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70 Jahre Verve Records: Jazzstars feiern mit „Always Hip"

Zum 70-j&auml;hrigen Jubil&auml;um ver&ouml;ffentlicht Verve am 20. November 2026 ein Album, auf dem Gr&ouml;&szlig;en wie Steve Jordan, Ron Carter und Monty Alexander St&uuml;cke aus der Geschichte des Labels zu neuem Leben erwecken.

<h3 class="MsoNormal">Sieben Jahrzehnte Jazzgeschichte &ndash; und kein bisschen von gestern</h3>
Kaum ein anderes Plattenlabel hat die Geschichte des Jazz so nachhaltig gepr&auml;gt wie <a href="https://www.jazzecho.de/labels/verve-5806" target="_blank" rel="noopener">Verve Records</a>. Seit seiner Gr&uuml;ndung im Jahr 1956 steht das Label f&uuml;r wegweisende Aufnahmen, au&szlig;ergew&ouml;hnliche K&uuml;nstler und eine musikalische Offenheit, die weit &uuml;ber die Grenzen des Jazz hinausreicht. Mit <a href="https://www.jazzecho.de/various-artists-jazz/diskografie/various-artists-always-hip-verve-at-70-lp-1296355" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Always Hip: Verve at 70&ldquo;</a> setzt Verve nun den Schlusspunkt unter eine Reihe von Jubil&auml;umsver&ouml;ffentlichungen. Das Album versammelt ein generationen&uuml;bergreifendes Ensemble herausragender Musiker, die sich Klassikern aus dem umfangreichen Verve-Katalog widmen, nicht als nostalgische R&uuml;ckschau, sondern mit frischen Ideen und einer geh&ouml;rigen Portion Spielfreude.
Die zehn St&uuml;cke umfassende Sammlung erscheint am 20. November 2026 auf <a href="https://www.jazzecho.de/various-artists-jazz/diskografie/various-artists-always-hip-verve-at-70-lp-1296355" target="_blank" rel="noopener">Doppel-LP</a> und <a href="https://www.jazzecho.de/various-artists-jazz/diskografie/various-artists-always-hip-verve-at-70-1296356" target="_blank" rel="noopener">CD</a>, und kann bereits jetzt vorbestellt werden.
<h3 class="MsoNormal">Steve Jordan bringt Jazzlegenden zusammen</h3>
F&uuml;r die musikalische Leitung und Produktion von &bdquo;Always Hip: Verve at 70&ldquo; zeichnet Steve Jordan verantwortlich. Der Grammy-pr&auml;mierte Schlagzeuger und Produzent geh&ouml;rt seit Jahrzehnten zu den gefragtesten Musikern der internationalen Szene. Er arbeitete unter anderem mit Keith Richards, John Mayer, B.B. King, Bob Dylan, Neil Young und Stevie Nicks zusammen. Seit 2021 sitzt er zudem bei den Rolling Stones am Schlagzeug.
F&uuml;r das Verve-Jubil&auml;um hat Jordan, der auch selbst auf zahlreichen St&uuml;cken zu h&ouml;ren ist, ein beeindruckendes Aufgebot an Jazzmusikern zusammengebracht. Zu den Mitwirkenden z&auml;hlen die Bassisten Ron Carter, Buster Williams und Rufus Reid, die Schlagzeuger Billy Hart und Lenny White sowie Pianist Monty Alexander.
Besonders Ron Carter verk&ouml;rpert wie kaum ein anderer die Geschichte des modernen Jazz. Als Mitglied des legend&auml;ren zweiten Miles-Davis-Quintetts mit Herbie Hancock, Wayne Shorter und Tony Williams pr&auml;gte er in den 1960er-Jahren den Sound einer ganzen Epoche. Mit Tausenden von Aufnahmen gilt der inzwischen 89-j&auml;hrige Bassist zudem als einer der meistbesch&auml;ftigten Studiomusiker der Jazzgeschichte.
Auch Monty Alexander blickt auf eine au&szlig;ergew&ouml;hnliche Karriere zur&uuml;ck. Der aus Jamaika stammende Pianist verbindet seit mehr als sechs Jahrzehnten die Eleganz des klassischen Jazzpianos mit den mitrei&szlig;enden Rhythmen seiner karibischen Heimat. Swing, Bebop, Blues und Reggae verschmelzen in seinem Spiel zu einer unverwechselbaren musikalischen Sprache.
Mit Jeremy Pelt ist au&szlig;erdem einer der profiliertesten Trompeter des zeitgen&ouml;ssischen Jazz vertreten. Der Amerikaner, der unter anderem mit der Mingus Big Band und zahlreichen Jazzgr&ouml;&szlig;en zusammenarbeitete, steht f&uuml;r einen modernen Post-Bop-Sound, der fest in der Tradition verwurzelt ist und zugleich immer wieder neue Wege beschreitet.
<h3 class="MsoNormal">Jazzklassiker in frischem Gewand</h3>
Einen ersten Vorgeschmack auf das Album gibt die Single <a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/7cYYXhyJAKIFzDHFrwwh6a?si=daI6ESwiTRm7-WJ1xvYxHw" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Always&ldquo;</a>. F&uuml;r ihre Interpretation der Irving-Berlin-Komposition haben sich Jeremy Pelt, Monty Alexander, Ron Carter und Steve Jordan zusammengefunden.
Aufgenommen wurde &bdquo;Always Hip: Verve at 70&ldquo; im traditionsreichen Van Gelder Studio, in dem einige der bedeutendsten Alben der Jazzgeschichte entstanden sind. Damit schl&auml;gt auch der Aufnahmeort eine direkte Br&uuml;cke zur gro&szlig;en Vergangenheit des Genres.
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<h3 class="MsoNormal">Von Ella Fitzgerald bis Samara Joy: 70 Jahre Verve Records</h3>
Die Geschichte von Verve begann 1956 mit einer ebenso einfachen wie ambitionierten Idee: Jazzimpresario und Produzent Norman Granz wollte f&uuml;r Ella Fitzgerald ein eigenes musikalisches Zuhause schaffen. Daf&uuml;r f&uuml;hrte er seine bisherigen Labels Clef und Norgran zusammen und gr&uuml;ndete Verve Records. Zu den ersten Ver&ouml;ffentlichungen geh&ouml;rte Fitzgeralds bahnbrechendes Album <a href="https://www.jazzecho.de/verve-acoustic-sounds-series/diskografie/ella-fitzgerald-sings-the-cole-porter-song-book-acoustic-sounds-1292635" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Ella Fitzgerald Sings the Cole Porter Songbook&ldquo;</a>, das den Grundstein f&uuml;r eine der bedeutendsten Labelgeschichten des Jazz legte.
In den folgenden Jahrzehnten wurde Verve zur Heimat unz&auml;hliger Jazzgr&ouml;&szlig;en, darunter Louis Armstrong, Billie Holiday, Oscar Peterson, Stan Getz, Dizzy Gillespie und Bill Evans. Mit Alben wie <a href="https://www.jazzecho.de/verve-essentials/diskografie/stan-getz-joao-gilberto-getzgilberto-verve-essentials-1295589" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Getz/Gilberto&ldquo;</a> trug das Label ma&szlig;geblich dazu bei, die Bossa Nova einem weltweiten Publikum n&auml;herzubringen. Sp&auml;ter fanden auch K&uuml;nstler jenseits des klassischen Jazz, etwa Frank Zappa und The Velvet Underground, ihren Platz im Verve-Kosmos.&nbsp;Bis heute ist das Label eine wichtige Adresse f&uuml;r musikalische Individualisten. Mit K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstlern wie Diana Krall, Jon Batiste und Samara Joy schreibt Verve seine Geschichte kontinuierlich fort.
ALWAYS HIP: VERVE AT 70 &mdash; TRACKLIST
1. &ldquo;We See&rdquo; (Thelonious Monk) &mdash; 6:06 Buster Williams, Steve Wilson, Stefon Harris, George Colligan, Lenny White
2. &ldquo;Organ Grinder Swing&rdquo; (Irving Mills / Mitchell Parish / Will Hudson) &mdash; 3:14 Mike LeDonne, Mark Whitfield, Billy Hart
3. &ldquo;Always&rdquo; (Irving Berlin) &mdash; 5:25 Jeremy Pelt, Monty Alexander, Ron Carter, Steve Jordan
4. &ldquo;Soul Sauce (Gauchi Guaro)&rdquo; (Dizzy Gillespie / Chano Pozo) &mdash; 6:31 Sammy Figueroa, Felipe Fournier, Bill O'Connell, James Genus, Steve Jordan, Marcos Torres
5. &ldquo;A Wonderful Guy&rdquo; (Rodgers &amp; Hammerstein) &mdash; 9:17 Monte Croft, Bill O'Connell, Rufus Reid, Nasheet Waits
6. &ldquo;Spanish Grease&rdquo; (Willie Bobo / Melvin Lastie) &mdash; 4:22 Sammy Figueroa, Felipe Fournier, Antoine Roney, Clifton Anderson, Monte Croft, Bill O'Connell, James Genus, Steve Jordan, Marcos Torres
7. &ldquo;Very Early&rdquo; (Bill Evans / Carol Hall) &mdash; 6:53 Bill O'Connell, Rufus Reid, Nasheet Waits
8. &ldquo;Sumphin&rsquo;&rdquo; (Dizzy Gillespie) &mdash; 6:46 Clifton Anderson, Antoine Roney, Bill O'Connell, James Genus, Steve Jordan
9. &ldquo;Bumpin&rsquo; On Sunset&rdquo; (Wes Montgomery) &mdash; 5:43 Mark Whitfield, Mike LeDonne, James Genus, Steve Jordan, Sammy Figueroa
10. &ldquo;Song of the Outcasts&rdquo; (Buster Williams) &mdash; 10:02 Buster Williams, Steve Wilson, Stefon Harris, George Colligan, Lenny White

Don Was und das Pan-Detroit Ensemble feiern die Musik der Grateful Dead mit neuem Livealbum

<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%; font-family: 'Aptos',sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: Aptos; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: 'Times New Roman'; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-ansi-language: DE; mso-fareast-language: EN-US; mso-bidi-language: AR-SA;">Am 20. November<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%; font-family: 'Aptos',sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: Aptos; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: 'Times New Roman'; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-ansi-language: DE; mso-fareast-language: EN-US; mso-bidi-language: AR-SA;"> erscheint mit &bdquo;Live Dispatch Vol. 1: Blues For Allah &rsquo;26&ldquo; ein Album, mit dem Don Was and the Pan-Detroit Ensemble die Musik der legend&auml;ren Grateful Dead neu erleben lassen.

<a href="https://www.jazzecho.de/various-artists-jazz/diskografie/don-was-live-dispatch-vol-1-blues-for-allah-26-lp-1296352" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Live Dispatch Vol. 1: Blues For Allah &rsquo;26&ldquo;</a> ist der Titel des au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Livealbums, mit dem <a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Don_Was">Don Was</a> zwei f&uuml;r ihn pr&auml;gende musikalische Welten miteinander verbindet: den improvisatorischen Kosmos der Kultband <a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Grateful_Dead" target="_blank" rel="noopener">Grateful Dead</a> und den unverwechselbaren Groove seiner Heimatstadt Detroit.
Der sechsfache Grammy-Gewinner, Produzent, Bassist und langj&auml;hrige Pr&auml;sident von Blue Note Records spielte seit 2018 gemeinsam mit Grateful-Dead-Mitbegr&uuml;nder Bob Weir in dessen Band Wolf Bros. Aus dieser engen musikalischen Zusammenarbeit entstand eine tiefe Verbindung zum Repertoire der legend&auml;ren US-Band. Auf &bdquo;Live Dispatch Vol. 1&ldquo; interpretiert Don Was diese Musik nun mit seinem 2024 gegr&uuml;ndeten Pan-Detroit Ensemble neu.
Die sechs Liveaufnahmen entstanden w&auml;hrend der Tour zum 50-j&auml;hrigen Jubil&auml;um des Grateful-Dead-Klassikers &bdquo;Blues for Allah&ldquo; und pr&auml;sentieren unter anderem &bdquo;Help On The Way &gt; Slipknot! &gt; Franklin&rsquo;s Tower&ldquo;, &bdquo;The Music Never Stopped&ldquo;, &bdquo;Crazy Fingers&ldquo; und den Titelsong &bdquo;Blues For Allah&ldquo;. Anstatt die Originale nachzuspielen, &uuml;berf&uuml;hrt das Ensemble sie in einen kraftvollen Sound zwischen Jazz, Soul, Blues und Funk, gepr&auml;gt von gro&szlig;er Spielfreude und improvisatorischer Offenheit.
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Zum Pan-Detroit Ensemble geh&ouml;ren neben Don Was am Bass Steffanie Christi&rsquo;an (Gesang), Jeff Canady (Schlagzeug), Vincent Chandler (Posaune), John Douglas (Trompete), Wayne Gerard (Gitarre), Mahindi Masai (Percussion), David McMurray (Saxophon) sowie Luis Resto (Keyboard, Violine). Die Aufnahmen entstanden live in Florida, Colorado und Pennsylvania und fangen die besondere Dynamik der Konzerte eindrucksvoll ein.
&bdquo;Live Dispatch Vol. 1: Blues For Allah &rsquo;26&ldquo; erscheint am 20. November bei Verve Records und kann <a href="https://www.jazzecho.de/various-artists-jazz/diskografie/don-was-live-dispatch-vol-1-blues-for-allah-26-lp-1296352" target="_blank" rel="noopener">bereit jetzt vorbestellt werden.</a>

Intime Jazzballaden, die tief unter die Haut gehen

Mit "Jasmine" schufen der Pianist Keith Jarrett und der Bassist Charlie Haden im Jahr 2010 ein traumhaftes Duo-Album mit balladesken Jazzstandards. In der "Luminessence"-Reihe von ECM erscheint es am 20. November erstmals als Doppelalbum auf Vinyl.

"Na endlich!", werden sich viele Jazzfans gedacht haben, als ECM Records im Mai 2010 "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/jasmine-luminessence-series-2lp-hi-res-download-1296304" target="_blank" rel="noopener">Jasmine</a>" ver&ouml;ffentlichte, das erste Duo-Album des Pianisten Keith Jarrett mit dem Bassisten Charlie Haden. Dass es nicht schon wesentlich fr&uuml;her dazu gekommen war, ist in der Tat verwunderlich. Denn als Jarrett 1967 &ndash; vier Tage vor seinem 22. Geburtstag &ndash; mit Haden und dem Schlagzeuger Paul Motian sein Deb&uuml;talbum "Life Between the Exit Signs" f&uuml;r das Atlantic-Sublabel Vortex aufnahm, sprang der kreative Funke zwischen den Musikern auf Anhieb &uuml;ber. In den folgenden neun Jahren spielten sie zusammen sechzehn weitere Alben ein &ndash; mal als Trio, mal mit dem Saxofonisten Dewey Redman als viertem Mann in Jarretts "American Quartet". Ende 1976 trennten sich die Karrierewege von Jarrett und Haden, um sich erst 31 Jahre sp&auml;ter erneut zu kreuzen. Die Wiedervereinigung kam dabei eher zuf&auml;llig zustande. Anfang 2007 bat der Dokumentarfilmer Reto Caduff den Pianisten, sich f&uuml;r "Rambling Boy", ein Biopic &uuml;ber Haden, an die Zusammenarbeit mit dem Bassisten in den 70er Jahren zu erinnern. Als sich die beiden w&auml;hrend der Dreharbeiten trafen, kamen sie auf die Idee, noch einmal v&ouml;llig zwanglos zusammenzuspielen. Diese Session machte ihnen so viel Spa&szlig;, dass Jarrett Haden anschlie&szlig;end zu sich nach Hause einlud, um dort weiterzumachen. Und so trafen sie sich im M&auml;rz 2007 und zogen sich vier Tage lang in Jarretts Heimstudio in Oxford Township, New Jersey, zur&uuml;ck. Das Resultat dieser intimen Aufnahmesession, bei der das Duo balladesken Jazzstandards neuen Glanz verlieh, wurde im Mai 2010 &ndash; anl&auml;sslich von Jarretts 65. Geburtstag &ndash; von ECM Records auf dem Album "Jasmine" ver&ouml;ffentlicht. Die internationale Presse feierte es unisono als wahres Meisterwerk zweier Ausnahmemusiker an ihren Instrumenten.&nbsp;
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Eine absolute Rarit&auml;t in Keith Jarretts &OElig;uvre!
In Jarretts sehr umfangreicher ECM-Diskografie stellt das Album "Jasmine" eine Besonderheit dar. Zwar hatte er mit "Ruta and Daitya&rdquo; eines seiner ersten Alben f&uuml;r das Label von Manfred Eicher 1971 im Duo mit dem Schlagzeuger Jack DeJohnette eingespielt, danach machte er jedoch nur noch vier Duo-Alben mit klassischen Musiker:innen. Ganz anders Charlie Haden: Er entwickelte Mitte der 1970er Jahre ein Faible f&uuml;r Duette und nahm mit Musikern wie Ornette Coleman, Hampton Hawes, Egberto Gismonti, Jim Hall, Hank Jones, Kenny Barron, John Taylor, Gonzalo Rubalcaba und Brad Mehldau zwanzig Alben in diesem Format auf. Auf dem ersten dieser Alben, "<a href="https://www.jazzecho.de/charliehaden/diskografie/closeness-duets-69963" target="_blank" rel="noopener">Closeness</a>&rdquo; aus dem Jahr 1976, war er in einem St&uuml;ck im Duo mit Keith Jarrett zu h&ouml;ren. Schon damals sangen sie mehr auf ihren Instrumenten, als dass sie "nur" spielten, und bewiesen ihren Sinn f&uuml;r Poesie und R&auml;umlichkeit. Und obwohl beide noch ziemlich am Anfang ihrer Solokarriere standen, lag der Fokus ganz auf der Musik und nicht auf ihrem Ego.
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Die hohe Kunst des Duos wird auf einen neuen Gipfel getrieben
All diese Qualit&auml;ten zeigte das Duo auch bei den Aufnahmen f&uuml;r "Jasmine", wobei die beiden K&uuml;nstler inzwischen 30 Jahre gereifter waren und &uuml;ber einen weitaus gr&ouml;&szlig;eren Erfahrungsschatz und ein umfangreicheres musikalisches Vokabular verf&uuml;gten. So gelang es ihnen, die hohe Kunst des Duos auf ein vollkommen neues Level zu heben. "Jasmine&lsquo; ist tats&auml;chlich eine vertr&auml;umte Nachtmusik", schrieb Uli Bernays in der Neuen Z&uuml;rcher Zeitung, als das Album im Jahr 2010 erschien. "Das Interplay wirkt ruhig, gelassen und schlafwandlerisch sicher. Dabei hatten die beiden jahrzehntelang nicht zusammen musiziert. [...] Die Partner mochten die Kompositionen &ndash; alte, eher selten gespielte Standards &ndash; nicht gro&szlig; variieren oder dekonstruieren. Sie lie&szlig;en sich auf die musikalische Vorgabe quasi wie auf ein momentanes Schicksal ein. Statt die St&uuml;cke zu verfremden, verkl&auml;ren sie diese."
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Am 20. November erscheint "Jasmine" in der "Luminessence"-Reihe von ECM Records erstmals als Doppelalbum auf Vinyl und ist ab sofort exklusiv im <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/keith-jarrett" target="_blank" rel="noopener">JazzEcho-Store</a> vorbestellbar. Das Album ist dort zudem als Download im <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/keith-jarrett-charlie-haden-jasmine-122679" target="_blank" rel="noopener">Hi-Res-Audio-Format</a> erh&auml;ltlich.

Clifford Brown auf acht LPs: „The EmArcy Master Takes“ kehrt als Sammlerbox zurück

Ein strahlender Trompetenton und Aufnahmen f&uuml;r die Ewigkeit: Clifford Browns &bdquo;The EmArcy Master Takes&ldquo; erscheint am 6.11. als limitierte 8-LP-Box - exklusiv im JazzEcho-Store.

Manche Musiker brauchen nur wenige Takte, um unverwechselbar zu sein. <a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Clifford_Brown" target="_blank" rel="noopener">Clifford Brown</a> geh&ouml;rte dazu. Sein Trompetenton verband W&auml;rme und Leuchtkraft, seine Improvisationen technische Brillanz mit melodischer Eleganz. Selbst in rasanten Passagen blieb seine Musik von einer Klarheit, die bis heute fasziniert. Brown war gerade einmal 25 Jahre alt, als er 1956 bei einem Autounfall starb. Seine kurze Karriere hinterlie&szlig; dennoch ein Werk, das ihn zu einem der bedeutendsten Trompeter des modernen Jazz machte.
Zum 70. Jubil&auml;um von Verve r&uuml;ckt dieses Verm&auml;chtnis erneut ins Zentrum: <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/clifford-brown-the-emarcy-master-takes-123536" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Clifford Brown &ndash; The EmArcy Master Takes&ldquo;</a> erscheint am 6. November als exklusive 8-LP-Sammlerbox und ist exklusiv nur im JazzEcho-Store erh&auml;ltlich. Sie vereint die 49 Master-Takes seiner EmArcy-Sessions von 1954 bis 1956, jene Aufnahmen, aus denen sieben klassische Alben hervorgingen.
<h3 class="MsoNoSpacing">Von der gefeierten CD-Edition zur Vinylbox</h3>
Bereits 2009 machte Verve diese Aufnahmen mit einer aufwendig ausgestatteten 4-CD-Box zug&auml;nglich. Die Sammlung bot mehr als vier Stunden Musik und verband die Master-Takes mit einer ausf&uuml;hrlichen Booklet-Dokumentation. Wie gut dieses Konzept ankam, zeigt eine zeitgen&ouml;ssische Besprechung von Audiophile Audition: Das Magazin vergab im Februar 2010 f&uuml;nf Sterne und hob sowohl die musikalische Bedeutung der Zusammenstellung als auch die Qualit&auml;t des damaligen Remasterings hervor.
Die neue Vinyl-Ausgabe f&uuml;hrt diese Tradition fort. Hier ist eine gro&szlig;formatige Fassung des urspr&uuml;nglichen Booklets enthalten, mit einem ausf&uuml;hrlichen Essay des Grammy-pr&auml;mierten Autors Francis Davis, detaillierten Track-Informationen und seltenen Fotos. So bietet die Box neben der Musik auch diesmal wieder einen Zugang zu den Menschen und Sessions hinter den Aufnahmen.
<h3 class="MsoNoSpacing">Clifford Brown und Max Roach: Eine pr&auml;gende Partnerschaft</h3>
Bevor Clifford Brown gemeinsam mit Max Roach Jazzgeschichte schrieb, sammelte er unter anderem bei Tadd Dameron, Lionel Hampton und Art Blakey Erfahrungen. Schon damals fiel er als Trompeter auf, dessen musikalische Reife weit &uuml;ber sein Alter hinausging. 1954 gr&uuml;ndeten Brown und Roach ihre gemeinsame Band. Mit Harold Land am Tenorsaxofon, Richie Powell am Klavier und George Morrow am Bass entstand eine Formation, die zu den pr&auml;genden Ensembles des Hard Bop geh&ouml;rte.
Browns melodischer Einfallsreichtum und Roachs rhythmische Beweglichkeit erg&auml;nzten sich ideal. Hier spielte eine Band, die Virtuosit&auml;t in gemeinsames musikalisches Denken verwandelte: Die Solisten befl&uuml;gelten einander, w&auml;hrend die Rhythmusgruppe jede Wendung aufmerksam aufgriff. Ihre rund 18 Monate umfassende Zusammenarbeit f&uuml;r EmArcy brachte Aufnahmen hervor, deren Energie und Erfindungsreichtum bis heute Ma&szlig;st&auml;be setzen.
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<h3 class="MsoNoSpacing">Vom Hard Bop bis zu den Streicheraufnahmen</h3>
Die Spannweite dieser Musik erschlie&szlig;t sich &uuml;ber die in der Sammlung vertretenen Albumklassiker: &bdquo;Clifford Brown &amp; Max Roach&ldquo;, &bdquo;Brown And Roach Incorporated&ldquo;, &bdquo;Best Coast Jazz&ldquo;, &bdquo;Caravan&ldquo;, &bdquo;Clifford Brown With Strings&ldquo;, &bdquo;Study In Brown&ldquo; und &bdquo;Clifford Brown &amp; Max Roach At Basin Street&ldquo;.
Neben den Quintettaufnahmen stehen Sessions mit weiteren namhaften Musikern sowie Browns Begegnung mit einem Streicherensemble unter der Leitung von Neal Hefti. Gerade &bdquo;Clifford Brown With Strings&ldquo; er&ouml;ffnet eine andere Perspektive auf den Trompeter: Sein warmer Ton und sein Gesp&uuml;r f&uuml;r melodische B&ouml;gen treten hier besonders deutlich hervor.
Mit <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/clifford-brown-the-emarcy-master-takes-123536" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;The EmArcy Master Takes&ldquo; </a>l&auml;sst sich diese au&szlig;ergew&ouml;hnliche Schaffensphase demn&auml;chst auch auf acht LPs entdecken und wiederentdecken. Eine Edition f&uuml;r alle, die Clifford Browns Musik bereits lieben, oder eine Einladung, einen der gro&szlig;en Trompeter der Jazzgeschichte auf dem Plattenteller kennenzulernen.

Die offiziellen deutschen Jazz-Charts September 2026

Mit Ezra Collective, Nils Landgren, Norah Jones, Miles Davis, Laufey, Till Br&ouml;nner, Branford Marsalis Quartet, Dave Brubeck, Immanuel Wilkins, Keith Jarrett, Nina Simone, Rymden, John Coltrane, Sonny Clark u. v. a.

F&uuml;r den Zeitraum vom 28. August bis 01. Oktober 2026 hat die GfK Entertainment GmbH auf Basis der h&ouml;chsten Verkaufszahlen die folgenden offiziellen Jazz-Charts f&uuml;r Deutschland ermittelt:
<ol style="margin-top: 0cm;" start="1" type="1">
<li>Ezra Collective - Here Because Of Hope</li>
<li>Nils Landgren - Nils Landgren 70 - Jazz At Berlin Philharmonic XIX</li>
<li><a href="https://www.jazzecho.de/norah-jones/news-und-rezensionen/zwanzig-jahre-alt-aber-unverbraucht-frisch-das-traumhafte-debuet-von-norah-jones-266266" target="_blank" rel="noopener">Norah Jones -&nbsp;Come Away With Me</a></li>
<li>Miles Davis - Kind Of Blue</li>
<li>Laufey - Bewitched</li>
<li>Till Br&ouml;nner - Italia</li>
<li><a title="Branford Marsalis Quartet - Dedicated To You" href="https://www.jazzecho.de/branford-marsalis" target="_blank" rel="noopener">Branford Marsalis Quartet - Dedicated To You</a></li>
<li>Flea - Honora</li>
<li class="MsoNormal">Dave Brubeck - Time Out</li>
<li><a title="Malia &amp; Boris Blank - Convergence" href="https://www.jazzecho.de/malia/rezensionen-und-news/malia-boris-blank-convergence-in-dolby-atmos-mit-brandneuem-song-280015" target="_blank" rel="noopener">Malia &amp; Boris Blank - Convergence</a></li>
<li><a title="Immanuel Wilkins - Immanuel Wilkins Quartet: Live At The Village Vanguard Vol. 1 (Live)" href="https://www.jazzecho.de/immanuel-wilkins/rezensionen-und-news/inspiriert-im-new-yorker-jazz-tempel-immanuel-wilkins-album-erschienen-278502" target="_blank" rel="noopener">Immanuel Wilkins - Immanuel Wilkins Quartet: Live At The Village Vanguard Vol. 1 (Live)</a></li>
<li>Ezra Collective - Dance, No One's Watching</li>
<li><a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/the-koeln-concert-lp-162107" target="_blank" rel="noopener">Keith Jarrett - The K&ouml;ln Concert</a></li>
<li class="MsoNormal"><a title="Nina Simone - I Put A Spell On You" href="https://www.jazzecho.de/nina-simone/rezensionen-und-news/womens-history-month-legenden-auf-farbigem-vinyl-278468" target="_blank" rel="noopener">Nina Simone -&nbsp;I Put A Spell On You</a></li>
<li>Rymden - Today May Be Tomorrow</li>
<li><a title="John Coltrane - Blue Train" href="https://www.jazzecho.de/johncoltrane/rezensionen-und-news/blue-train-in-blue-coltranes-meisterwerk-bekommt-die-farbe-die-ihm-gebuehrt-280525" target="_blank" rel="noopener">John Coltrane - Blue Train</a></li>
<li><a title="Sonny Clark - The Art Of The Trio" href="https://www.jazzecho.de/blue-note-tone-poet-series/rezensionen-und-news/blue-note-tone-poet-serie-die-hohe-kunst-des-klavier-trios-280500" target="_blank" rel="noopener">Sonny Clark - The Art Of The Trio</a></li>
<li><a title="Frank Sinatra - The World We Knew" href="https://www.jazzecho.de/frank-sinatra/diskografie/the-world-we-knew-164157" target="_blank" rel="noopener">Frank Sinatra - The World We Knew</a></li>
<li><a title="Chet Baker - Chet Baker Sings" href="https://www.jazzecho.de/blue-note-essentials/diskografie/chet-baker-chet-baker-sings-blue-note-essentials-1292907" target="_blank" rel="noopener">Chet Baker - Chet Baker Sings</a></li>
<li>The Deku Trio - Zelda &amp; Jazz</li>
</ol>
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Louis Armstrong: Konzertmitschnitt von 1957 feiert Weltpremiere

Fast 70 Jahre lang schlummerte der Mitschnitt eines au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Satchmo-Konzertes im Archiv. Am 13. November 2026 kann man den mitrei&szlig;enden Auftritt jetzt nacherleben.

Nur wenige Musiker haben die Geschichte des Jazz so nachhaltig ver&auml;ndert wie <a href="https://www.jazzecho.de/louisarmstrong" target="_blank" rel="noopener">Louis Armstrong</a>. Sein Trompetenspiel, seine rhythmische Freiheit und seine unverwechselbare Stimme machten ihn zum Wegbereiter des modernen Jazz und zu einem seiner ersten globalen Stars. Der Konzertmitschnitt <a href="https://www.jazzecho.de/louisarmstrong/diskografie/one-night-in-highland-park-lp-1296283">&bdquo;One Night in Highland Park&ldquo;</a> &ouml;ffnet nun ein neues Fenster in eine besonders erfolgreiche Phase seiner Karriere.
<h3 class="MsoNormal">Louis Armstrong 1957: Ein Weltstar auf dem Gipfel des Erfolges</h3>
Als Armstrong am 19. M&auml;rz 1957 die B&uuml;hne der Highland Park High School n&ouml;rdlich von Chicago betrat, reichte seine Karriere l&auml;ngst weit &uuml;ber den Jazz hinaus. Der Song <a href="https://open.spotify.com/intl-de/track/3RMiJVtSWzEuHLEh1UkxDS?si=71d87d75a6294fdd" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Mack the Knife&ldquo;</a> war ein Welthit, das Album <a href="https://www.jazzecho.de/verve-essentials/diskografie/ella-fitzgerald-louis-armstrong-ella-and-louis-verve-essentials-1295590" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Ella and Louis&ldquo;</a> mit Ella Fitzgerald hatte seinen Status weiter gefestigt, und in &bdquo;High Society&ldquo; war er neben Bing Crosby, Grace Kelly und Frank Sinatra im Kino zu sehen. Auch musikalisch f&uuml;hlte Armstrong sich in Bestform: &bdquo;I&rsquo;m playing better now than I&rsquo;ve ever played in my life&ldquo;, erkl&auml;rte er 1956.
Trotz seines Superstar-Status f&uuml;hrte ihn sein Tourneeplan ihn aber weiterhin auch immer wieder in kleinere S&auml;le und sogar Schulaulen. Entscheidend war f&uuml;r Armstrong das Publikum: &bdquo;I play them because I love music&ldquo;, erkl&auml;rte er 1957. &bdquo;That&rsquo;s where the audiences are &mdash; in the towns and cities &mdash; and that&rsquo;s what I want, the audience.&ldquo;
<h3 class="MsoNormal">One Night in Highland Park: Ein Konzert, das beinahe verloren ging</h3>
Rund 1.200 Menschen erlebten Armstrong an jenem Abend in der Highland Park High School, 27 Meilen n&ouml;rdlich von Chicago. Dass das Konzert fast sieben Jahrzehnte sp&auml;ter noch einmal nachh&ouml;rbar wird, ist Joel Goldstein zu verdanken. Der damalige Sch&uuml;ler und Stage Manager der Aula beschloss, Armstrongs Auftritt aufzunehmen. Zwei Telefunken-Mikrofone hingen &uuml;ber der B&uuml;hne, aufgezeichnet wurde mit einer Ampex-Bandmaschine. Goldstein bewahrte das Band &uuml;ber Jahrzehnte auf, und damit einen Abend, der andernfalls wohl verloren gegangen w&auml;re.
<h3 class="MsoNormal">Louis Armstrong und seine All Stars in Lieblingsbesetzung</h3>
Armstrong spielte mit einer Besetzung seiner All Stars, die er besonders sch&auml;tzte: Trummy Young an der Posaune, Edmond Hall an der Klarinette, Billy Kyle am Piano, Squire Gersh am Bass und Barrett Deems am Schlagzeug. &bdquo;I think the group I have now is the best of &rsquo;em all&ldquo;, sagte Armstrong 1956. &bdquo;One Night in Highland Park&ldquo; l&auml;sst h&ouml;ren, warum: Neben Trompete und Gesang des Bandleaders lebt die Aufnahme vom Zusammenspiel einer Band, die vertrautestes Repertoire mit bemerkenswerter Energie pr&auml;sentiert.
<h3 class="MsoNormal">Von &bdquo;Blueberry Hill&ldquo; bis &bdquo;Mack the Knife&ldquo;</h3>
Das Programm zeigt die ganze Spannweite eines Armstrong-Konzerts jener Jahre: New-Orleans-Jazz trifft auf Balladen, Standards, Publikumslieblinge, Filmmusik und aktuelle Hits. &bdquo;(Back Home Again in) Indiana&ldquo; und &bdquo;Tiger Rag&ldquo; stellen Armstrongs Trompete und das Zusammenspiel von Trummy Young und Edmond Hall heraus. &bdquo;The Gypsy&ldquo; und &bdquo;Blueberry Hill&ldquo; sorgen f&uuml;r ruhigere Momente, &bdquo;High Society Calypso&ldquo; verweist auf Armstrongs damaligen Kinoerfolg. &bdquo;Tin Roof Blues&ldquo; und &bdquo;My Bucket&rsquo;s Got a Hole in It&ldquo; f&uuml;hren zur&uuml;ck zu seinen musikalischen Wurzeln, w&auml;hrend &bdquo;Mack the Knife&ldquo; den Abend mitten in die Gegenwart des Jahres 1957 holt. Den Abschluss bilden &bdquo;When the Saints Go Marching In&ldquo; und &bdquo;The Star-Spangled Banner&ldquo;.
<h3 class="MsoNormal">&bdquo;Ole Miss&ldquo; als H&ouml;hepunkt des Abends</h3>
Eine besondere Rolle spielt der Song &bdquo;Ole Miss&ldquo;, den Armstrong bereits seit seiner Jugend in New Orleans kannte. In Highland Park steigern sich die All Stars durch zwei Zugaben immer weiter in das St&uuml;ck hinein. Ricky Riccardi, Armstrong-Biograf und Autor der Linernotes, sieht darin den H&ouml;hepunkt des gesamten Sets.
<externalmediaembed class="mceNonEditable mce-youtube" type="youtube" data-id="dDtgXDHSN6g"></externalmediaembed>
<h3 class="MsoNormal">Louis-Armstrong-Perle kehrt nach fast 70 Jahren zur&uuml;ck</h3>
F&uuml;r die weltweite Erstver&ouml;ffentlichung des Konzertmitschnittes wurde das Originalband von Kevin Reeves &uuml;berspielt, gemischt und gemastert. Die Linernotes stammen von Ricky Riccardi, Louis-Armstrong-Biograf, Director of Research Collections am Louis Armstrong House Museum und zweifacher GRAMMY-Preistr&auml;ger f&uuml;r Best Album Notes. &bdquo;One Night in Highland Park&ldquo; bringt damit ein bemerkenswert unmittelbares Dokument aus einer gro&szlig;en Karrierephase Louis Armstrongs ans Licht, fast 70 Jahre nachdem zwei Mikrofone in einer Highschool bei Chicago den Abend festhielten. Das Album erscheint am 13. November und kann<a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/louis-armstrong/products/louis-armstrong-one-night-in-highland-park-123333" target="_blank" rel="noopener"> bereits jetzt vorbestellt werden.</a>

Mei Semones: 2027 mit „Howl“ zwischen Jazz, Bossa Nova und Indie-Rock

Jazz, Bossa Nova, Samba, Math-Rock und zwei Sprachen, die sich ganz selbstverst&auml;ndlich miteinander verbinden: Am 15. Januar 2027 ver&ouml;ffentlicht Mei Semones mit &bdquo;Howl&ldquo; ihr zweites Album und zugleich ihr Deb&uuml;t bei Verve Records.

Wer versucht, die Musik von <a href="https://www.meisemones.com/" target="_blank" rel="noopener">Mei Semones</a> mit einem einzigen Genre zu beschreiben, ger&auml;t schnell ins Schleudern. Die in Brooklyn lebende japanisch-amerikanische S&auml;ngerin und Gitarristin verbindet Jazz und Bossa Nova mit Indie-Rock, Samba und den rhythmischen Verschiebungen des sogenannten "Math-Rock". Ebenso selbstverst&auml;ndlich wechselt sie beim Singen zwischen Englisch und Japanisch, mitunter sogar innerhalb derselben Zeile.
Schon ihr 2025 erschienenes Deb&uuml;talbum &bdquo;Animaru&ldquo; machte diese Offenheit zum Prinzip. Mit ihrem zweiten Album&nbsp;<a href="https://www.jazzecho.de/mei-semones/diskografie" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Howl&ldquo;</a>, das sie Anfang 2027 beim renommierten amerikanischen Jazzlabel Verve Records ver&ouml;ffentlicht, entwickelt Semones ihre musikalische Sprache nun weiter und wendet den Blick st&auml;rker nach innen.
<externalmediaembed class="mceNonEditable mce-youtube" type="youtube" data-id="SEAkeAn_C1E"></externalmediaembed>
<h3 class="MsoNormal">Eine Albumidee beginnt mit heulenden Hunden</h3>
Die Entstehungsgeschichte des Titelst&uuml;cks, das bereits jetzt als Single und Video zu h&ouml;ren und sehen ist, k&ouml;nnte kaum besser zu Semones passen. Am 4. Juli 2025 sitzt sie allein mit ihrer Gitarre in ihrer Wohnung in Brooklyn, w&auml;hrend drau&szlig;en das Feuerwerk zum Independence Day explodiert. Dazwischen h&ouml;rt sie die Hunde der Nachbarschaft heulen. Semones versteht das Ger&auml;usch nicht als Ausdruck von Einsamkeit, sondern als eine Art Kontaktaufnahme. Vielleicht, so ihre Idee, funktioniert Musik &auml;hnlich: Man schickt etwas in die Welt hinaus &ndash; und irgendwo antwortet jemand darauf. Am n&auml;chsten Morgen entsteht der Keim f&uuml;r &bdquo;Howl&ldquo;. Semones selbst beschreibt das Musikmachen als eine Art &bdquo;howling into the universe&ldquo;: einen instinktiven Vorgang, der gleichzeitig Verbindung zu anderen Menschen herstellen kann.
<h3 class="MsoNormal">&bdquo;Howl&ldquo; f&uuml;hrt die Geschichte von &bdquo;Animaru&ldquo; weiter</h3>
Wo sich das Vorg&auml;nger-Album &bdquo;Animaru&ldquo; mit Unabh&auml;ngigkeit und unterschiedlichen Formen von Liebe besch&auml;ftigte, geht &bdquo;Howl&ldquo; tiefer in die Widerspr&uuml;che des Erwachsenwerdens. Schwierige Erinnerungen stehen neben gl&uuml;cklichen Momenten, Selbstzweifel neben Verliebtheit und Verlust neben allt&auml;glichen Beobachtungen.
Musikalisch entspricht dieser emotionalen Beweglichkeit ein Sound, der innerhalb eines Songs von filigranem Fingerpicking zu verzerrten Gitarren und komplexen rhythmischen Passagen wechseln kann. Jazz, Indie-Rock und Bossa Nova wirken bei Semones dabei nicht wie bewusst zusammengef&uuml;gte Zutaten &ndash; sie geh&ouml;ren l&auml;ngst zu ein und derselben musikalischen Sprache.
<h3 class="MsoNormal">Von Ann Arbor &uuml;ber Berklee nach Brooklyn</h3>
Die Grundlagen daf&uuml;r wurden fr&uuml;h gelegt. Mei Semones wuchs in Ann Arbor, Michigan, auf und begann bereits mit vier Jahren Klavier zu spielen. Mit elf wechselte sie zur E-Gitarre, inspiriert unter anderem von Marty McFlys &bdquo;Johnny B. Goode&ldquo;-Auftritt in &bdquo;Back to the Future&ldquo;.
Als Kind verbrachte sie zudem regelm&auml;&szlig;ig Teile ihrer Sommer bei ihrer Gro&szlig;mutter in Yokosuka in Japan. Diese Erinnerungen flossen sp&auml;ter direkt in ihre Musik ein: Ihre 2024 ver&ouml;ffentlichte EP &bdquo;Kabutomushi&ldquo; tr&auml;gt den japanischen Namen jener Nashornk&auml;fer, nach denen sie dort als Kind mit Freunden suchte.
W&auml;hrend ihrer Highschool-Zeit entdeckte Semones schlie&szlig;lich Charlie Parker, John Coltrane, Bud Powell, Thelonious Monk und Wes Montgomery sowie &uuml;ber Jo&atilde;o Gilberto die Bossa Nova. Sp&auml;ter studierte sie Gitarre am Berklee College of Music.
<h3 class="MsoNormal">Mei Semones singt auf Japanisch und Englisch</h3>
Mindestens ebenso wichtig wie ihre musikalischen Einfl&uuml;sse ist Semones' Zweisprachigkeit. Japanisch ist keine dekorative Erg&auml;nzung ihrer englischen Texte, sondern Teil ihrer musikalischen Identit&auml;t.
Auch auf &bdquo;Howl&ldquo; nutzt sie diese Freiheit konsequent. &bdquo;Senro&ldquo; (&bdquo;Train Tracks&ldquo;) besch&auml;ftigt sich mit schwierigen Erinnerungen aus ihrer Teenagerzeit, w&auml;hrend &bdquo;Chichibu&ldquo; auf eine Reise nach Tokio und das Chichibu Night Festival zur&uuml;ckblickt. In &bdquo;Kira Kira&ldquo; (&bdquo;Sparkle Sparkle&ldquo;) verwandelt sie japanische lautmalerische Begriffe in spielerische Liebeserkl&auml;rungen.
<h3 class="MsoNormal">Mit &bdquo;Howl&ldquo; wechselt Mei Semones zu Verve Records</h3>
F&uuml;r Semones markiert das Album auch einen wichtigen Karriereschritt: &bdquo;Howl&ldquo; ist ihre erste Ver&ouml;ffentlichung bei Verve Records in Partnerschaft mit Interscope. Der Wechsel hat eine besondere Symbolik. Semones lernte Jazz &uuml;ber Musiker kennen, deren Aufnahmen eng mit der Geschichte des Labels und seiner Schwesterlabels verbunden sind, darunter Bud Powell, Wes Montgomery, Jo&atilde;o Gilberto und John Coltrane.&nbsp;Trotzdem klingt &bdquo;Howl&ldquo; keineswegs nach einer Musikerin, die sich ehrf&uuml;rchtig in eine Tradition einordnet. Vielmehr steht Semones f&uuml;r eine Idee von Jazz, die Tradition als Ausgangspunkt versteht, f&uuml;r Musik, die neue Einfl&uuml;sse aufnehmen und &uuml;berraschende Verbindungen eingehen darf.
&bdquo;Howl&ldquo; von Mei Semones erscheint am 15. Januar 2027 bei Verve Records und kann <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/mei-semones/products/mei-semones-howl-123098" target="_blank" rel="noopener">bereits jetzt vorbestellt werden</a>.

Samara Joy: Erste Live-EP „Live At The Blue Note L.A.“ erscheint im Oktober

Sechs GRAMMY Awards und eine der au&szlig;ergew&ouml;hnlichsten Stimmen des zeitgen&ouml;ssischen Jazz: Am 23. Oktober 2026 ver&ouml;ffentlicht Samara Joy ihre erste Live-EP.&nbsp;

Mit gerade einmal 26 Jahren hat <a href="https://www.jazzecho.de/samara-joy/2024-2238" target="_blank" rel="noopener">Samara Joy</a> bereits eine Karriere hingelegt, f&uuml;r die andere Jahrzehnte brauchen. Nun dokumentiert die S&auml;ngerin erstmals offiziell ihre Qualit&auml;ten als Live-K&uuml;nstlerin: <a href="https://www.jazzecho.de/samara-joy/diskografie" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Live At The Blue Note L.A.&ldquo;</a> erscheint bei Verve Records und versammelt auf gut 31 Minuten f&uuml;nf Aufnahmen aus Joys ausverkauften Shows im April 2026 im Blue Note Los Angeles.
Dabei geht es nicht einfach darum, bekannte Studioaufnahmen m&ouml;glichst originalgetreu auf die B&uuml;hne zu &uuml;bertragen. Im Mittelpunkt steht vielmehr jene musikalische Beweglichkeit, die Joys Konzerte auszeichnet: Melodien werden gedehnt, Phrasen neu geformt und Standards zum Ausgangspunkt eines spontanen Dialogs zwischen Stimme und Band.
<h3 class="MsoNormal">Samara Joy live: Jazzstandards zwischen Tradition und Improvisation</h3>
Das Programm von &bdquo;Live At The Blue Note L.A.&ldquo; f&uuml;hrt tief hinein in das Great American Songbook und die Jazzgeschichte. Mit Thelonious Monks &bdquo;'Round Midnight&ldquo;, Jerome Kerns &bdquo;Yesterdays&ldquo; und Billy Strayhorns &bdquo;Lush Life&ldquo; widmet sich Joy drei Standards, an denen sich Generationen von Jazzs&auml;ngerinnen und -s&auml;ngern versucht haben.
Den l&auml;ngsten Raum bekommt mit knapp zehn Minuten Antonio Carlos Jobims &bdquo;No More Blues&ldquo;, bevor eine kurze Reprise die EP beschlie&szlig;t. Das St&uuml;ck schl&auml;gt zugleich eine direkte Br&uuml;cke zu Joys j&uuml;ngstem Studioalbum &bdquo;Portrait&ldquo;, auf dem es ebenfalls enthalten ist. Insgesamt kommt die Live-EP auf eine Spielzeit von 31 Minuten und 37 Sekunden.
Gerade diese Auswahl passt zu einer S&auml;ngerin, deren Umgang mit Jazztradition nie auf blo&szlig;e Reproduktion hinausl&auml;uft. Joy besitzt das Vokabular des klassischen Vocal Jazz &ndash; Phrasierung, Timing, harmonische Beweglichkeit und Scat-Gesang &ndash;, benutzt es aber als Ausgangspunkt f&uuml;r Interpretationen, die im Moment entstehen.
<h3 class="MsoNormal">&bdquo;Portrait&ldquo; brachte Samara Joy den sechsten GRAMMY</h3>
&bdquo;Live At The Blue Note L.A.&ldquo; folgt auf ein weiteres au&szlig;erordentlich erfolgreiches Kapitel ihrer noch jungen Karriere. Bei den GRAMMY Awards 2026 wurde<a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/samara-joy/products/samara-joy-portrait" target="_blank" rel="noopener"> &bdquo;Portrait&ldquo;</a>&nbsp;als Best Jazz Vocal Album ausgezeichnet. Es war Joys sechster GRAMMY bei bislang sieben Nominierungen.
Ihre bemerkenswerte Serie begann 2023: Damals gewann sie f&uuml;r <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/samara-joy/products/samara-joy-linger-awhile-longer" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Linger Awhile&ldquo;</a> den GRAMMY als Best Jazz Vocal Album und setzte sich au&szlig;erdem in der genre&uuml;bergreifenden Kategorie Best New Artist durch. 2024 folgte die Auszeichnung f&uuml;r &bdquo;Tight&ldquo; als Best Jazz Performance, 2025 gewann sie mit Sullivan Fortner f&uuml;r &bdquo;Twinkle Twinkle Little Me&ldquo; sowie f&uuml;r &bdquo;A Joyful Holiday&ldquo;. Mit &bdquo;Portrait&ldquo; kam 2026 GRAMMY Nummer sechs hinzu.
<h3 class="MsoNormal">Blue Note Los Angeles: Ein neuer Jazzclub am Sunset Boulevard</h3>
Auch der Aufnahmeort macht &bdquo;Live At The Blue Note L.A.&ldquo; zu einem besonderen Zeitdokument. Das Blue Note Los Angeles ist noch ausgesprochen jung: Der Ableger der ber&uuml;hmten New Yorker Club-Institution er&ouml;ffnete am 14. August 2025 am Sunset Boulevard in Hollywood. Robert Glasper spielte die Er&ouml;ffnungskonzerte.
Mit rund 200 Pl&auml;tzen ist der Club bewusst auf N&auml;he zwischen Musikern und Publikum angelegt. Schon die erste Saison zeigte, wie weit das musikalische Spektrum des Hauses reicht: Neben Jazzgr&ouml;&szlig;en wie Kamasi Washington, Esperanza Spalding, Branford Marsalis und Ravi Coltrane standen auch K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstler aus Soul, R&amp;B, Hip-Hop und Pop auf dem Programm.
<h3 class="MsoNormal"><span lang="EN-US" style="font-size: 12.0pt; font-family: 'Calibri',sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-ansi-language: EN-US;">&bdquo;Live At The Blue Note L.A.&ldquo; zeigt Samara Joy als Bandleaderin</h3>
Begleitet wird Joy von Cameron Campbell am Klavier, Martin Jaffe am Bass und Evan Sherman am Schlagzeug sowie David Mason am Altsaxofon, Kendric McCallister am Tenorsaxofon, Jason Charos an der Trompete und Eli Feingold an der Posaune. Produziert wurde die Aufnahme von Samara Joy selbst.
<span lang="EN-US" style="font-size: 12.0pt; font-family: 'Calibri',sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-ansi-language: EN-US;">&bdquo;Live At The Blue Note L.A.&ldquo; erscheint am 23. Oktober 2026 bei Verve Records als LP + CD und kann <a href="https://www.jazzecho.de/samara-joy/diskografie" target="_blank" rel="noopener">bereits vorbestellt werden</a>.

Nat King Cole: „After Midnight“ kommt als Tone-Poet-Doppel-LP

Nach zwei erfolgreichen Frank-Sinatra-Reissues widmet sich die Blue Note Tone Poet Serie einem weiteren Capitol-Klassiker: Am 13. November erscheint Nat King Coles &bdquo;After Midnight&ldquo; zum 70. Jubil&auml;um als audiophile Doppel-LP.

Die audiophile <a href="https://www.jazzecho.de/blue-note-tone-poet-series/diskografie" target="_blank" rel="noopener">BLUE NOTE TONE POET SERIE</a> wurde im Jahr 2019 anl&auml;sslich des 80-j&auml;hrigen Jubil&auml;ums von Blue Note Records ins Leben gerufen und zeichnet sich durch einen kompromisslosen Qualit&auml;tsanspruch aus. Das Mastering erfolgt komplett analog von den originalen Erste-Generation-Masterb&auml;ndern. Kuratiert und produziert wird die Reihe von Joe Harley (Mitbegr&uuml;nder von Music Matters, bekannt als &bdquo;Tone Poet&ldquo;). Das Mastering &uuml;bernimmt Kevin Gray bei Cohearent Audio. Die LPs werden als 180g-Vinyl bei Record Technology Incorporated (RTI) in den USA gepresst. Die Alben kommen in laminierten Tip-On-Gatefold-Sleeves von Stoughton Printing, oft erg&auml;nzt durch unver&ouml;ffentlichte Session-Fotos, sowie in wattierten Innenh&uuml;llen. Im Fokus der Reihe stehen nicht nur bekannte Meilensteine, sondern auch untersch&auml;tzte Klassiker, Vinyl-Premieren historischer Sessions sowie Alben von Partner-Labels wie Pacific Jazz oder Capitol Records.
<externalmediaembed class="mceNonEditable mce-youtube" type="youtube" data-id="xn_4DSl7WOM"></externalmediaembed>
&nbsp;
<a href="https://www.jazzecho.de/nat-king-cole" target="_blank" rel="noopener">Nat King Cole</a> war l&auml;ngst ein Weltstar, als er sich im Sp&auml;tsommer 1956 in den Capitol Studios wieder ganz dem Jazz zuwandte. Das Ergebnis: &bdquo;After Midnight&ldquo;, ein Album, auf dem der S&auml;nger und Pianist seine beiden gro&szlig;en Talente auf denkbar entspannte Weise zusammenf&uuml;hrte. Zum 70. Jubil&auml;um erscheint der Klassiker nun als <a href="https://www.jazzecho.de/blue-note-tone-poet-series/diskografie/after-midnight-the-complete-sessions-tone-poet-vinyl-1296085" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;After Midnight: The Complete Sessions&ldquo;</a> in der<a href="https://www.jazzecho.de/blue-note-tone-poet-series" target="_blank" rel="noopener"> Blue Note Tone Poet Serie</a>. Das erweiterte 2-LP-Set versammelt s&auml;mtliche Aufnahmen aus vier Sessions im August und September 1956.
<h3 class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Nat King Cole: Jazzstar am Klavier und Mikrofon</h3>
F&uuml;r &bdquo;After Midnight&ldquo; kn&uuml;pfte Cole an den eleganten Swing seines legend&auml;ren Trios an, ohne dessen Vergangenheit einfach zu reproduzieren. Mit Gitarrist John Collins, Bassist Charlie Harris und Schlagzeuger Lee Young entstand vielmehr eine lockere Jam-Session-Atmosph&auml;re, in der Cole als S&auml;nger ebenso gl&auml;nzt wie als Pianist. Dazu kamen hochkar&auml;tige G&auml;ste: Willie Smith am Altsaxofon, Harry &bdquo;Sweets&ldquo; Edison an der Trompete, Stuff Smith an der Violine und Juan Tizol an der Ventilposaune sowie Perkussionist Jack Costanza.
Auf dem Programm standen Standards und Cole-Klassiker wie &bdquo;Sweet Lorraine&ldquo;, &bdquo;Caravan&ldquo;, &bdquo;It&rsquo;s Only A Paper Moon&ldquo;, &bdquo;(Get Your Kicks On) Route 66&ldquo; und &bdquo;Candy&ldquo;. Die neue Ausgabe umfasst insgesamt 18 Tracks, darunter auch einen Alternate Take von &bdquo;You&rsquo;re Looking At Me&ldquo;.
<h3 class="MsoNormal" style="text-align: justify;">&bdquo;After Midnight&ldquo; als audiophile Tone-Poet-Edition</h3>
F&uuml;r die neue Ausgabe wurde nichts dem Zufall &uuml;berlassen. Tone-Poet-Produzent Joe Harley betreute die Wiederver&ouml;ffentlichung, Kevin Gray &uuml;bernahm das All-Analog-Mastering direkt von den originalen Phono-Reels. Gepresst wird das Album bei Record Technology Inc. (RTI) auf 180-Gramm-Vinyl. Die beiden LPs kommen im hochwertigen Gatefold-Tip-on-Cover. Ein zus&auml;tzliches Booklet enth&auml;lt seltene Archivfotos sowie einen ausf&uuml;hrlichen Essay des Journalisten und Nat-King-Cole-Experten Will Friedwald.
F&uuml;r Friedwald liegt die besondere St&auml;rke von &bdquo;After Midnight&ldquo; gerade darin, dass Cole hier nicht versuchte, sein fr&uuml;heres Trio zu kopieren. Stattdessen h&ouml;rt man einen gereiften K&uuml;nstler, der h&ouml;rbar Freude daran hat, wieder in kleiner Besetzung Jazz zu spielen. Friedwald z&auml;hlt das Album zu den gro&szlig;en Jazzvokal-Aufnahmen &uuml;berhaupt.
<h3 class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Nat King Cole: &bdquo;After Midnight&ldquo; wird 70</h3>
&bdquo;After Midnight&ldquo; zeigt Nat King Cole an einem faszinierenden Punkt seiner Karriere: Der gefeierte S&auml;nger trifft auf den brillanten Jazzpianisten, als der seine Laufbahn begonnen hatte. Die entspannte Atmosph&auml;re der Sessions, Coles unverwechselbare Stimme und das Zusammenspiel mit einigen der besten Jazzmusiker ihrer Zeit machen das Album bis heute zu einem Klassiker.
&bdquo;After Midnight: The Complete Sessions&ldquo; erscheint am 13. November als Doppel-LP und kann <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/nat-king-cole-kopie-the-sermon-122153" target="_blank" rel="noopener">bereits jetzt vorbestellt werden</a>.

Zum 90. Geburtstag: Steve Reichs ECM-Aufnahmen auf Vinyl

Am 3. Oktober feiert Steve Reich seinen 90. Geburtstag. ECM w&uuml;rdigt den amerikanischen Komponisten mit der 3-LP-Box "<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/steve-reich-various-steve-reich-recordings-on-ecm-120085?_pos=1&amp;_psq=steve+reich&amp;_psid=f479c8c5b&amp;_ss=e" target="_blank" rel="noopener">Recordings on ECM</a>", die drei wegweisende Alben aus den Jahren 1978 bis 1982 erstmals in einer exklusiven Vinyl-Ausgabe versammelt.

<h3 class="MsoNormal">Am 3. Oktober feiert Steve Reich seinen 90. Geburtstag. ECM w&uuml;rdigt den amerikanischen Komponisten mit der 3-LP-Box "Recordings on ECM", die drei wegweisende Alben aus den Jahren 1978 bis 1982 erstmals in einer exklusiven Vinyl-Ausgabe versammelt.</h3>
Die Ver&ouml;ffentlichung von&nbsp;Steve Reichs "Music for 18 Musicians" trug 1978 ma&szlig;geblich zur Bekanntheit der Minimal Music bei und hatte nicht nur f&uuml;r die zeitgen&ouml;ssische Musik gro&szlig;en Neuheitswert, sondern hinterlie&szlig; auch in Jazz, elektronischer Musik und Pop deutliche Spuren. Reich selbst hat dabei den Begriff Minimalismus nie als enge stilistische Schublade verstanden. Im Zentrum seiner Musik stehen vielmehr Rhythmus, Klang und die Frage, wie aus wiederkehrenden Mustern immer neue musikalische Beziehungen entstehen.
Die 1978 bei ECM erschienene Aufnahme mit Steve Reich and Musicians wurde zur Referenzeinspielung dieses Werks. Pitchfork bezeichnete sie sp&auml;ter als die definitive Aufnahme von Reichs "unbestrittenem Meisterwerk".
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Zwei Jahre sp&auml;ter folgte "Octet&rdquo; / "Music for a Large Ensemble&rdquo; / "Violin Phase&rdquo;. Die drei St&uuml;cke machen zugleich h&ouml;rbar, wie weit Reichs Entwicklung zu diesem Zeitpunkt bereits reichte: vom 1967 entstandenen "Violin Phase", einem Schl&uuml;sselwerk seiner fr&uuml;hen Phasing-Technik, bis zur immer reicheren Ensemble- und Klangarchitektur der sp&auml;ten 1970er Jahre. Mit "Tehillim" &ouml;ffnete sich 1981 schlie&szlig;lich ein weiteres Kapitel. Erstmals seit seinen Studienjahren vertonte Reich wieder einen Text &ndash; hebr&auml;ische Psalmen &ndash;, und lange melodische Linien r&uuml;ckten st&auml;rker ins Zentrum seiner Arbeit. R&uuml;ckblickend bezeichnete er das Werk selbst als einen entscheidenden Schritt hin zu einer unmittelbareren Form von Melodie.
So lassen sich die drei ECM Alben auch als Momentaufnahmen einer besonders produktiven Phase verstehen. Zwischen "Violin Phase", "Music for 18 Musicians" und "Tehillim" liegen nicht nur unterschiedliche Besetzungen und Kompositionsweisen. Sie zeigen auch, wie Reich seine musikalischen Mittel stetig erweiterte, ohne die Grundprinzipien seiner Arbeit aus den Augen zu verlieren.
F&uuml;r "<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/steve-reich-various-steve-reich-recordings-on-ecm-120085?_pos=1&amp;_psq=steve+reich&amp;_psid=f479c8c5b&amp;_ss=e" target="_blank" rel="noopener">Recordings on ECM</a>" wurden die urspr&uuml;nglichen analogen Masterb&auml;nder verwendet. Die drei Alben erscheinen als Faksimiles ihrer Originalausgaben und wurden vollst&auml;ndig analog (AAA) neu produziert. Erg&auml;nzt wird die Box durch ein Booklet mit Archivfotografien, Manuskriptseiten und Liner Notes von Paul Griffiths.
Bereits 2016 hatte ECM die drei Aufnahmen anl&auml;sslich von Reichs 80. Geburtstag gemeinsam auf CD ver&ouml;ffentlicht. Zehn Jahre sp&auml;ter ist diese Sammlung nun auch auf Vinyl erh&auml;ltlich. Dabei dokumentiert die neue Box mehr als nur drei Stationen einer au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Karriere: Sie spannt einen Bogen &uuml;ber rund f&uuml;nfzehn Jahre, in denen Steve Reich eine musikalische Sprache entwickelte, deren Puls bis heute weit &uuml;ber die zeitgen&ouml;ssische Musik hinaus nachwirkt.

John Coltrane: ARTE-Doku „Der Atem des Jazz“

Hundert Jahre John Coltrane &ndash; und noch immer klingt diese Musik, als w&auml;re sie auf dem Weg irgendwohin. Passend zum Jubil&auml;um zeigt ARTE mit &bdquo;John Coltrane &ndash; Der Atem des Jazz&ldquo; ein sehenswertes Portr&auml;t des Saxofonisten.

Vom Hardbop &uuml;ber die legend&auml;ren Aufnahmen mit Miles Davis bis zur spirituellen Wucht von &bdquo;A Love Supreme&ldquo; und den immer freieren Kl&auml;ngen seiner letzten Jahre: John Coltranes Entwicklung verlief in einem Tempo, das selbst f&uuml;r den an Umbr&uuml;chen nicht gerade armen Jazz der 1950er und 1960er Jahre au&szlig;ergew&ouml;hnlich war. In kaum mehr als einem Jahrzehnt wurde aus dem gefragten Sideman einer der einflussreichsten Musiker des modernen Jazz.
Genau dieser rastlosen Suche sp&uuml;rt Regisseur John Scheinfeld in seinem Dokumentarfilm &bdquo;John Coltrane &ndash; Der Atem des Jazz&ldquo; (&bdquo;Chasing Trane&ldquo;) nach. Dabei geht es nicht allein um die Stationen einer au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Karriere, sondern um die Frage, was Coltrane antrieb: sein obsessives Arbeiten am eigenen Ton, die Suche nach neuen harmonischen und improvisatorischen M&ouml;glichkeiten und schlie&szlig;lich die immer st&auml;rkere Verbindung von Musik und Spiritualit&auml;t.
Weil Coltrane selbst keine gefilmten Interviews hinterlassen hat, n&auml;hert sich Scheinfeld ihm &uuml;ber seltenes Archivmaterial, private Aufnahmen und schriftliche Zeugnisse. Weggef&auml;hrten und Bewunderer wie Sonny Rollins und Carlos Santana kommen zu Wort, ebenso der Philosoph Cornel West und der fr&uuml;here US-Pr&auml;sident Bill Clinton.
Vor allem aber erinnert der Film daran, wie ungeheuer viel musikalisches Terrain Coltrane in seinem kurzen Leben durchma&szlig; &ndash; und warum Aufnahmen wie &bdquo;Giant Steps&ldquo;, &bdquo;My Favorite Things&ldquo;, &bdquo;Impressions&ldquo; oder &bdquo;A Love Supreme&ldquo; auch Jahrzehnte sp&auml;ter nichts von ihrer Sogwirkung verloren haben.
F&uuml;r alle, die Coltranes Musik lieben, eine gute Gelegenheit zur Wiederbegegnung. Und f&uuml;r alle, die bislang nur seinen Namen und ein paar Klassiker kennen, ein guter Einstieg in einen der faszinierendsten Werkkataloge des Jazz.
&bdquo;John Coltrane &ndash; Der Atem des Jazz&ldquo; ist derzeit in der<a href="https://www.arte.tv/de/videos/132677-000-A/john-coltrane-der-atem-des-jazz/"> ARTE-Mediathek</a> und auf YouTube (unter dem alternativen Titel "John Coltrane: Vom Kampf gegen die Sucht zu 'A Love Supreme'")&nbsp;verf&uuml;gbar. Im Fernsehen zeigt ARTE die Dokumentation am&nbsp;9. Oktober 2026 um 23:05 Uhr.
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Miguel Atwood-Ferguson ehrt den „Spirit Of Coltrane“

F&uuml;r &bdquo;Ananta - Spirit Of Coltrane&ldquo; versammelt Miguel Atwood-Ferguson ein hochkar&auml;tiges Ensemble um Brandee Younger, Immanuel Wilkins, Shabaka Hutchings und weitere Ausnahmemusiker. Es erscheint am 30. Oktober als Impulse!-LP.

<a href="https://www.jazzecho.de/johncoltrane" target="_blank" rel="noopener">John Coltrane</a> begleitet <a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Miguel_Atwood-Ferguson">Miguel Atwood-Ferguson</a> seit mehr als drei Jahrzehnten. F&uuml;r den Komponisten, Arrangeur und Multiinstrumentalisten ist der Saxofonist nicht nur ein musikalisches Vorbild, sondern auch Lehrer, Inspiration und spiritueller Wegweiser. Nun widmet Atwood-Ferguson ihm mit <a href="https://www.jazzecho.de/various-artists-jazz/diskografie/miguel-atwood-ferguson-ananta-spirit-of-coltrane-1296090" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Ananta - Spirit Of Coltrane&ldquo;</a> ein ganzes Album &ndash; passend zu Coltranes 100. Geburtstag. Es erscheint am 30. Oktober als Impulse!-LP und kann <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/miguel-atwood-ferguson-ananta-spirit-of-coltrane-122391" target="_blank" rel="noopener">bereits jetzt vorbestellt werden</a>.
Dabei versteht sich &bdquo;Ananta&ldquo; weniger als klassische Tribute-Platte denn als Ausdruck von Dankbarkeit. Atwood-Ferguson n&auml;hert sich Coltranes Musik mit Respekt vor dem Original und zugleich mit der Offenheit einer neuen Generation. Unterst&uuml;tzt wird er von einem 21-k&ouml;pfigen Kollektiv, zu dem einige der spannendsten Stimmen des zeitgen&ouml;ssischen Jazz und der improvisierten Musik geh&ouml;ren.
<h3 class="MsoNormal">Miguel Atwood-Ferguson versammelt ein All-Star-Ensemble</h3>
Die G&auml;steliste liest sich entsprechend eindrucksvoll: <a href="https://www.jazzecho.de/brandee-younger" target="_blank" rel="noopener">Brandee Younger</a>, <a href="https://www.jazzecho.de/immanuel-wilkins" target="_blank" rel="noopener">Immanuel Wilkins</a>, <a href="https://www.jazzecho.de/shabaka-hutchings/shabaka-2282" target="_blank" rel="noopener">Shabaka Hutchings</a>, <a href="https://www.jazzecho.de/joel-ross" target="_blank" rel="noopener">Joel Ross</a>, Jeff Parker, Flying Lotus, Elena Pinderhughes, David Virelles und weitere Musiker wirken an &bdquo;Ananta&ldquo; mit. Auch die vielfach ausgezeichnete Dichterin Aja Monet ist vertreten.
Der Titel des Albums ist dabei programmatisch: &bdquo;Ananta&ldquo; ist ein Sanskrit-Begriff f&uuml;r &bdquo;unendlich&ldquo; oder &bdquo;grenzenlos&ldquo;. Genau in diesem Sinne begreift Atwood-Ferguson auch Coltranes Verm&auml;chtnis, als etwas, das weit &uuml;ber Jazz hinausreicht und Fragen nach Spiritualit&auml;t, Gemeinschaft und der Kraft von Musik ber&uuml;hrt. Dass das Album bei Impulse! Records erscheint, schlie&szlig;t einen besonderen Kreis. Schlie&szlig;lich ver&ouml;ffentlichte Coltrane auf dem legend&auml;ren Label einen wesentlichen Teil seiner bedeutendsten Aufnahmen.
<h3 class="MsoNormal">Von &bdquo;Naima&ldquo; bis &bdquo;Giant Steps&ldquo;: John Coltranes Klassiker neu betrachtet</h3>
Atwood-Ferguson wollte Coltranes Kompositionen ausdr&uuml;cklich nicht durch m&ouml;glichst komplizierte Neukonstruktionen &uuml;berdecken. Stattdessen sollen die St&uuml;cke wiedererkennbar bleiben und gerade durch die individuellen Stimmen der beteiligten Musiker neue Facetten gewinnen. So orientieren sich &bdquo;A Love Supreme, Pt. II (Resolution)&ldquo;, &bdquo;Central Park West&ldquo; und &bdquo;My Favorite Things&ldquo; vergleichsweise eng an ihren Vorlagen. An anderen Stellen nimmt sich das Ensemble gr&ouml;&szlig;ere Freiheiten. &bdquo;Naima&ldquo; wird neu geformt, ohne seine harmonische und emotionale DNA zu verlieren.
Besonders bemerkenswert ist der Umgang mit &bdquo;Giant Steps&ldquo;. Coltranes ber&uuml;chtigt anspruchsvoller Klassiker wird nicht als Hochgeschwindigkeits-Parcours inszeniert, sondern zur Ballade transformiert. Statt technischer Demonstration r&uuml;cken dadurch Raum, Reflexion und emotionale Tiefe in den Vordergrund. Shabaka Hutchings und Joel Ross sind auf der Aufnahme zu h&ouml;ren.
<h3 class="MsoNormal">Miguel Atwood-Ferguson: Von J Dilla zu John Coltrane</h3>
Miguel Atwood-Ferguson ist nicht zum ersten Mal mit einer gro&szlig; angelegten Hommage an einen pr&auml;genden Musiker zu h&ouml;ren. Bekannt wurde er unter anderem mit &bdquo;Suite for Ma Dukes&ldquo;, seiner orchestralen W&uuml;rdigung des Hip-Hop-Produzenten J Dilla. Bei &bdquo;Ananta&ldquo; steht seine betr&auml;chtliche Virtuosit&auml;t als Komponist und Arrangeur jedoch bewusst nicht im Mittelpunkt. Entscheidend ist vielmehr die emotionale und spirituelle Dimension der Musik. Coltranes Vorstellung von Musik als einer Kraft, die Menschen verbinden und &uuml;ber sich selbst hinausweisen kann, bildet einen roten Faden des Albums.
Auch <a href="https://www.jazzecho.de/alice-coltrane/the-carnegie-hall-concert-1971-2614" target="_blank" rel="noopener">Alice Coltrane</a> ist f&uuml;r Atwood-Ferguson eine zentrale Inspirationsquelle. Seine Besch&auml;ftigung mit der gesamten Coltrane-Familie und deren spirituellem Verm&auml;chtnis macht &bdquo;Ananta&ldquo; damit zu mehr als einer Sammlung neu arrangierter Klassiker: Das Album versteht sich als Dialog mit einer musikalischen und philosophischen Tradition, die bis heute fortwirkt.
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John Coltrane: Die legendären „Tiberi Tapes“ werden erstmals veröffentlicht

<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%; font-family: 'Aptos',sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: Aptos; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: 'Times New Roman'; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-ansi-language: DE; mso-fareast-language: EN-US; mso-bidi-language: AR-SA;">Mehr als 60 Jahre waren sie ein Mythos, jetzt werden sie erstmals ver&ouml;ffentlicht: &bdquo;The Tiberi Tapes&ldquo; versammeln bislang unver&ouml;ffentlichte Live-Aufnahmen von John Coltrane.

Zum 100. Geburtstag von&nbsp;<a href="https://www.jazzecho.de/johncoltrane" target="_blank" rel="noopener">John Coltrane</a> kommt ein au&szlig;ergew&ouml;hnlicher Musikfund ans Licht: Am 6. November ver&ouml;ffentlicht Impulse! Records erstmals eine Auswahl der legend&auml;ren <a href="https://www.jazzecho.de/johncoltrane/diskografie/the-tiberi-tapes-4lp-1296143" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Tiberi Tapes&ldquo;</a>. Die historischen Mitschnitte dokumentieren Coltrane live in den fr&uuml;hen 1960er Jahren und waren mehr als sechs Jahrzehnte lang praktisch unzug&auml;nglich.
<h3 class="MsoNormal">&bdquo;The Tiberi Tapes&ldquo;: Mehr als 60 Jahre unter Verschluss</h3>
Ihren Namen verdanken die Aufnahmen dem Saxofonisten Frank Tiberi, der Coltrane Ende der 1950er Jahre f&uuml;r sich entdeckte und regelm&auml;&szlig;ig dessen Konzerte besuchte. Fasziniert davon, wie sehr sich Coltranes Live-Auftritte von seinen Studioaufnahmen unterschieden, begann Tiberi 1960, die Konzerte mit einem tragbaren Tonbandger&auml;t f&uuml;r seine pers&ouml;nlichen Studien mitzuschneiden.
Unter ungew&ouml;hnlichen Bedingungen entstanden bis 1964 mehr als 80 B&auml;nder mit &uuml;ber 26 Stunden Musik aus Clubs in New York und Philadelphia. Die Aufnahmen begleiten Coltrane durch eine entscheidende Phase seiner Karriere &ndash; von der Zeit um &bdquo;Giant Steps&ldquo; bis zu den Jahren vor seinem wegweisenden Album &bdquo;A Love Supreme&ldquo;.
<h3 class="MsoNormal">Ein au&szlig;ergew&ouml;hnliches Dokument von John Coltrane live</h3>
&Uuml;ber Jahrzehnte bekamen nur wenige Menschen die Aufnahmen zu h&ouml;ren.&nbsp;Die Mitschnitte halten aus n&auml;chster N&auml;he fest, wie Coltrane bekannte St&uuml;cke auf der B&uuml;hne immer wieder neu entwickelte und teilweise &uuml;ber au&szlig;ergew&ouml;hnlich lange Strecken ausdehnte. Damit geben die &bdquo;Tiberi Tapes&ldquo; einen seltenen Einblick in seine musikalische Entwicklung w&auml;hrend einer seiner pr&auml;gendsten Schaffensphasen.
<h3 class="MsoNormal">&bdquo;The Tiberi Tapes&ldquo; erscheinen auf Vinyl, CD und digital</h3>
F&uuml;r die erstmalige Ver&ouml;ffentlichung wurden die historischen B&auml;nder &uuml;ber einen Zeitraum von zwei Jahren von Toningenieur Kevin Reeves sorgf&auml;ltig restauriert. Reeves hatte bereits 2018 an Coltranes wiederentdecktem <a href="https://www.jazzecho.de/johncoltrane/diskografie/both-directions-at-once-the-lost-album-lp-465700" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Both Directions At Once: The Lost Album&ldquo;</a> gearbeitet.
Im Mittelpunkt stand dabei, den urspr&uuml;nglichen Charakter der Mitschnitte zu bewahren. St&ouml;rger&auml;usche wurden gezielt reduziert, ohne aus den historischen Aufnahmen k&uuml;nstlich moderne Produktionen zu machen.
&bdquo;The Tiberi Tapes&ldquo; erscheinen am 6. November mit elf Tracks und rund drei Stunden Musik auf 4 LPs, 3 CDs sowie digital. Begleitet wird die Ver&ouml;ffentlichung von einem umfangreichen Booklet mit Beitr&auml;gen von Ashley Kahn, Lauren Du Graf, Lewis Porter und Kevin Reeves.
Mehr als 60 Jahre nach ihrer Entstehung wird damit aus einem lange geh&uuml;teten Geheimnis ein au&szlig;ergew&ouml;hnliches musikalisches Zeitdokument &ndash; im Jahr des 100. Geburtstages von John Coltrane.
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Michael Garrick: Vier wegweisende Argo-Alben erstmals wieder auf Vinyl

Vier Schl&uuml;sselwerke eines Pioniers des britischen Modern Jazz in einer Box: Am 6. November erscheint mit &bdquo;Voyages &ndash; The Argo Studio Albums Vol. 1&ldquo; eine neue 4-LP-Edition von Michael Garrick innerhalb der gefeierten Reihe BRITISH JAZZ EXPLOSION.

<h3 class="MsoNormal">Michael Garrick: Eine Schl&uuml;sselfigur des britischen Modern Jazz</h3>
Pianist und Komponist <a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Michael_Garrick" target="_blank" rel="noopener">Michael Garrick</a> (1933&ndash;2011) geh&ouml;rte seit den fr&uuml;hen 1960er-Jahren zu den eigenst&auml;ndigsten K&ouml;pfen der britischen Jazzszene. Weitgehend Autodidakt, studierte er zun&auml;chst englische Literatur am University College London &ndash; eine Pr&auml;gung, die sich sp&auml;ter in seiner engen Verbindung von Jazz, Lyrik und Literatur widerspiegelte. Gemeinsam mit dem Dichter Jeremy Robson initiierte er Anfang der 1960er-Jahre die Reihe &bdquo;Poetry and Jazz in Concert&ldquo;, arbeitete mit Joe Harriott und Shake Keane und war sp&auml;ter ein wichtiges Mitglied des legend&auml;ren Don Rendell/Ian Carr Quintet. 2010 wurde Garrick f&uuml;r seine Verdienste um die Musik mit dem MBE ausgezeichnet.
Die neue Box <a href="https://www.jazzecho.de/british-jazz-explosion/diskografie/michael-garrick-voyage-the-argo-years-vol-i-british-jazz-explosion-1296025" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Voyages &ndash; The Argo Studio Albums Vol. 1&ldquo;</a> versammelt vier urspr&uuml;nglich bei Argo ver&ouml;ffentlichte Alben: &bdquo;The Heart Is A Lotus&ldquo; (1970), &bdquo;Mr Smith&rsquo;s Apocalypse&ldquo; (1971), &bdquo;Home Stretch Blues&ldquo; (1972) und &bdquo;Troppo&ldquo; (1974). Sie dokumentieren eine besonders produktive Phase, in der Garrick eine unverkennbar britische Variante des Modern Jazz entwickelte &ndash; zwischen Post-Bop, modalen Formen, freieren Strukturen und literarisch gepr&auml;gten Klangkonzepten.
<h3 class="MsoNormal">Von &bdquo;The Heart Is A Lotus&ldquo; bis &bdquo;Troppo&ldquo;</h3>
&bdquo;The Heart Is A Lotus&ldquo; entstand im Januar 1970 in den Decca Studios in London und geh&ouml;rt zu Garricks bekanntesten Arbeiten. Charakteristisch ist die Verwendung von Norma Winstones Stimme als integraler Bestandteil des Ensembles, nicht lediglich als klassische Jazz-Vokalstimme. Neben ihr sind unter anderem Ian Carr, Don Rendell, Art Themen, Coleridge Goode beziehungsweise Dave Green und Trevor Tomkins zu h&ouml;ren.
Noch st&auml;rker in Richtung gro&szlig;formatiger Komposition weist &bdquo;Mr Smith&rsquo;s Apocalypse&ldquo; von 1971. Unter dem Namen Garrick&rsquo;s Fairground verbindet das zweiteilige Werk Jazzensemble, Chor und gesprochene Stimmen. Garrick selbst spielt Orgel; hinzu kommen Don Rendell, Art Themen, Henry Lowther, Coleridge Goode und Trevor Tomkins sowie Norma Winstone und mehrere Sprecher. Das Album zeigt besonders deutlich Garricks Interesse daran, Jazz &uuml;ber die klassische Folge von Thema, Soli und Reprise hinaus zu erweitern.
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<h3 class="MsoNormal">Norma Winstone, Don Rendell und die Entwicklung eines eigenen Sounds</h3>
Auf &bdquo;Home Stretch Blues&ldquo; von 1972 r&uuml;ckte Garrick wieder st&auml;rker die kleinere Band in den Mittelpunkt. Neben Norma Winstone spielen Art Themen, Don Rendell, Henry Lowther, Dave Green und Trevor Tomkins. Der Titeltrack verbindet bluesbasierte Elemente mit Garricks komplexerer Formensprache, w&auml;hrend die umfangreiche Suite &bdquo;Fire Opal And Blue Poppies&ldquo; seine Vorliebe f&uuml;r gr&ouml;&szlig;ere musikalische B&ouml;gen zeigt. Bereits eine zeitgen&ouml;ssische Rezension hob Winstones F&auml;higkeit hervor, sich wie eine gleichberechtigte Instrumentalstimme in das Ensemble einzuf&uuml;gen.
Den Abschluss der Box bildet &bdquo;Troppo&ldquo;, 1973 aufgenommen und 1974 ver&ouml;ffentlicht. Hier erscheint Garricks Bandsprache besonders ausgereift: ungerade Metren, farbenreiche Arrangements und flie&szlig;ende &Uuml;berg&auml;nge zwischen Ensemblepassagen und Improvisation pr&auml;gen das Album. &bdquo;Fellow Feeling&ldquo; ist eine Hommage an Joe Harriott, w&auml;hrend &bdquo;Lime Blossom&ldquo; Norma Winstone in einer besonders lyrischen Rolle zeigt. Jazz Journal lobte damals Garricks Abkehr von der konventionellen &bdquo;Ensemble&ndash;Solo&ndash;Ensemble&ldquo;-Struktur und die au&szlig;ergew&ouml;hnliche Geschlossenheit der Band.
<h3 class="MsoNormal">BRITISH JAZZ EXPLOSION: Vier Argo-Klassiker als 180-g-Vinyl-Box</h3>
F&uuml;r die limitierte Edition wurden alle vier Alben in den Abbey Road Studios rein analog und direkt von den originalen Stereo-Masterb&auml;ndern neu gemastert. Die Box enth&auml;lt vier schwarze 180-g-LPs in drei Single-Sleeves und einem Gatefold-Cover mit den originalen Artworks sowie gef&uuml;tterten Innenh&uuml;llen. Hinzu kommt ein LP-gro&szlig;es 20-seitiges Booklet mit einem neuen Text des preisgekr&ouml;nten Jazz-Autors Stuart Nicholson, einer Einf&uuml;hrung von Serienproduzent Tony Higgins sowie Fotografien und Abbildungen der originalen Tape-Boxen.
&bdquo;Voyages &ndash; The Argo Studio Albums Vol. 1&ldquo; von Michael Garrick erscheint am 6. November innerhalb der BRITISH JAZZ EXPLOSION-Serie und kann <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/michael-garrick-voyage-the-argo-years-vol-i-122259" target="_blank" rel="noopener">bereits vorbestellt werden</a>.
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Miguel Atwood-Ferguson: Beflügelt vom Geiste John Coltranes

Auf &bdquo;Ananta &ndash; Spirit of Coltrane&rdquo; er&ouml;ffnet der Multiinstrumentalist Miguel Atwood-Ferguson mit einem 21-k&ouml;pfigen und mit Stars gespickten Kollektiv neue zeitgen&ouml;ssische Perspektiven auf einige der bekanntesten Kompositionen von John Coltrane.

<span lang="PT" style="font-size: 12.0pt; font-family: 'Times New Roman',serif; mso-fareast-font-family: 'Times New Roman'; mso-fareast-theme-font: minor-fareast; mso-font-kerning: 0pt; mso-ansi-language: PT; mso-fareast-language: DE; mso-bidi-language: AR-SA;">&bdquo;Ich habe mir nie Gedanken dar&uuml;ber gemacht, ob die Leute verstehen, was ich tue&ldquo;, lautet eines der ber&uuml;hmtesten Zitate von <a href="https://www.jazzecho.de/johncoltrane" target="_blank" rel="noopener">John Coltrane</a>. &bdquo;Die emotionale Reaktion ist das Einzige, was z&auml;hlt. Solange ein Gef&uuml;hl der Verbundenheit vorhanden ist, muss das, was ich spiele, nicht unbedingt verstanden werden.&ldquo;&nbsp; Auch rund 60 Jahre nach seinem Tod begeistert und fasziniert die Musik des Saxofonisten ein Publikum, das bei Weitem nicht nur aus Jazzfans besteht. Jede bisher unbekannte Aufnahme von Coltrane, die aus den Tonarchiven von Plattenlabels, der Sammlung seiner Familie oder anderen privaten Quellen zutage gef&ouml;rdert und ver&ouml;ffentlicht wird, macht Schlagzeilen &ndash; so wie j&uuml;ngst&nbsp;<a href="https://www.jazzecho.de/johncoltrane/rezensionen-und-news/coltranes-tiberi-tapes-eine-sensationelle-musikenthuellung-280494" target="_blank" rel="noopener">The Tiberi Tapes</a>, bislang sagenumwobene Live-Aufnahmen aus den fr&uuml;hen 1960er Jahren, die zuvor nur eine Handvoll privilegierter Leute zu h&ouml;ren bekommen hatte.&nbsp;
Ungebrochen ist auch der Einfluss, den John Coltrane auf Musiker und Musikerinnen der verschiedensten Generationen und Genres aus&uuml;bt. Dies l&auml;sst sich nicht zuletzt an den vielen Tribute-Alben ablesen, die im Laufe der Jahrzehnte unter anderem von Gr&ouml;&szlig;en wie Archie Shepp, Carlos Santana, John McLaughlin, Dave Liebman, Joe Lovano, Chris Potter, Nels Cline sowie von Tranes ehemaligen Mitstreitern McCoy Tyner und Elvin Jones erschienen sind. Manche bewegen sich dabei ehrfurchtsvoll nah am Original, w&auml;hrend sich andere k&uuml;hn die Freiheit nehmen, Coltranes Musik auf ganz eigene, mitunter radikale Weise neu zu interpretieren.
<h3 class="MsoNormal" style="text-align: left;">Die Musikwelt feiert John Coltranes 100. Geburtstag</h3>
<span lang="PT" style="font-size: 12.0pt; font-family: 'Times New Roman',serif; mso-fareast-font-family: 'Times New Roman'; mso-fareast-theme-font: minor-fareast; mso-font-kerning: 0pt; mso-ansi-language: PT; mso-fareast-language: DE; mso-bidi-language: AR-SA;">Am 23. September 2026 h&auml;tte John Coltrane seinen 100. Geburtstag gefeiert. Dieses runde Jubil&auml;um nahmen zahlreiche Musiker:innen zum Anlass, das musikalische Erbe Coltranes in Konzerten und auf neuen Tribute-Alben zu w&uuml;rdigen. Unter dem Titel&nbsp;<a href="https://www.jazzecho.de/branfordmarsalis/rezensionen-und-news/branford-marsalis-und-dianne-reeves-eine-verneigung-vor-john-coltrane-280464" target="_blank" rel="noopener">Dedicated to You</a> nahm beispielsweise der Saxofonist Branford Marsalis mit seinem Quartett und der S&auml;ngerin Dianne Reeves &bdquo;eine elegante, zeitgem&auml;&szlig;e Neuinterpretation des Albums &lsquo;John Coltrane and Johnny Hartman&rsquo; aus dem Jahr 1963 auf&rdquo; (so John Fordham im Guardian). Das subtile Remake des Impulse-Klassikers wurde am 18. September von Blue Note Records ver&ouml;ffentlicht. F&uuml;r Marsalis war es &uuml;brigens nicht das erste Mal, dass er sich mit einem ikonischen Werk Coltranes auseinandersetzte: Auf dem Album &bdquo;Footsteps of Our Fathers&ldquo; (2002) und der DVD &bdquo;A Love Supreme: Live in Amsterdam&ldquo; (2004) widmete er sich bereits zweimal dem spirituellen Opus magnum des Saxofonisten.
Einen vollkommen anderen Ansatz als Marsalis verfolgt der Altsaxofonist Jim Snidero auf seinem Album <a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/3FuaACGsYkOmHCQ2oh1xfJ?si=uXisk6wRRmKOVEt_SnPKyQ" target="_blank" rel="noopener">House of Trane</a>, das am 30. Oktober bei Savant Records erschien. Inspiriert von einem Besuch in John Coltranes ehemaligem Haus in Dix Hills auf Long Island in New York schrieb Snidero verbl&uuml;ffend coltranesk klingende Eigenkompositionen. 
&Auml;u&szlig;erst spannend ist auch das Album&nbsp;<a href="https://www.jazzecho.de/various-artists-jazz/diskografie/miguel-atwood-ferguson-ananta-spirit-of-coltrane-1296090" target="_blank" rel="noopener">Ananta &ndash; Spirit of Coltrane</a>&nbsp;des amerikanischen Multiinstrumentalisten, Arrangeurs und Komponisten <a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Miguel_Atwood-Ferguson" target="_blank" rel="noopener">Miguel Atwood-Ferguson</a>. Der gefragte Musiker erregte erstmals 2009 internationale Aufmerksamkeit, als er Songs der Hip-Hop-Legende J Dilla f&uuml;r seine &ldquo;Suite for Ma Dukes&rdquo; &uuml;berarbeitete und bei einem Konzert in Los Angeles mit einem 60-k&ouml;pfigen Orchester pr&auml;sentierte.&nbsp;
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<h3 class="MsoNormal" style="text-align: left;">Eine bewegende Meditation &uuml;ber Coltranes Musik und Philosophie</h3>
<span lang="PT" style="font-size: 12.0pt; font-family: 'Times New Roman',serif; mso-fareast-font-family: 'Times New Roman'; mso-fareast-theme-font: minor-fareast; mso-font-kerning: 0pt; mso-ansi-language: PT; mso-fareast-language: DE; mso-bidi-language: AR-SA;">Mit &bdquo;Ananta &ndash; Spirit of Coltrane&ldquo; d&uuml;rfte Atwood-Ferguson erneut aufhorchen lassen. Das Album ist eine bewegende Meditation &uuml;ber Coltranes Musik und Philosophie. Der Saxofonist nimmt in Miguel Atwood-Fergusons Gedankenwelt bereits seit mehr als drei Jahrzehnten einen ganz besonderen Platz ein: als musikalisches Vorbild, Studienobjekt und spiritueller Wegweiser. In all den Jahren gingen ihm Ideen f&uuml;r ein eigenes Coltrane-Projekt durch den Kopf, das er aufgrund seines vollen Terminkalenders jedoch immer wieder aufschob.
Den Stein ins Rollen brachte schlie&szlig;lich der Produzent Drew McFadden, mit dem Atwood-Ferguson bei Tribute-Alben f&uuml;r David Bowie (&bdquo;Modern Love&ldquo;, 2021) und die Talking Heads (&bdquo;Naive Melodies&ldquo;, 2026) zusammengearbeitet hatte. Er best&auml;rkte ihn darin, seine Vorstellungen zum 100. Geburtstag Coltranes endlich in die Tat umzusetzen. Und wo h&auml;tte er dies besser tun k&ouml;nnen als bei dem Label Impulse! Records, f&uuml;r das John Coltrane in den 1960er Jahren viele seiner bedeutendsten Alben aufgenommen hatte? Verwirklicht hat Miguel Atwood-Ferguson (Geige, Bratsche und Percussion) das ihm so am Herzen liegende Projekt mit einem beeindruckenden 21-k&ouml;pfigen Kollektiv. In diesem sind einige der f&uuml;hrenden Stimmen der zeitgen&ouml;ssischen und improvisierten Musikszene vereint, darunter <a href="https://www.jazzecho.de/brandee-younger" target="_blank" rel="noopener">Brandee Younger</a> (Harfe), <a href="https://www.jazzecho.de/joel-ross" target="_blank" rel="noopener">Joel Ross</a> (Vibrafon), Jeff Parker (Gitarre), Flying Lotus (Synthesizer und Sounddesign), <a href="https://www.jazzecho.de/immanuel-wilkins" target="_blank" rel="noopener">Immanuel Wilkins</a> (Altsaxofon), <a href="https://www.jazzecho.de/shabaka-hutchings" target="_blank" rel="noopener">Shabaka Hutchings</a> (Fl&ouml;te und Bassklarinette), Azar Lawrence (Sopransaxofon), David Virelles (Klavier) sowie Marcus Gilmore und Justin Brown (Schlagzeug).
<h3 class="MsoNormal" style="text-align: left;">Coltrane-Originale, gefiltert durch das Prisma einer neuen, au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Musikergeneration</h3>
<span lang="PT" style="font-size: 12.0pt; font-family: 'Times New Roman',serif; mso-fareast-font-family: 'Times New Roman'; mso-fareast-theme-font: minor-fareast; mso-font-kerning: 0pt; mso-ansi-language: PT; mso-fareast-language: DE; mso-bidi-language: AR-SA;">Bis auf eine Ausnahme setzt sich das Repertoire aus St&uuml;cken zusammen, die jedem Coltrane-Fan vertraut sind: &bdquo;Naima&ldquo;, &bdquo;Compassion&ldquo;, &bdquo;Giant Steps&ldquo;, &bdquo;My Favorite Things&ldquo;, &bdquo;After the Rain&ldquo;, &bdquo;A Love Supreme, Pt. II &ndash; Resolution&ldquo; und &bdquo;Central Park West&ldquo;. Dabei verzichtete Atwood-Ferguson bewusst auf radikale &bdquo;Neuinterpretationen&ldquo;, bei denen die Originale bisweilen unter Schichten konzeptioneller Gestaltung begraben werden. Es ging ihm nicht darum, zu zeigen, wie weit er einen Coltrane-Song abstrahieren und von seiner urspr&uuml;nglichen Form entfernen konnte. Stattdessen wollte er, dass die Musik wiedererkennbar ist und dem H&ouml;rer gleichzeitig erm&ouml;glicht, sie durch das Prisma einer neuen Generation au&szlig;ergew&ouml;hnlicher Musiker und Musikerinnen gefiltert zu erleben.
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Abgerundet wird die Hommage durch &bdquo;a force&ldquo;, eine Eigenkomposition von Atwood-Ferguson, zu der die Dichterin Aja Monet einen mit Coltrane-Zitaten versehenen Text schrieb, den sie hier auch selbst rezitiert. Gerade durch dieses St&uuml;ck wird die (welt)offene Atmosph&auml;re heraufbeschworen, in der viele Musiker und Musikerinnen der Coltrane-&Auml;ra bei Impulse Records neue musikalische Horizonte erschlossen. Dies spiegelt sich auch im Titel des Albums wider: &bdquo;Ananta&ldquo; ist ein Wort aus dem Sanskrit und bedeutet so viel wie &bdquo;unendlich&ldquo; oder &bdquo;grenzenlos&ldquo;. Wie John Coltrane betrachtet auch Miguel Atwood-Ferguson Musik als ein Mittel zur Transzendenz sowie als eine Kraft, die Menschen verbinden, st&auml;rken und &uuml;ber vermeintliche Grenzen hinausf&uuml;hren kann.
Digital ist "<span lang="PT" style="font-size: 12.0pt; font-family: 'Times New Roman',serif; mso-fareast-font-family: 'Times New Roman'; mso-fareast-theme-font: minor-fareast; mso-font-kerning: 0pt; mso-ansi-language: PT; mso-fareast-language: DE; mso-bidi-language: AR-SA;">Ananta &ndash; Spirit of Coltrane" seit dem 30. Oktober erh&auml;ltlich, die LP erscheint am 20. November und kann&nbsp;<a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/miguel-atwood-ferguson-ananta-spirit-of-coltrane-122391">hier bereits bestellt</a><a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/miguel-atwood-ferguson-ananta-spirit-of-coltrane-122391" target="_blank" rel="noopener">&nbsp;</a>werden.&nbsp;

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