 class="MsoNormal">&bdquo;Once Upon A Time&ldquo;: Britischer Jazz im Aufbruch</h3>
Als <a href="https://alanskidmore.info/" target="_blank" rel="noopener">Alan Skidmore</a> sein Quintett 1969 f&uuml;r das Montreux Jazz Festival zusammenstellte, entstand eine Formation, deren Besetzung aus heutiger Sicht geradezu spektakul&auml;r erscheint. Neben dem Tenorsaxophonisten spielten Kenny Wheeler an Fl&uuml;gelhorn und Trompete, John Taylor am Klavier, Harry Miller am Bass und Tony Oxley am Schlagzeug &ndash; Musiker, die zu pr&auml;genden Stimmen des britischen und europ&auml;ischen Jazz werden sollten.
In Montreux sorgte die Band unmittelbar f&uuml;r Aufsehen und gewann gleich drei Preise, darunter die Auszeichnung als beste Gruppe sowie f&uuml;r Skidmore als bester Solist. Der Erfolg f&uuml;hrte zur Zusammenarbeit mit Deram-Produzent Peter Eden und schlie&szlig;lich zum Album <a href="https://www.jazzecho.de/british-jazz-explosion/diskografie/the-alan-skidmore-quintet-once-upon-a-time-lp-1295809" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Once Upon A Time&ldquo;</a>.
<h3 class="MsoNormal">Alan Skidmore zwischen Coltrane, Modal Jazz und freien Formen</h3>
1969 aufgenommen und 1970 auf Deram Nova ver&ouml;ffentlicht, dokumentiert das Album eine au&szlig;ergew&ouml;hnlich kreative Phase des britischen Modern Jazz. Skidmores kraftvolles, deutlich von John Coltrane beeinflusstes Tenorspiel trifft auf Modal Jazz, Post-Bop und zunehmend freie Formen.
Zu den H&ouml;hepunkten geh&ouml;ren John Surmans Titelst&uuml;ck &bdquo;Once Upon A Time&ldquo; und das fast zw&ouml;lfmin&uuml;tige &bdquo;Old San Juan&ldquo;, das Skidmore Jahrzehnte sp&auml;ter selbst zu seinen besten Aufnahmen z&auml;hlte. Das Zusammenspiel des Quintetts macht die LP zugleich zu einem faszinierenden fr&uuml;hen Dokument von f&uuml;nf Musikern, die die Entwicklung des europ&auml;ischen Jazz nachhaltig beeinflussten.
<h3 class="MsoNormal">BRITISH JAZZ EXPLOSION: Neu gemastert auf 180g-Vinyl</h3>
Die Neuauflage erscheint im Rahmen der bei Jazzfans gefeierten Serie <a href="https://www.jazzecho.de/british-jazz-explosion" target="_blank" rel="noopener">BRITISH JAZZ EXPLOSION</a>. Gemastert wurde von den originalen Stereo-Analogb&auml;ndern in den Abbey Road Studios und auf 180g-Vinyl gepresst. Enthalten ist ein vierseitiges Faltblatt mit Abbildungen und einem neuen Text des Jazz-Experten und Serienproduzenten Tony Higgins.
&bdquo;Once Upon A Time&ldquo; vom Alan Skidmore Quintet erscheint am 16. Oktober und kann <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/the-alan-skidmore-quintet-once-upon-a-time-121772" target="_blank" rel="noopener">bereits vorbestellt werden</a>.
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Ein Opus magnum von seltener Vielfalt und Schönheit

Das 1998 bei ECM Records ver&ouml;ffentlichte Album "Rites" gilt als eines der Meisterwerke des norwegischen Saxofonisten Jan Garbarek. Im Oktober erscheint es in der Luminessence Serie erstmals als Doppel-Vinyl.

Diese 2LP jetzt exklusiv im <a href="https://xmef507ztypzs3db-67448766516.shopifypreview.com/products_preview?preview_key=7ebbc2da75ce206579e0aa50cf3a60fa" target="_blank" rel="noopener">JazzEcho-Store</a> vorbestellen!
Der Titel des Albums weckt nat&uuml;rlich Assoziationen an Initiationsriten und Rituale, an etwas Archaisches und Magisches, aber auch an &Uuml;bergangsriten. Dies spiegelt sich auch in den St&uuml;cken wider, die der Saxofonist f&uuml;r das Repertoire zusammenstellte. Sie handeln von entscheidenden Episoden und Einfl&uuml;ssen in seinem eigenen Leben und dem seiner musikalischen Weggef&auml;hrten. Das St&uuml;ck "Malinye" (vom zweiten ECM-Album des Trios Codona) ist eine liebevolle Hommage an seinen Komponisten, den im Jahr 1995 verstorbenen Trompeter Don Cherry. Mit ihm hatte Garbarek, als er 17 Jahre alt war, das erste Mal 1964 in Oslo zusammengespielt. Zu den H&ouml;hepunkten des Albums geh&ouml;ren auch die spannenden Neuinterpretationen der beiden Garbarek-Klassiker "It&rsquo;s OK to listen to the gray voice" (vom gleichnamigen Album aus dem Jahr 1985) und "So mild the wind, so meek the water" (von dem 1987 erschienenen Soloalbum "<a href="https://www.jazzecho.de/jangarbarek/diskografie/all-those-born-with-wings-71309" target="_blank" rel="noopener">All Those Born with Wings</a>"). Auf "<a href="https://xmef507ztypzs3db-67448766516.shopifypreview.com/products_preview?preview_key=7ebbc2da75ce206579e0aa50cf3a60fa" target="_blank" rel="noopener">Rites</a>" gibt es zahlreiche Verweise auf die verschiedenen Musikrichtungen aus aller Welt - von Norwegen bis Indien -, mit denen sich Garbarek auf seinen eigenen Alben oder als Gast anderer K&uuml;nstler eingehend auseinandergesetzt hat. "We Are The Stars" ist die Vertonung eines Gedichts amerikanischer Ureinwohner. Das St&uuml;ck wird von jungen Mitgliedern des norwegischen Chors S&oslash;lvguttene gesungen, w&auml;hrend Garbareks Sopransaxofon die Stimmen umkreist. Eine der &Uuml;berraschungen des Albums ist das St&uuml;ck "The moon over Mtatsminda", das von dem georgischen Komponisten Jansug Kakhidze selbst gesungen wird und zusammen mit dem Tiflis-Sinfonieorchester aufgenommen wurde. Neben den Musikern von Jan Garbareks damaliger Tour-Band - dem Pianisten und Keyboarder Rainer Br&uuml;ninghaus, dem Bassisten Eberhard Weber sowie der Schlagzeugerin und Perkussionistin Marilyn Mazur - ist auf "Rites" als Gast au&szlig;erdem Bugge Wesseltoft zu h&ouml;ren. Der norwegische Keyboarder &uuml;berrascht in der Don-Cherry-Hommage als Akkordeonist und bereichert dar&uuml;ber hinaus auch mehrere St&uuml;cke mit elektronischen Klangfarben. Mit "Rites" legte Jan Garbarek 1998 zweifellos eines seiner vielschichtigsten Alben vor, auf dem er mit seiner subtilen Saxofonkunst zudem neue H&ouml;hen erreichte.
"&lsquo;Rites&rsquo; wirkt wie eine Garbarek-Retrospektive", schrieb Titus Arnu seinerzeit in der S&uuml;ddeutschen Zeitung &uuml;ber dieses Meisterwerk. "Dabei greift der Musiker nicht einfach alte Themen auf, sondern er fasst sie zusammen und entwickelt sie weiter. Es ist keine Nostalgie, sondern ein Blick zur&uuml;ck nach vorn. &lsquo;Rites&rsquo; greift eine Vielzahl von Eindr&uuml;cken auf, die Garbarek auf seinen Reisen gesammelt hat. So entsteht ein breites Klangpanorama aus Fragmenten norwegischer Volkslieder und arabischen Ankl&auml;ngen. (...) Garbarek ist vor allem ein fantastischer Zuh&ouml;rer. Er verzichtet auf musikalische Pointen, um das Gesamtgef&uuml;ge nicht zu st&ouml;ren."
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dodie kündigt Deluxe-Edition vom Album „Not For Lack Of Trying“ an

F&uuml;r die am 23. Oktober erscheinende Deluxe-Edition ihres zweiten Albums &bdquo;Not For Lack Of Trying&ldquo; hat die britische Singer-Songwriterin dodie neue Songs und Neuinterpretationen mit Freunden aufgenommen.

Die britische Singer-Songwriterin und Multiinstrumentalistin <a href="https://www.dodie.co/" target="_blank" rel="noopener">dodie</a> hat sich vom YouTube-Ph&auml;nomen zur international erfolgreichen Indie-Pop-K&uuml;nstlerin entwickelt. Mit knapp zwei Millionen Abonnenten und rund 460 Millionen YouTube-Views verf&uuml;gt sie &uuml;ber eine gro&szlig;e, loyale Fangemeinde. Die in Nord-London geborene K&uuml;nstlerin wurde zun&auml;chst mit selbst ver&ouml;ffentlichten Songs und Videos einem gro&szlig;en Publikum bekannt. Auf ihrem Deb&uuml;talbum &bdquo;Build A Problem&ldquo;, das 2021 bis auf Platz drei der britischen Charts kletterte, entwickelte sie ihren zwischen Indie-Pop, Folk und kammermusikalischen Arrangements angesiedelten Sound weiter.
<h3 class="MsoNoSpacing">Indie-Pop und eine Prise Jazz</h3>
Pers&ouml;nliches, oft schonungslos offenes Songwriting ist dabei ebenso zu einem Markenzeichen geworden wie ihr zur&uuml;ckgenommener Gesang und ein Faible f&uuml;r ungew&ouml;hnliche Harmonien. Aber auch der Jazz ist Bestandteil von dodies musikalischer Sprache. F&uuml;r das Compilation-Album <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/various-artists-chet-baker-re-imagined" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Chet Baker Re:Imagined&rdquo;</a> nahm sie beispielweise 2025 eine subtile Version des Standards <a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/0P5UfQqY9ZiL3YxDv0MigW?si=sduV0Zm3SFGuJwKNf9QnMw" target="_blank" rel="noopener">"Old Devil Moon"</a> auf, den Chet Baker unsterblich gemacht hatte.
Im selben Jahr folgte mit <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/dodie-not-for-lack-of-trying-black-vinyl-signed-art-card-104526" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Not For Lack Of Trying&ldquo; </a>ihr zweites Album. Gr&ouml;&szlig;tenteils zwischen London und Los Angeles geschrieben und gemeinsam mit dem Grammy-nominierten Produzenten Joe Rubel (Maisie Peters, Griff, Sigrid) produziert, besch&auml;ftigt sich die Platte mit Liebe und Trennung, Vergleichsdruck, Depression und der Suche nach Orientierung. Die f&uuml;r dodie typischen ged&auml;mpften Gitarren, schwebenden Streicher und mehrstimmigen Ges&auml;nge r&uuml;ckten dabei in eine musikalisch breiter aufgestellte Klangwelt.
<h3 class="MsoNoSpacing">Neue Songs und alte Favoriten in neuem Gewand</h3>
F&uuml;r die Deluxe-Edition kehrt dodie jetzt noch einmal zu diesem Album zur&uuml;ck. Mit &bdquo;Fruit In The Sun&ldquo; und &bdquo;As Far As We Know&ldquo; kommen zwei neue St&uuml;cke hinzu, au&szlig;erdem erscheint &bdquo;Maybe, Finally&ldquo; erstmals auf einem physischen Tontr&auml;ger. Vier Songs aus &bdquo;Not For Lack Of Trying&ldquo; wurden zudem in den Middle Farm Studios komplett neu interpretiert.
Daf&uuml;r lud dodie an ihrem 31. Geburtstag einige ihrer engsten musikalischen Weggef&auml;hrten aufs Land ein. Gemeinsam wurden die St&uuml;cke neu gelernt, arrangiert und eingespielt, neues Material ausprobiert und bis sp&auml;t in die Nacht gejammt. Dass zwischendurch auch noch alle in Kost&uuml;me des 19. Jahrhunderts schl&uuml;pften und ein Murder-Mystery-Spiel veranstalteten, d&uuml;rfte einiges &uuml;ber die Atmosph&auml;re dieser Sessions verraten.
Einen ersten Eindruck davon gibt &bdquo;HE CAN DO A PUSH-UP&ldquo;, die neue Version von &bdquo;I Feel Bad For You, Dave&ldquo;. Aus dem Albumst&uuml;ck wird dabei eine l&auml;ssige Bossa-Nova-Interpretation, die das Original noch einmal aus einem anderen musikalischen Winkel betrachtet.
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<h3 class="MsoNoSpacing">Gerade erst mit aron! am H&ouml;rer</h3>
Auch an anderer Stelle ist dodie derzeit als Kollaborateurin zu h&ouml;ren. Gemeinsam mit dem Jazz-Pop-S&auml;nger <a href="https://www.jazzecho.de/aron" target="_blank" rel="noopener">aron!</a> hat sie gerade das romantische Duett<a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/3anPrKr8RIkirBiEt9ljLu?si=96cYpv36R-mFF6S8ZKQb_g" target="_blank" rel="noopener"> &bdquo;Call When You Can&ldquo;</a> ver&ouml;ffentlicht. Die Verbindung der beiden reicht dabei weiter zur&uuml;ck: aron! bezeichnet dodie als langj&auml;hrige kreative Inspiration, begleitete sie Ende vergangenen Jahres als Support auf ihrer Europatour und wurde dabei kurzerhand auch Teil ihrer Tourband.
<h3 class="MsoNoSpacing">Deluxe-Edition kann vorbestellt werden</h3>
Mit der Deluxe-Ausgabe von &bdquo;Not For Lack Of Trying&ldquo; richtet sich der Blick nach den Kollaborationen wieder auf dodies eigene musikalische Welt, und auf ein Album, dessen Suche nach Verbindung, Klarheit und einem gelasseneren Umgang mit Unsicherheit offenbar noch nicht ganz abgeschlossen ist.
Die Deluxe Edition mit sieben zus&auml;tzlichen Songs erscheint am 23. Oktober als <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/dodie-not-for-lack-of-trying-deluxe-edition-121331" target="_blank" rel="noopener">transparente bzw. graue 140g Eco-Doppel-LP</a> sowie auf <a href="https://www.jazzecho.de/dodie/diskografie/not-for-lack-of-trying-deluxe-edition-1295664" target="_blank" rel="noopener">CD</a> und kann bereits vorbestellt werden.
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Marlena Shaw: Rare-Groove-Klassiker „The Spice of Life“ erscheint in der Thousand-Club-Serie

Eine Stimme, die bis heute nachhallt: Am 23. Oktober 2026 erscheint Marlena Shaws Klassiker &bdquo;The Spice of Life&ldquo; als streng limitierte Vinyl-Neuauflage, rein analog gepresst, individuell nummeriert und auf nur 1.000 Exemplare begrenzt.

<h3 class="MsoNormal">Marlena Shaws &bdquo;The Spice of Life&ldquo;: Ein Soul-Jazz-Klassiker kehrt auf Vinyl zur&uuml;ck</h3>
Manche Platten altern nicht, sie gewinnen mit den Jahrzehnten nur neue H&ouml;rer hinzu. <a href="https://www.bluenote.com/artist/marlena-shaw/" target="_blank" rel="noopener">Marlena Shaws</a> <a href="https://www.jazzecho.de/various-artists-jazz/diskografie/marlena-shaw-the-spice-of-life-thousand-club-1295684" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;The Spice of Life&ldquo;</a> geh&ouml;rt zweifellos in diese Kategorie. Das zweite Studioalbum der amerikanischen S&auml;ngerin erschien 1969 bei Cadet Records und entwickelte sich &uuml;ber die Jahre zu einem Klassiker zwischen Soul, Jazz, Funk und Blues, und zu einem Album, dessen Spuren weit &uuml;ber diese Genres hinausreichen.
Nun erscheint &bdquo;The Spice of Life&ldquo; in einer besonders hochwertigen Vinyl-Ausgabe innerhalb der <a href="https://thecircle.de/collections/the-thousand-club" target="_blank" rel="noopener">Thousand-Club-LP-Serie</a>. Die Edition ist auf weltweit 1.000 Exemplare limitiert.
<h3 class="MsoNormal">&bdquo;California Soul&ldquo; und &bdquo;Woman of the Ghetto&ldquo;: Zwei Songs mit langem Nachleben</h3>
Dass &bdquo;The Spice of Life&ldquo; kein Geheimtipp f&uuml;r Soul-Jazz-Liebhaber geblieben ist, liegt vor allem an zwei Aufnahmen. Da w&auml;re zun&auml;chst &bdquo;California Soul&ldquo;, geschrieben von Nickolas Ashford und Valerie Simpson. Marlena Shaws Version entwickelte sich zu einer ihrer bekanntesten Aufnahmen und zu einem Rare-Groove-Favoriten, dessen unwiderstehliche Verbindung von Orchester-Soul und Groove bis heute funktioniert.
Noch eindringlicher ist &bdquo;Woman of the Ghetto&ldquo;. Shaw schrieb den politisch aufgeladenen Song gemeinsam mit Bobby Miller und Richard Evans. Mit seiner Verbindung aus sozialem Kommentar, hypnotischem Groove und Shaws eindringlicher Performance wurde das St&uuml;ck &uuml;ber die Jahrzehnte immer wieder gecovert und gesampelt. Besonders prominent lebt Shaws Stimme in Blue Boys Dance-Hit &bdquo;Remember Me&ldquo; aus den 1990er-Jahren weiter.
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Doch &bdquo;The Spice of Life&ldquo; auf diese beiden St&uuml;cke zu reduzieren, w&uuml;rde dem Album nicht gerecht. Songs wie &bdquo;Liberation Conversation&ldquo;, &bdquo;Stormy Monday&ldquo; oder Shaws Interpretation von &bdquo;I Wish I Knew (How It Would Feel to Be Free)&ldquo; zeigen die enorme stilistische Spannweite der S&auml;ngerin. Soul und Jazz treffen auf Blues, fr&uuml;he Funk-Elemente und gesellschaftspolitisches Songwriting.
<h3 class="MsoNormal">Richard Evans und Charles Stepney: Der Sound hinter &bdquo;The Spice of Life&ldquo;</h3>
Einen entscheidenden Anteil am besonderen Charakter des Albums haben die Produzenten und Arrangeure Richard Evans und Charles Stepney. Sie schufen f&uuml;r Shaw einen ebenso &uuml;ppigen wie rhythmisch pr&auml;gnanten Sound: orchestrale Arrangements, markante Grooves und ungew&ouml;hnliche Klangfarben bilden den Rahmen f&uuml;r eine S&auml;ngerin, die m&uuml;helos zwischen Jazz-Phrasierung, Soul-Expressivit&auml;t und Blues wechseln konnte.
<h3 class="MsoNormal">Thousand Club: Vinyl-Klassiker in nur 1.000 Exemplaren</h3>
Mit dem Thousand Club widmet sich das Fontana-Label ausgew&auml;hlten Aufnahmen aus den Archiven in besonders limitierten Vinyl-Editionen. Das Konzept steckt bereits im Namen: Von jedem Titel werden lediglich 1.000 Exemplare hergestellt, jedes einzelne davon wird per Folienpr&auml;gung individuell von 1 bis 1000 nummeriert.
Die Serie reicht von rein analogen Neupressungen ausgew&auml;hlter Katalogklassiker bis zu eigens zusammengestellten Compilations von K&uuml;nstlern und spezialisierten Kuratoren. Bei den analogen Editionen bleibt die Signalkette vom analogen Ausgangsmaterial bis zum Lackschnitt ohne digitale Zwischenstufe.
Auch bei der Ausstattung setzt die Reihe bewusst auf den Charakter eines Sammlerst&uuml;cks: Die LPs werden auf schwarzem 180-Gramm-Vinyl gepresst und kommen in einer stabilen Kartonh&uuml;lle mit gepr&auml;gtem Thousand-Club-Logo, individueller Foliennummerierung, Foliensticker und zus&auml;tzlicher PVC-Schutzh&uuml;lle.
<h3 class="MsoNormal">Von Leaf Hound bis Small Faces: Die bisherigen Thousand-Club-Ver&ouml;ffentlichungen</h3>
Dass sich der Thousand Club nicht auf ein einzelnes Genre festlegt, zeigt schon ein Blick auf die Auswahl der Ver&ouml;ffentlichungen. Mit <a href="https://thecircle.de/collections/the-thousand-club/products/leaf-hound-growers-of-mushroom-117271" target="_blank" rel="noopener">Leaf Hounds &bdquo;Growers of Mushroom&ldquo;</a> nahm die Serie etwa ein gesuchtes britisches Hardrock- und Proto-Stoner-Rock-Kultalbum von 1971 auf. F&uuml;r die Edition wurde das Album von Alex Wharton in den Abbey Road Studios f&uuml;r eine rein analoge Ver&ouml;ffentlichung geschnitten.
Auch Progressive Rock findet seinen Platz: <a href="https://thecircle.de/collections/the-thousand-club/products/camel-the-snow-goose-117273" target="_blank" rel="noopener">Camels &bdquo;The Snow Goose&ldquo;</a>, das instrumentale Konzeptalbum von 1975, geh&ouml;rt ebenso zum Thousand Club wie <a href="https://thecircle.de/collections/the-thousand-club/products/caravan-for-girls-who-grow-plump-in-the-night-119911" target="_blank" rel="noopener">Caravans &bdquo;For Girls Who Grow Plump in the Night&ldquo;</a>.&nbsp;Mit dem selbstbetitelten Deb&uuml;talbum der <a href="https://thecircle.de/collections/small-faces/products/small-faces-small-faces-119910" target="_blank" rel="noopener">Small Faces</a> widmet sich die Reihe zudem einem Schl&uuml;sselwerk der britischen Mod-&Auml;ra. Die Thousand-Club-Ausgabe wurde von Alex Wharton in den Abbey Road Studios rein analog von den Original-Masterb&auml;ndern geschnitten.
Das Konzept reicht damit von Psychedelic und Hard Rock &uuml;ber Progressive Rock und Mod bis hin zu Soul und Jazz. Entscheidend ist weniger ein bestimmtes Genre als der besondere Stellenwert einer Aufnahme und ihre Eignung f&uuml;r eine hochwertige analoge Wiederentdeckung.
Marlena Shaw &ndash; &bdquo;The Spice of Life (Thousand Club)&ldquo; erscheint am 23. Oktober 2026 und kann <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/marlena-shaw-the-spice-of-life-thousand-club-121447" target="_blank" rel="noopener">bereits jetzt vorbestellt werden</a>.

Daniele Luppi kündigt Album „Wilma“ mit Michael Kiwanuka und Orion Sun an

Komponist und Produzent Daniele Luppi verbindet auf seinem neuen Album italienische Filmmusik mit modernen Sounds und den Stimmen von Michael Kiwanuka und Orion Sun. &bdquo;Wilma&ldquo; erscheint digital im Oktober und als LP im November.

<a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Daniele_Luppi" target="_blank" rel="noopener">Daniele Luppi</a> ist ein zweimal Emmy-nominierter, in L.A. lebender italienischer Film- und Fernsehkomponist und hat als Musikproduzent bereits mit K&uuml;nstlern wie den Red Hot Chili Peppers, Depeche Mode, Danger Mouse, Jack White und John Legend zusammengearbeitet. F&uuml;r sein neues Album <a href="https://www.jazzecho.de/daniele-luppi/diskografie/wilma-lp-1295745" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Wilma&ldquo;</a> kehrt er nun zu einer Leidenschaft zur&uuml;ck, die ihn seit seiner Kindheit begleitet: dem italienischen Kino und seiner Filmmusik. Das Album erscheint am 9. Oktober digital und am 13. November als LP auf dem legend&auml;ren Verve-Label.
<h3 class="MsoNormal">Daniele Luppi entdeckt vergessene italienische Filmmusik neu</h3>
Ausgangspunkt f&uuml;r &bdquo;Wilma&ldquo; war ein au&szlig;ergew&ouml;hnliches Musikarchiv, zu dem Luppi Zugang erhielt: Tausende Aufnahmen einiger der besten italienischen Studiokomponisten und -musiker der 60er-, 70er- und fr&uuml;hen 80er-Jahre. Die Tracks waren urspr&uuml;nglich f&uuml;r Filme, Werbespots, Kurzfilme und Dokumentationen entstanden, viele davon wurden jedoch nie verwendet und verschwanden f&uuml;r Jahrzehnte im Archiv.
Luppi h&ouml;rte sich durch mehr als tausend St&uuml;cke und suchte nach musikalischen Fragmenten, aus denen etwas vollkommen Neues entstehen konnte. Dabei ging es ihm ausdr&uuml;cklich nicht um eine nostalgische Rekonstruktion. Vielmehr bearbeitete und arrangierte er das historische Material neu und erg&auml;nzte es um zeitgen&ouml;ssische Instrumentierung, Synthesizer, Live-Drums und subtile Effekte. Das Ergebnis verbindet warme Analogkl&auml;nge und zeitlose Arrangements mit einer modernen Produktion zu einer eigenst&auml;ndigen filmischen Klangwelt. Pop, Soul und orchestrale Lounge-Sounds vermischen sich zu etwas v&ouml;llig Neuem.
<h3 class="MsoNormal">Michael Kiwanuka und Orion Sun als Stimmen von &bdquo;Wilma&ldquo;</h3>
F&uuml;r die Gesangsparts holte Luppi mit <a href="https://www.universal-music.de/michael-kiwanuka" target="_blank" rel="noopener">Michael Kiwanuka</a> und <a href="https://en.wikipedia.org/wiki/Orion_Sun" target="_blank" rel="noopener">Orion Sun</a> zwei markante Stimmen an Bord. Beide teilen sich die Songs des Albums und waren zudem am Songwriting beteiligt. Weitere Songtext-Beitr&auml;ge stammen von der GRAMMY-pr&auml;mierten simbabwisch-amerikanischen S&auml;ngerin und Songwriterin <a href="https://www.decoratedyouth.com/shungudzo/" target="_blank" rel="noopener">Shungudzo</a>.
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<h3 class="MsoNormal">&bdquo;Wilma&ldquo; erz&auml;hlt von Liebe, Zweifel und Verletzlichkeit</h3>
Thematisch kreist &bdquo;Wilma&ldquo; um die Liebe &ndash; allerdings fernab einer idealisierten Romanze. Luppi besch&auml;ftigt sich mit den Widerspr&uuml;chen moderner Beziehungen, mit Sehnsucht und Unsicherheit, Selbstzweifeln und Vertrauen sowie der Frage, wie viel Verletzlichkeit echte N&auml;he verlangt.
So entstand ein Album, das Vergangenheit und Gegenwart auf mehreren Ebenen miteinander verbindet: Jahrzehntealte Aufnahmen italienischer Studiomusiker werden zum Ausgangspunkt f&uuml;r neue Songs, w&auml;hrend Kiwanuka und Orion Sun ihnen eine neue emotionale Perspektive verleihen.
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Michael Garrick: Vier wegweisende Argo-Alben erstmals wieder auf Vinyl

Vier Schl&uuml;sselwerke eines Pioniers des britischen Modern Jazz in einer Box: Am 6. November erscheint mit &bdquo;Voyages &ndash; The Argo Studio Albums Vol. 1&ldquo; eine neue 4-LP-Edition von Michael Garrick innerhalb der gefeierten Reihe BRITISH JAZZ EXPLOSION.

<h3 class="MsoNormal">Michael Garrick: Eine Schl&uuml;sselfigur des britischen Modern Jazz</h3>
Pianist und Komponist <a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Michael_Garrick" target="_blank" rel="noopener">Michael Garrick</a> (1933&ndash;2011) geh&ouml;rte seit den fr&uuml;hen 1960er-Jahren zu den eigenst&auml;ndigsten K&ouml;pfen der britischen Jazzszene. Weitgehend Autodidakt, studierte er zun&auml;chst englische Literatur am University College London &ndash; eine Pr&auml;gung, die sich sp&auml;ter in seiner engen Verbindung von Jazz, Lyrik und Literatur widerspiegelte. Gemeinsam mit dem Dichter Jeremy Robson initiierte er Anfang der 1960er-Jahre die Reihe &bdquo;Poetry and Jazz in Concert&ldquo;, arbeitete mit Joe Harriott und Shake Keane und war sp&auml;ter ein wichtiges Mitglied des legend&auml;ren Don Rendell/Ian Carr Quintet. 2010 wurde Garrick f&uuml;r seine Verdienste um die Musik mit dem MBE ausgezeichnet.
Die neue Box <a href="https://www.jazzecho.de/british-jazz-explosion/diskografie/michael-garrick-voyage-the-argo-years-vol-i-british-jazz-explosion-1296025" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Voyages &ndash; The Argo Studio Albums Vol. 1&ldquo;</a> versammelt vier urspr&uuml;nglich bei Argo ver&ouml;ffentlichte Alben: &bdquo;The Heart Is A Lotus&ldquo; (1970), &bdquo;Mr Smith&rsquo;s Apocalypse&ldquo; (1971), &bdquo;Home Stretch Blues&ldquo; (1972) und &bdquo;Troppo&ldquo; (1974). Sie dokumentieren eine besonders produktive Phase, in der Garrick eine unverkennbar britische Variante des Modern Jazz entwickelte &ndash; zwischen Post-Bop, modalen Formen, freieren Strukturen und literarisch gepr&auml;gten Klangkonzepten.
<h3 class="MsoNormal">Von &bdquo;The Heart Is A Lotus&ldquo; bis &bdquo;Troppo&ldquo;</h3>
&bdquo;The Heart Is A Lotus&ldquo; entstand im Januar 1970 in den Decca Studios in London und geh&ouml;rt zu Garricks bekanntesten Arbeiten. Charakteristisch ist die Verwendung von Norma Winstones Stimme als integraler Bestandteil des Ensembles, nicht lediglich als klassische Jazz-Vokalstimme. Neben ihr sind unter anderem Ian Carr, Don Rendell, Art Themen, Coleridge Goode beziehungsweise Dave Green und Trevor Tomkins zu h&ouml;ren.
Noch st&auml;rker in Richtung gro&szlig;formatiger Komposition weist &bdquo;Mr Smith&rsquo;s Apocalypse&ldquo; von 1971. Unter dem Namen Garrick&rsquo;s Fairground verbindet das zweiteilige Werk Jazzensemble, Chor und gesprochene Stimmen. Garrick selbst spielt Orgel; hinzu kommen Don Rendell, Art Themen, Henry Lowther, Coleridge Goode und Trevor Tomkins sowie Norma Winstone und mehrere Sprecher. Das Album zeigt besonders deutlich Garricks Interesse daran, Jazz &uuml;ber die klassische Folge von Thema, Soli und Reprise hinaus zu erweitern.
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<h3 class="MsoNormal">Norma Winstone, Don Rendell und die Entwicklung eines eigenen Sounds</h3>
Auf &bdquo;Home Stretch Blues&ldquo; von 1972 r&uuml;ckte Garrick wieder st&auml;rker die kleinere Band in den Mittelpunkt. Neben Norma Winstone spielen Art Themen, Don Rendell, Henry Lowther, Dave Green und Trevor Tomkins. Der Titeltrack verbindet bluesbasierte Elemente mit Garricks komplexerer Formensprache, w&auml;hrend die umfangreiche Suite &bdquo;Fire Opal And Blue Poppies&ldquo; seine Vorliebe f&uuml;r gr&ouml;&szlig;ere musikalische B&ouml;gen zeigt. Bereits eine zeitgen&ouml;ssische Rezension hob Winstones F&auml;higkeit hervor, sich wie eine gleichberechtigte Instrumentalstimme in das Ensemble einzuf&uuml;gen.
Den Abschluss der Box bildet &bdquo;Troppo&ldquo;, 1973 aufgenommen und 1974 ver&ouml;ffentlicht. Hier erscheint Garricks Bandsprache besonders ausgereift: ungerade Metren, farbenreiche Arrangements und flie&szlig;ende &Uuml;berg&auml;nge zwischen Ensemblepassagen und Improvisation pr&auml;gen das Album. &bdquo;Fellow Feeling&ldquo; ist eine Hommage an Joe Harriott, w&auml;hrend &bdquo;Lime Blossom&ldquo; Norma Winstone in einer besonders lyrischen Rolle zeigt. Jazz Journal lobte damals Garricks Abkehr von der konventionellen &bdquo;Ensemble&ndash;Solo&ndash;Ensemble&ldquo;-Struktur und die au&szlig;ergew&ouml;hnliche Geschlossenheit der Band.
<h3 class="MsoNormal">BRITISH JAZZ EXPLOSION: Vier Argo-Klassiker als 180-g-Vinyl-Box</h3>
F&uuml;r die limitierte Edition wurden alle vier Alben in den Abbey Road Studios rein analog und direkt von den originalen Stereo-Masterb&auml;ndern neu gemastert. Die Box enth&auml;lt vier schwarze 180-g-LPs in drei Single-Sleeves und einem Gatefold-Cover mit den originalen Artworks sowie gef&uuml;tterten Innenh&uuml;llen. Hinzu kommt ein LP-gro&szlig;es 20-seitiges Booklet mit einem neuen Text des preisgekr&ouml;nten Jazz-Autors Stuart Nicholson, einer Einf&uuml;hrung von Serienproduzent Tony Higgins sowie Fotografien und Abbildungen der originalen Tape-Boxen.
&bdquo;Voyages &ndash; The Argo Studio Albums Vol. 1&ldquo; von Michael Garrick erscheint am 6. November innerhalb der BRITISH JAZZ EXPLOSION-Serie und kann <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/michael-garrick-voyage-the-argo-years-vol-i-122259" target="_blank" rel="noopener">bereits vorbestellt werden</a>.
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