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Mei Semones: 2027 mit „Howl“ zwischen Jazz, Bossa Nova und Indie-Rock

Jazz, Bossa Nova, Samba, Math-Rock und zwei Sprachen, die sich ganz selbstverst&auml;ndlich miteinander verbinden: Am 15. Januar 2027 ver&ouml;ffentlicht Mei Semones mit &bdquo;Howl&ldquo; ihr zweites Album und zugleich ihr Deb&uuml;t bei Verve Records.

Wer versucht, die Musik von <a href="https://www.meisemones.com/" target="_blank" rel="noopener">Mei Semones</a> mit einem einzigen Genre zu beschreiben, ger&auml;t schnell ins Schleudern. Die in Brooklyn lebende japanisch-amerikanische S&auml;ngerin und Gitarristin verbindet Jazz und Bossa Nova mit Indie-Rock, Samba und den rhythmischen Verschiebungen des sogenannten "Math-Rock". Ebenso selbstverst&auml;ndlich wechselt sie beim Singen zwischen Englisch und Japanisch, mitunter sogar innerhalb derselben Zeile.
Schon ihr 2025 erschienenes Deb&uuml;talbum &bdquo;Animaru&ldquo; machte diese Offenheit zum Prinzip. Mit ihrem zweiten Album&nbsp;<a href="https://www.jazzecho.de/mei-semones/diskografie" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Howl&ldquo;</a>, das sie Anfang 2027 beim renommierten amerikanischen Jazzlabel Verve Records ver&ouml;ffentlicht, entwickelt Semones ihre musikalische Sprache nun weiter und wendet den Blick st&auml;rker nach innen.
<externalmediaembed class="mceNonEditable mce-youtube" type="youtube" data-id="SEAkeAn_C1E"></externalmediaembed>
<h3 class="MsoNormal">Eine Albumidee beginnt mit heulenden Hunden</h3>
Die Entstehungsgeschichte des Titelst&uuml;cks, das bereits jetzt als Single und Video zu h&ouml;ren und sehen ist, k&ouml;nnte kaum besser zu Semones passen. Am 4. Juli 2025 sitzt sie allein mit ihrer Gitarre in ihrer Wohnung in Brooklyn, w&auml;hrend drau&szlig;en das Feuerwerk zum Independence Day explodiert. Dazwischen h&ouml;rt sie die Hunde der Nachbarschaft heulen. Semones versteht das Ger&auml;usch nicht als Ausdruck von Einsamkeit, sondern als eine Art Kontaktaufnahme. Vielleicht, so ihre Idee, funktioniert Musik &auml;hnlich: Man schickt etwas in die Welt hinaus &ndash; und irgendwo antwortet jemand darauf. Am n&auml;chsten Morgen entsteht der Keim f&uuml;r &bdquo;Howl&ldquo;. Semones selbst beschreibt das Musikmachen als eine Art &bdquo;howling into the universe&ldquo;: einen instinktiven Vorgang, der gleichzeitig Verbindung zu anderen Menschen herstellen kann.
<h3 class="MsoNormal">&bdquo;Howl&ldquo; f&uuml;hrt die Geschichte von &bdquo;Animaru&ldquo; weiter</h3>
Wo sich das Vorg&auml;nger-Album &bdquo;Animaru&ldquo; mit Unabh&auml;ngigkeit und unterschiedlichen Formen von Liebe besch&auml;ftigte, geht &bdquo;Howl&ldquo; tiefer in die Widerspr&uuml;che des Erwachsenwerdens. Schwierige Erinnerungen stehen neben gl&uuml;cklichen Momenten, Selbstzweifel neben Verliebtheit und Verlust neben allt&auml;glichen Beobachtungen.
Musikalisch entspricht dieser emotionalen Beweglichkeit ein Sound, der innerhalb eines Songs von filigranem Fingerpicking zu verzerrten Gitarren und komplexen rhythmischen Passagen wechseln kann. Jazz, Indie-Rock und Bossa Nova wirken bei Semones dabei nicht wie bewusst zusammengef&uuml;gte Zutaten &ndash; sie geh&ouml;ren l&auml;ngst zu ein und derselben musikalischen Sprache.
<h3 class="MsoNormal">Von Ann Arbor &uuml;ber Berklee nach Brooklyn</h3>
Die Grundlagen daf&uuml;r wurden fr&uuml;h gelegt. Mei Semones wuchs in Ann Arbor, Michigan, auf und begann bereits mit vier Jahren Klavier zu spielen. Mit elf wechselte sie zur E-Gitarre, inspiriert unter anderem von Marty McFlys &bdquo;Johnny B. Goode&ldquo;-Auftritt in &bdquo;Back to the Future&ldquo;.
Als Kind verbrachte sie zudem regelm&auml;&szlig;ig Teile ihrer Sommer bei ihrer Gro&szlig;mutter in Yokosuka in Japan. Diese Erinnerungen flossen sp&auml;ter direkt in ihre Musik ein: Ihre 2024 ver&ouml;ffentlichte EP &bdquo;Kabutomushi&ldquo; tr&auml;gt den japanischen Namen jener Nashornk&auml;fer, nach denen sie dort als Kind mit Freunden suchte.
W&auml;hrend ihrer Highschool-Zeit entdeckte Semones schlie&szlig;lich Charlie Parker, John Coltrane, Bud Powell, Thelonious Monk und Wes Montgomery sowie &uuml;ber Jo&atilde;o Gilberto die Bossa Nova. Sp&auml;ter studierte sie Gitarre am Berklee College of Music.
<h3 class="MsoNormal">Mei Semones singt auf Japanisch und Englisch</h3>
Mindestens ebenso wichtig wie ihre musikalischen Einfl&uuml;sse ist Semones' Zweisprachigkeit. Japanisch ist keine dekorative Erg&auml;nzung ihrer englischen Texte, sondern Teil ihrer musikalischen Identit&auml;t.
Auch auf &bdquo;Howl&ldquo; nutzt sie diese Freiheit konsequent. &bdquo;Senro&ldquo; (&bdquo;Train Tracks&ldquo;) besch&auml;ftigt sich mit schwierigen Erinnerungen aus ihrer Teenagerzeit, w&auml;hrend &bdquo;Chichibu&ldquo; auf eine Reise nach Tokio und das Chichibu Night Festival zur&uuml;ckblickt. In &bdquo;Kira Kira&ldquo; (&bdquo;Sparkle Sparkle&ldquo;) verwandelt sie japanische lautmalerische Begriffe in spielerische Liebeserkl&auml;rungen.
<h3 class="MsoNormal">Mit &bdquo;Howl&ldquo; wechselt Mei Semones zu Verve Records</h3>
F&uuml;r Semones markiert das Album auch einen wichtigen Karriereschritt: &bdquo;Howl&ldquo; ist ihre erste Ver&ouml;ffentlichung bei Verve Records in Partnerschaft mit Interscope. Der Wechsel hat eine besondere Symbolik. Semones lernte Jazz &uuml;ber Musiker kennen, deren Aufnahmen eng mit der Geschichte des Labels und seiner Schwesterlabels verbunden sind, darunter Bud Powell, Wes Montgomery, Jo&atilde;o Gilberto und John Coltrane.&nbsp;Trotzdem klingt &bdquo;Howl&ldquo; keineswegs nach einer Musikerin, die sich ehrf&uuml;rchtig in eine Tradition einordnet. Vielmehr steht Semones f&uuml;r eine Idee von Jazz, die Tradition als Ausgangspunkt versteht, f&uuml;r Musik, die neue Einfl&uuml;sse aufnehmen und &uuml;berraschende Verbindungen eingehen darf.
&bdquo;Howl&ldquo; von Mei Semones erscheint am 15. Januar 2027 bei Verve Records und kann <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/mei-semones/products/mei-semones-howl-123098" target="_blank" rel="noopener">bereits jetzt vorbestellt werden</a>.

Samara Joy: Erste Live-EP „Live At The Blue Note L.A.“ erscheint im Oktober

Sechs GRAMMY Awards und eine der au&szlig;ergew&ouml;hnlichsten Stimmen des zeitgen&ouml;ssischen Jazz: Am 23. Oktober 2026 ver&ouml;ffentlicht Samara Joy ihre erste Live-EP.&nbsp;

Mit gerade einmal 26 Jahren hat <a href="https://www.jazzecho.de/samara-joy/2024-2238" target="_blank" rel="noopener">Samara Joy</a> bereits eine Karriere hingelegt, f&uuml;r die andere Jahrzehnte brauchen. Nun dokumentiert die S&auml;ngerin erstmals offiziell ihre Qualit&auml;ten als Live-K&uuml;nstlerin: <a href="https://www.jazzecho.de/samara-joy/diskografie" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Live At The Blue Note L.A.&ldquo;</a> erscheint bei Verve Records und versammelt auf gut 31 Minuten f&uuml;nf Aufnahmen aus Joys ausverkauften Shows im April 2026 im Blue Note Los Angeles.
Dabei geht es nicht einfach darum, bekannte Studioaufnahmen m&ouml;glichst originalgetreu auf die B&uuml;hne zu &uuml;bertragen. Im Mittelpunkt steht vielmehr jene musikalische Beweglichkeit, die Joys Konzerte auszeichnet: Melodien werden gedehnt, Phrasen neu geformt und Standards zum Ausgangspunkt eines spontanen Dialogs zwischen Stimme und Band.
<h3 class="MsoNormal">Samara Joy live: Jazzstandards zwischen Tradition und Improvisation</h3>
Das Programm von &bdquo;Live At The Blue Note L.A.&ldquo; f&uuml;hrt tief hinein in das Great American Songbook und die Jazzgeschichte. Mit Thelonious Monks &bdquo;'Round Midnight&ldquo;, Jerome Kerns &bdquo;Yesterdays&ldquo; und Billy Strayhorns &bdquo;Lush Life&ldquo; widmet sich Joy drei Standards, an denen sich Generationen von Jazzs&auml;ngerinnen und -s&auml;ngern versucht haben.
Den l&auml;ngsten Raum bekommt mit knapp zehn Minuten Antonio Carlos Jobims &bdquo;No More Blues&ldquo;, bevor eine kurze Reprise die EP beschlie&szlig;t. Das St&uuml;ck schl&auml;gt zugleich eine direkte Br&uuml;cke zu Joys j&uuml;ngstem Studioalbum &bdquo;Portrait&ldquo;, auf dem es ebenfalls enthalten ist. Insgesamt kommt die Live-EP auf eine Spielzeit von 31 Minuten und 37 Sekunden.
Gerade diese Auswahl passt zu einer S&auml;ngerin, deren Umgang mit Jazztradition nie auf blo&szlig;e Reproduktion hinausl&auml;uft. Joy besitzt das Vokabular des klassischen Vocal Jazz &ndash; Phrasierung, Timing, harmonische Beweglichkeit und Scat-Gesang &ndash;, benutzt es aber als Ausgangspunkt f&uuml;r Interpretationen, die im Moment entstehen.
<h3 class="MsoNormal">&bdquo;Portrait&ldquo; brachte Samara Joy den sechsten GRAMMY</h3>
&bdquo;Live At The Blue Note L.A.&ldquo; folgt auf ein weiteres au&szlig;erordentlich erfolgreiches Kapitel ihrer noch jungen Karriere. Bei den GRAMMY Awards 2026 wurde<a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/samara-joy/products/samara-joy-portrait" target="_blank" rel="noopener"> &bdquo;Portrait&ldquo;</a>&nbsp;als Best Jazz Vocal Album ausgezeichnet. Es war Joys sechster GRAMMY bei bislang sieben Nominierungen.
Ihre bemerkenswerte Serie begann 2023: Damals gewann sie f&uuml;r <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/samara-joy/products/samara-joy-linger-awhile-longer" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Linger Awhile&ldquo;</a> den GRAMMY als Best Jazz Vocal Album und setzte sich au&szlig;erdem in der genre&uuml;bergreifenden Kategorie Best New Artist durch. 2024 folgte die Auszeichnung f&uuml;r &bdquo;Tight&ldquo; als Best Jazz Performance, 2025 gewann sie mit Sullivan Fortner f&uuml;r &bdquo;Twinkle Twinkle Little Me&ldquo; sowie f&uuml;r &bdquo;A Joyful Holiday&ldquo;. Mit &bdquo;Portrait&ldquo; kam 2026 GRAMMY Nummer sechs hinzu.
<h3 class="MsoNormal">Blue Note Los Angeles: Ein neuer Jazzclub am Sunset Boulevard</h3>
Auch der Aufnahmeort macht &bdquo;Live At The Blue Note L.A.&ldquo; zu einem besonderen Zeitdokument. Das Blue Note Los Angeles ist noch ausgesprochen jung: Der Ableger der ber&uuml;hmten New Yorker Club-Institution er&ouml;ffnete am 14. August 2025 am Sunset Boulevard in Hollywood. Robert Glasper spielte die Er&ouml;ffnungskonzerte.
Mit rund 200 Pl&auml;tzen ist der Club bewusst auf N&auml;he zwischen Musikern und Publikum angelegt. Schon die erste Saison zeigte, wie weit das musikalische Spektrum des Hauses reicht: Neben Jazzgr&ouml;&szlig;en wie Kamasi Washington, Esperanza Spalding, Branford Marsalis und Ravi Coltrane standen auch K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstler aus Soul, R&amp;B, Hip-Hop und Pop auf dem Programm.
<h3 class="MsoNormal"><span lang="EN-US" style="font-size: 12.0pt; font-family: 'Calibri',sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-ansi-language: EN-US;">&bdquo;Live At The Blue Note L.A.&ldquo; zeigt Samara Joy als Bandleaderin</h3>
Begleitet wird Joy von Cameron Campbell am Klavier, Martin Jaffe am Bass und Evan Sherman am Schlagzeug sowie David Mason am Altsaxofon, Kendric McCallister am Tenorsaxofon, Jason Charos an der Trompete und Eli Feingold an der Posaune. Produziert wurde die Aufnahme von Samara Joy selbst.
<span lang="EN-US" style="font-size: 12.0pt; font-family: 'Calibri',sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-ansi-language: EN-US;">&bdquo;Live At The Blue Note L.A.&ldquo; erscheint am 23. Oktober 2026 bei Verve Records als LP + CD und kann <a href="https://www.jazzecho.de/samara-joy/diskografie" target="_blank" rel="noopener">bereits vorbestellt werden</a>.

Nat King Cole: „After Midnight“ kommt als Tone-Poet-Doppel-LP

Nach zwei erfolgreichen Frank-Sinatra-Reissues widmet sich die Blue Note Tone Poet Serie einem weiteren Capitol-Klassiker: Am 13. November erscheint Nat King Coles &bdquo;After Midnight&ldquo; zum 70. Jubil&auml;um als audiophile Doppel-LP.

Die audiophile <a href="https://www.jazzecho.de/blue-note-tone-poet-series/diskografie" target="_blank" rel="noopener">BLUE NOTE TONE POET SERIE</a> wurde im Jahr 2019 anl&auml;sslich des 80-j&auml;hrigen Jubil&auml;ums von Blue Note Records ins Leben gerufen und zeichnet sich durch einen kompromisslosen Qualit&auml;tsanspruch aus. Das Mastering erfolgt komplett analog von den originalen Erste-Generation-Masterb&auml;ndern. Kuratiert und produziert wird die Reihe von Joe Harley (Mitbegr&uuml;nder von Music Matters, bekannt als &bdquo;Tone Poet&ldquo;). Das Mastering &uuml;bernimmt Kevin Gray bei Cohearent Audio. Die LPs werden als 180g-Vinyl bei Record Technology Incorporated (RTI) in den USA gepresst. Die Alben kommen in laminierten Tip-On-Gatefold-Sleeves von Stoughton Printing, oft erg&auml;nzt durch unver&ouml;ffentlichte Session-Fotos, sowie in wattierten Innenh&uuml;llen. Im Fokus der Reihe stehen nicht nur bekannte Meilensteine, sondern auch untersch&auml;tzte Klassiker, Vinyl-Premieren historischer Sessions sowie Alben von Partner-Labels wie Pacific Jazz oder Capitol Records.
<externalmediaembed class="mceNonEditable mce-youtube" type="youtube" data-id="xn_4DSl7WOM"></externalmediaembed>
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<a href="https://www.jazzecho.de/nat-king-cole" target="_blank" rel="noopener">Nat King Cole</a> war l&auml;ngst ein Weltstar, als er sich im Sp&auml;tsommer 1956 in den Capitol Studios wieder ganz dem Jazz zuwandte. Das Ergebnis: &bdquo;After Midnight&ldquo;, ein Album, auf dem der S&auml;nger und Pianist seine beiden gro&szlig;en Talente auf denkbar entspannte Weise zusammenf&uuml;hrte. Zum 70. Jubil&auml;um erscheint der Klassiker nun als <a href="https://www.jazzecho.de/blue-note-tone-poet-series/diskografie/after-midnight-the-complete-sessions-tone-poet-vinyl-1296085" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;After Midnight: The Complete Sessions&ldquo;</a> in der<a href="https://www.jazzecho.de/blue-note-tone-poet-series" target="_blank" rel="noopener"> Blue Note Tone Poet Serie</a>. Das erweiterte 2-LP-Set versammelt s&auml;mtliche Aufnahmen aus vier Sessions im August und September 1956.
<h3 class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Nat King Cole: Jazzstar am Klavier und Mikrofon</h3>
F&uuml;r &bdquo;After Midnight&ldquo; kn&uuml;pfte Cole an den eleganten Swing seines legend&auml;ren Trios an, ohne dessen Vergangenheit einfach zu reproduzieren. Mit Gitarrist John Collins, Bassist Charlie Harris und Schlagzeuger Lee Young entstand vielmehr eine lockere Jam-Session-Atmosph&auml;re, in der Cole als S&auml;nger ebenso gl&auml;nzt wie als Pianist. Dazu kamen hochkar&auml;tige G&auml;ste: Willie Smith am Altsaxofon, Harry &bdquo;Sweets&ldquo; Edison an der Trompete, Stuff Smith an der Violine und Juan Tizol an der Ventilposaune sowie Perkussionist Jack Costanza.
Auf dem Programm standen Standards und Cole-Klassiker wie &bdquo;Sweet Lorraine&ldquo;, &bdquo;Caravan&ldquo;, &bdquo;It&rsquo;s Only A Paper Moon&ldquo;, &bdquo;(Get Your Kicks On) Route 66&ldquo; und &bdquo;Candy&ldquo;. Die neue Ausgabe umfasst insgesamt 18 Tracks, darunter auch einen Alternate Take von &bdquo;You&rsquo;re Looking At Me&ldquo;.
<h3 class="MsoNormal" style="text-align: justify;">&bdquo;After Midnight&ldquo; als audiophile Tone-Poet-Edition</h3>
F&uuml;r die neue Ausgabe wurde nichts dem Zufall &uuml;berlassen. Tone-Poet-Produzent Joe Harley betreute die Wiederver&ouml;ffentlichung, Kevin Gray &uuml;bernahm das All-Analog-Mastering direkt von den originalen Phono-Reels. Gepresst wird das Album bei Record Technology Inc. (RTI) auf 180-Gramm-Vinyl. Die beiden LPs kommen im hochwertigen Gatefold-Tip-on-Cover. Ein zus&auml;tzliches Booklet enth&auml;lt seltene Archivfotos sowie einen ausf&uuml;hrlichen Essay des Journalisten und Nat-King-Cole-Experten Will Friedwald.
F&uuml;r Friedwald liegt die besondere St&auml;rke von &bdquo;After Midnight&ldquo; gerade darin, dass Cole hier nicht versuchte, sein fr&uuml;heres Trio zu kopieren. Stattdessen h&ouml;rt man einen gereiften K&uuml;nstler, der h&ouml;rbar Freude daran hat, wieder in kleiner Besetzung Jazz zu spielen. Friedwald z&auml;hlt das Album zu den gro&szlig;en Jazzvokal-Aufnahmen &uuml;berhaupt.
<h3 class="MsoNormal" style="text-align: justify;">Nat King Cole: &bdquo;After Midnight&ldquo; wird 70</h3>
&bdquo;After Midnight&ldquo; zeigt Nat King Cole an einem faszinierenden Punkt seiner Karriere: Der gefeierte S&auml;nger trifft auf den brillanten Jazzpianisten, als der seine Laufbahn begonnen hatte. Die entspannte Atmosph&auml;re der Sessions, Coles unverwechselbare Stimme und das Zusammenspiel mit einigen der besten Jazzmusiker ihrer Zeit machen das Album bis heute zu einem Klassiker.
&bdquo;After Midnight: The Complete Sessions&ldquo; erscheint am 13. November als Doppel-LP und kann <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/nat-king-cole-kopie-the-sermon-122153" target="_blank" rel="noopener">bereits jetzt vorbestellt werden</a>.

Zum 90. Geburtstag: Steve Reichs ECM-Aufnahmen auf Vinyl

Am 3. Oktober feiert Steve Reich seinen 90. Geburtstag. ECM w&uuml;rdigt den amerikanischen Komponisten mit der 3-LP-Box "<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/steve-reich-various-steve-reich-recordings-on-ecm-120085?_pos=1&amp;_psq=steve+reich&amp;_psid=f479c8c5b&amp;_ss=e" target="_blank" rel="noopener">Recordings on ECM</a>", die drei wegweisende Alben aus den Jahren 1978 bis 1982 erstmals in einer exklusiven Vinyl-Ausgabe versammelt.

<h3 class="MsoNormal">Am 3. Oktober feiert Steve Reich seinen 90. Geburtstag. ECM w&uuml;rdigt den amerikanischen Komponisten mit der 3-LP-Box "Recordings on ECM", die drei wegweisende Alben aus den Jahren 1978 bis 1982 erstmals in einer exklusiven Vinyl-Ausgabe versammelt.</h3>
Die Ver&ouml;ffentlichung von&nbsp;Steve Reichs "Music for 18 Musicians" trug 1978 ma&szlig;geblich zur Bekanntheit der Minimal Music bei und hatte nicht nur f&uuml;r die zeitgen&ouml;ssische Musik gro&szlig;en Neuheitswert, sondern hinterlie&szlig; auch in Jazz, elektronischer Musik und Pop deutliche Spuren. Reich selbst hat dabei den Begriff Minimalismus nie als enge stilistische Schublade verstanden. Im Zentrum seiner Musik stehen vielmehr Rhythmus, Klang und die Frage, wie aus wiederkehrenden Mustern immer neue musikalische Beziehungen entstehen.
Die 1978 bei ECM erschienene Aufnahme mit Steve Reich and Musicians wurde zur Referenzeinspielung dieses Werks. Pitchfork bezeichnete sie sp&auml;ter als die definitive Aufnahme von Reichs "unbestrittenem Meisterwerk".
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Zwei Jahre sp&auml;ter folgte "Octet&rdquo; / "Music for a Large Ensemble&rdquo; / "Violin Phase&rdquo;. Die drei St&uuml;cke machen zugleich h&ouml;rbar, wie weit Reichs Entwicklung zu diesem Zeitpunkt bereits reichte: vom 1967 entstandenen "Violin Phase", einem Schl&uuml;sselwerk seiner fr&uuml;hen Phasing-Technik, bis zur immer reicheren Ensemble- und Klangarchitektur der sp&auml;ten 1970er Jahre. Mit "Tehillim" &ouml;ffnete sich 1981 schlie&szlig;lich ein weiteres Kapitel. Erstmals seit seinen Studienjahren vertonte Reich wieder einen Text &ndash; hebr&auml;ische Psalmen &ndash;, und lange melodische Linien r&uuml;ckten st&auml;rker ins Zentrum seiner Arbeit. R&uuml;ckblickend bezeichnete er das Werk selbst als einen entscheidenden Schritt hin zu einer unmittelbareren Form von Melodie.
So lassen sich die drei ECM Alben auch als Momentaufnahmen einer besonders produktiven Phase verstehen. Zwischen "Violin Phase", "Music for 18 Musicians" und "Tehillim" liegen nicht nur unterschiedliche Besetzungen und Kompositionsweisen. Sie zeigen auch, wie Reich seine musikalischen Mittel stetig erweiterte, ohne die Grundprinzipien seiner Arbeit aus den Augen zu verlieren.
F&uuml;r "<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/steve-reich-various-steve-reich-recordings-on-ecm-120085?_pos=1&amp;_psq=steve+reich&amp;_psid=f479c8c5b&amp;_ss=e" target="_blank" rel="noopener">Recordings on ECM</a>" wurden die urspr&uuml;nglichen analogen Masterb&auml;nder verwendet. Die drei Alben erscheinen als Faksimiles ihrer Originalausgaben und wurden vollst&auml;ndig analog (AAA) neu produziert. Erg&auml;nzt wird die Box durch ein Booklet mit Archivfotografien, Manuskriptseiten und Liner Notes von Paul Griffiths.
Bereits 2016 hatte ECM die drei Aufnahmen anl&auml;sslich von Reichs 80. Geburtstag gemeinsam auf CD ver&ouml;ffentlicht. Zehn Jahre sp&auml;ter ist diese Sammlung nun auch auf Vinyl erh&auml;ltlich. Dabei dokumentiert die neue Box mehr als nur drei Stationen einer au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Karriere: Sie spannt einen Bogen &uuml;ber rund f&uuml;nfzehn Jahre, in denen Steve Reich eine musikalische Sprache entwickelte, deren Puls bis heute weit &uuml;ber die zeitgen&ouml;ssische Musik hinaus nachwirkt.

John Coltrane: ARTE-Doku „Der Atem des Jazz“

Hundert Jahre John Coltrane &ndash; und noch immer klingt diese Musik, als w&auml;re sie auf dem Weg irgendwohin. Passend zum Jubil&auml;um zeigt ARTE mit &bdquo;John Coltrane &ndash; Der Atem des Jazz&ldquo; ein sehenswertes Portr&auml;t des Saxofonisten.

Vom Hardbop &uuml;ber die legend&auml;ren Aufnahmen mit Miles Davis bis zur spirituellen Wucht von &bdquo;A Love Supreme&ldquo; und den immer freieren Kl&auml;ngen seiner letzten Jahre: John Coltranes Entwicklung verlief in einem Tempo, das selbst f&uuml;r den an Umbr&uuml;chen nicht gerade armen Jazz der 1950er und 1960er Jahre au&szlig;ergew&ouml;hnlich war. In kaum mehr als einem Jahrzehnt wurde aus dem gefragten Sideman einer der einflussreichsten Musiker des modernen Jazz.
Genau dieser rastlosen Suche sp&uuml;rt Regisseur John Scheinfeld in seinem Dokumentarfilm &bdquo;John Coltrane &ndash; Der Atem des Jazz&ldquo; (&bdquo;Chasing Trane&ldquo;) nach. Dabei geht es nicht allein um die Stationen einer au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Karriere, sondern um die Frage, was Coltrane antrieb: sein obsessives Arbeiten am eigenen Ton, die Suche nach neuen harmonischen und improvisatorischen M&ouml;glichkeiten und schlie&szlig;lich die immer st&auml;rkere Verbindung von Musik und Spiritualit&auml;t.
Weil Coltrane selbst keine gefilmten Interviews hinterlassen hat, n&auml;hert sich Scheinfeld ihm &uuml;ber seltenes Archivmaterial, private Aufnahmen und schriftliche Zeugnisse. Weggef&auml;hrten und Bewunderer wie Sonny Rollins und Carlos Santana kommen zu Wort, ebenso der Philosoph Cornel West und der fr&uuml;here US-Pr&auml;sident Bill Clinton.
Vor allem aber erinnert der Film daran, wie ungeheuer viel musikalisches Terrain Coltrane in seinem kurzen Leben durchma&szlig; &ndash; und warum Aufnahmen wie &bdquo;Giant Steps&ldquo;, &bdquo;My Favorite Things&ldquo;, &bdquo;Impressions&ldquo; oder &bdquo;A Love Supreme&ldquo; auch Jahrzehnte sp&auml;ter nichts von ihrer Sogwirkung verloren haben.
F&uuml;r alle, die Coltranes Musik lieben, eine gute Gelegenheit zur Wiederbegegnung. Und f&uuml;r alle, die bislang nur seinen Namen und ein paar Klassiker kennen, ein guter Einstieg in einen der faszinierendsten Werkkataloge des Jazz.
&bdquo;John Coltrane &ndash; Der Atem des Jazz&ldquo; ist derzeit in der<a href="https://www.arte.tv/de/videos/132677-000-A/john-coltrane-der-atem-des-jazz/"> ARTE-Mediathek</a> und auf YouTube (unter dem alternativen Titel "John Coltrane: Vom Kampf gegen die Sucht zu 'A Love Supreme'")&nbsp;verf&uuml;gbar. Im Fernsehen zeigt ARTE die Dokumentation am&nbsp;9. Oktober 2026 um 23:05 Uhr.
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Miguel Atwood-Ferguson ehrt den „Spirit Of Coltrane“

F&uuml;r &bdquo;Ananta - Spirit Of Coltrane&ldquo; versammelt Miguel Atwood-Ferguson ein hochkar&auml;tiges Ensemble um Brandee Younger, Immanuel Wilkins, Shabaka Hutchings und weitere Ausnahmemusiker. Es erscheint am 30. Oktober als Impulse!-LP.

<a href="https://www.jazzecho.de/johncoltrane" target="_blank" rel="noopener">John Coltrane</a> begleitet <a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Miguel_Atwood-Ferguson">Miguel Atwood-Ferguson</a> seit mehr als drei Jahrzehnten. F&uuml;r den Komponisten, Arrangeur und Multiinstrumentalisten ist der Saxofonist nicht nur ein musikalisches Vorbild, sondern auch Lehrer, Inspiration und spiritueller Wegweiser. Nun widmet Atwood-Ferguson ihm mit <a href="https://www.jazzecho.de/various-artists-jazz/diskografie/miguel-atwood-ferguson-ananta-spirit-of-coltrane-1296090" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Ananta - Spirit Of Coltrane&ldquo;</a> ein ganzes Album &ndash; passend zu Coltranes 100. Geburtstag. Es erscheint am 30. Oktober als Impulse!-LP und kann <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/miguel-atwood-ferguson-ananta-spirit-of-coltrane-122391" target="_blank" rel="noopener">bereits jetzt vorbestellt werden</a>.
Dabei versteht sich &bdquo;Ananta&ldquo; weniger als klassische Tribute-Platte denn als Ausdruck von Dankbarkeit. Atwood-Ferguson n&auml;hert sich Coltranes Musik mit Respekt vor dem Original und zugleich mit der Offenheit einer neuen Generation. Unterst&uuml;tzt wird er von einem 21-k&ouml;pfigen Kollektiv, zu dem einige der spannendsten Stimmen des zeitgen&ouml;ssischen Jazz und der improvisierten Musik geh&ouml;ren.
<h3 class="MsoNormal">Miguel Atwood-Ferguson versammelt ein All-Star-Ensemble</h3>
Die G&auml;steliste liest sich entsprechend eindrucksvoll: <a href="https://www.jazzecho.de/brandee-younger" target="_blank" rel="noopener">Brandee Younger</a>, <a href="https://www.jazzecho.de/immanuel-wilkins" target="_blank" rel="noopener">Immanuel Wilkins</a>, <a href="https://www.jazzecho.de/shabaka-hutchings/shabaka-2282" target="_blank" rel="noopener">Shabaka Hutchings</a>, <a href="https://www.jazzecho.de/joel-ross" target="_blank" rel="noopener">Joel Ross</a>, Jeff Parker, Flying Lotus, Elena Pinderhughes, David Virelles und weitere Musiker wirken an &bdquo;Ananta&ldquo; mit. Auch die vielfach ausgezeichnete Dichterin Aja Monet ist vertreten.
Der Titel des Albums ist dabei programmatisch: &bdquo;Ananta&ldquo; ist ein Sanskrit-Begriff f&uuml;r &bdquo;unendlich&ldquo; oder &bdquo;grenzenlos&ldquo;. Genau in diesem Sinne begreift Atwood-Ferguson auch Coltranes Verm&auml;chtnis, als etwas, das weit &uuml;ber Jazz hinausreicht und Fragen nach Spiritualit&auml;t, Gemeinschaft und der Kraft von Musik ber&uuml;hrt. Dass das Album bei Impulse! Records erscheint, schlie&szlig;t einen besonderen Kreis. Schlie&szlig;lich ver&ouml;ffentlichte Coltrane auf dem legend&auml;ren Label einen wesentlichen Teil seiner bedeutendsten Aufnahmen.
<h3 class="MsoNormal">Von &bdquo;Naima&ldquo; bis &bdquo;Giant Steps&ldquo;: John Coltranes Klassiker neu betrachtet</h3>
Atwood-Ferguson wollte Coltranes Kompositionen ausdr&uuml;cklich nicht durch m&ouml;glichst komplizierte Neukonstruktionen &uuml;berdecken. Stattdessen sollen die St&uuml;cke wiedererkennbar bleiben und gerade durch die individuellen Stimmen der beteiligten Musiker neue Facetten gewinnen. So orientieren sich &bdquo;A Love Supreme, Pt. II (Resolution)&ldquo;, &bdquo;Central Park West&ldquo; und &bdquo;My Favorite Things&ldquo; vergleichsweise eng an ihren Vorlagen. An anderen Stellen nimmt sich das Ensemble gr&ouml;&szlig;ere Freiheiten. &bdquo;Naima&ldquo; wird neu geformt, ohne seine harmonische und emotionale DNA zu verlieren.
Besonders bemerkenswert ist der Umgang mit &bdquo;Giant Steps&ldquo;. Coltranes ber&uuml;chtigt anspruchsvoller Klassiker wird nicht als Hochgeschwindigkeits-Parcours inszeniert, sondern zur Ballade transformiert. Statt technischer Demonstration r&uuml;cken dadurch Raum, Reflexion und emotionale Tiefe in den Vordergrund. Shabaka Hutchings und Joel Ross sind auf der Aufnahme zu h&ouml;ren.
<h3 class="MsoNormal">Miguel Atwood-Ferguson: Von J Dilla zu John Coltrane</h3>
Miguel Atwood-Ferguson ist nicht zum ersten Mal mit einer gro&szlig; angelegten Hommage an einen pr&auml;genden Musiker zu h&ouml;ren. Bekannt wurde er unter anderem mit &bdquo;Suite for Ma Dukes&ldquo;, seiner orchestralen W&uuml;rdigung des Hip-Hop-Produzenten J Dilla. Bei &bdquo;Ananta&ldquo; steht seine betr&auml;chtliche Virtuosit&auml;t als Komponist und Arrangeur jedoch bewusst nicht im Mittelpunkt. Entscheidend ist vielmehr die emotionale und spirituelle Dimension der Musik. Coltranes Vorstellung von Musik als einer Kraft, die Menschen verbinden und &uuml;ber sich selbst hinausweisen kann, bildet einen roten Faden des Albums.
Auch <a href="https://www.jazzecho.de/alice-coltrane/the-carnegie-hall-concert-1971-2614" target="_blank" rel="noopener">Alice Coltrane</a> ist f&uuml;r Atwood-Ferguson eine zentrale Inspirationsquelle. Seine Besch&auml;ftigung mit der gesamten Coltrane-Familie und deren spirituellem Verm&auml;chtnis macht &bdquo;Ananta&ldquo; damit zu mehr als einer Sammlung neu arrangierter Klassiker: Das Album versteht sich als Dialog mit einer musikalischen und philosophischen Tradition, die bis heute fortwirkt.
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Coltranes „Tiberi Tapes“ – eine sensationelle Musikenthüllung

Das ganze Jahr hindurch hat Impulse! Records den 100. Geburtstag von John Coltrane am 23. September gefeiert. Zum kr&ouml;nenden Abschluss erscheint am 6. November erstmals eine Auswahl der sagenumwobenen &bdquo;Tiberi Tapes&ldquo;.

Gibt es sie wirklich oder sind sie nur ein Mythos? Rund 65 Jahre lang waren die sogenannten <a href="https://www.jazzecho.de/johncoltrane/diskografie/the-tiberi-tapes-4lp-1296143" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Tiberi Tapes&ldquo;</a>, unver&ouml;ffentlichte Live-Aufnahmen von <a href="https://www.jazzecho.de/johncoltrane" target="_blank" rel="noopener">John Coltrane</a> aus den fr&uuml;hen 1960er Jahren, in der gesamten Jazzwelt Gegenstand von Ger&uuml;chten und intensiven Spekulationen. Denn geh&ouml;rt hatten sie nur wenige. Einer der Gl&uuml;cklichen, denen dies verg&ouml;nnt war, ist <a href="https://www.jazzecho.de/joe-lovano/paramount-quartet-2834" target="_blank" rel="noopener">Joe Lovano</a>, der bereits als Jugendlicher ein gl&uuml;hender Coltrane-Fan gewesen ist. Eine der ersten Stationen, die Lovano nach seinem Studium am Berklee College of Music in Boston ansteuerte, war 1976 Woody Hermans New Thundering Herd. Der Lead-Tenorsaxofonist der Band war Frank Tiberi, der ein Jahrzehnt zuvor unter abenteuerlichen Umst&auml;nden die mystischen Live-Aufnahmen von Coltrane mitgeschnitten hatte.
<h3 class="MsoNoSpacing">Das Geheimnis um John Coltranes Tiberi Tapes</h3>
&Uuml;ber ihre gemeinsame Verehrung f&uuml;r John Coltrane kamen sich Frank Tiberi und Joe Lovano schnell n&auml;her, Tiberi vertraute ihm und lie&szlig; ihn die insgeheim aufgenommenen Titel h&ouml;ren &ndash; eine &auml;u&szlig;erst seltene Ehre. &bdquo;Frank kam zu mir, setzte mir die Kopfh&ouml;rer auf und spielte bestimmte Passagen an, um zu veranschaulichen, wie Coltrane harmonische Wechsel oder Melodien gelangen&ldquo;, erz&auml;hlte Lovano k&uuml;rzlich dem britischen Guardian. &bdquo;Das war unglaublich inspirierend, weil man h&ouml;ren konnte, wie er schon damals einzelne St&uuml;cke 35 Minuten oder l&auml;nger spielte. Er lie&szlig; sich wirklich ganz auf die Musik ein und folgte ihr dahin, wohin sie ihn f&uuml;hren wollte. Diese Freiheit, die seine sp&auml;teren Werke pr&auml;gte, war tats&auml;chlich immer pr&auml;sent gewesen.&ldquo;
<h3 class="MsoNoSpacing">Wie Frank Tiberi zu John Coltranes Schatten wurde</h3>
Der zwei Jahre j&uuml;ngere Frank Tiberi hatte John Coltrane 1958 durch die Aufnahmen entdeckt, die der Tenorsaxofonist gemeinsam mit dem Trompeter Wilbur Harden f&uuml;r Savoy Records gemacht hatte. &bdquo;Was mich umgehauen hat, waren seine Improvisationen, seine harmonischen T&auml;uschungen&ldquo;, erinnert sich Tiberi. &bdquo;Er verwendete Akkorde &uuml;ber Akkorde. Es war einfach verbl&uuml;ffend. Er war ein Impressionist. Er konnte wirklich spielen und dabei sowohl seine technische F&auml;higkeit und seine Ideen als auch das Gef&uuml;hl, das er w&auml;hrend des Spielens entwickelte, einbeziehen. Ich wusste einfach, dass dies die Zukunft sein w&uuml;rde.&ldquo;
Von da an legte sich Tiberi jede neue Aufnahme von und mit Coltrane zu und besuchte, wann immer m&ouml;glich, auch seine Konzerte. Dabei fiel ihm auf, dass es einen deutlichen Unterschied zwischen dem gab, was Coltrane bei Studioaufnahmen spielte, und dem, was er auf der B&uuml;hne bot. Im Sommer 1960 legte sich Tiberi ein batteriebetriebenes, tragbares Tonbandger&auml;t zu, um Coltranes Konzerte aufzunehmen: einen Concertone TR-100 Transicorder mit kleinen Drei-Zoll-Spulen und einem winzigen Richtmikrofon. Nat&uuml;rlich nicht in der Absicht, sie zu ver&ouml;ffentlichen, sondern zu rein pers&ouml;nlichen Studienzwecken. In den Jazzclubs versteckte das Aufnahmeger&auml;t in einer Stofftasche auf seinem Scho&szlig; - was ihn dazu zwang, die Spulen &bdquo;blind&ldquo; zu wechseln - und das Mikrofon unter seinem Mantel.
Dass Tiberi unter diesen unorthodoxen Umst&auml;nden keine perfekten Aufnahmen erhalten w&uuml;rde, war ihm bewusst. Bis 1964 folgte er Coltrane dennoch wie ein Schatten und schaffte es, bei Dutzenden Auftritten in diversen Clubs in New York und Philadelphia mehr als 80 B&auml;nder mit &uuml;ber 26 Stunden Live-Musik mitzuschneiden. Die Gesamtheit der Aufnahmen dokumentiert die rasante Entwicklung, die John Coltrane in diesen f&uuml;nf Jahren durchlief, eine Phase, die 1960 mit dem bahnbrechenden Atlantic-Album &bdquo;Giant Steps&ldquo; begann und 1965 in den Aufnahmen des klassischen John Coltrane Quartet f&uuml;r das Impulse!-Meisterwerk &bdquo;A Love Supreme&ldquo; gipfelte.
<h3 class="MsoNoSpacing">Jetzt erblicken die Tiberi Tapes das Licht der Welt</h3>
&Uuml;ber 60 Jahre lang kannten nur Frank Tiberi und einige wenige von ihm Auserw&auml;hlte die historischen Aufnahmen. Dass sie existierten, war jedoch eine oft kolportierte Geschichte. Dann kam Coltranes einstiges Label Impulse! Records auf die Idee, im Jahre des 100. Geburtstags des Saxofonisten eine Auswahl der Tapes zu ver&ouml;ffentlichen. Zu diesem Zweck wurden sie &uuml;ber einen Zeitraum von zwei Jahren hinweg vom renommierten Toningenieur Kevin Reeves, der bereits 2018 die unver&ouml;ffentlichten Aufnahmen von Coltranes <a href="https://www.jazzecho.de/johncoltrane/diskografie/both-directions-at-once-the-lost-album-lp-465700" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Both Directions At One: The Lost Album&ldquo;</a> gemastert hatte, technisch akribisch aufbereitet.
Dabei ging es Reeves nicht darum, Klangkosmetik zu betreiben, sondern, wie er es beschreibt, &bdquo;like a scalpel&ldquo;, gezielt und von Hand st&ouml;rende Nebenger&auml;usche zu reduzieren und gleichzeitig m&ouml;glichst viel von der urspr&uuml;nglichen musikalischen Information zu bewahren. Das Ziel war nicht, den historischen Mitschnitten die Anmutung moderner Studioaufnahmen zu geben, sondern den H&ouml;rer so unmittelbar wie m&ouml;glich an diese einzigartigen Momente heranzuf&uuml;hren und, so Reeves, &bdquo;to bear witness to this chapter in jazz history.&ldquo;
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Am 6. November wird nun unter dem Titel &bdquo;The Tiberi Tapes&rdquo; eine Auswahl von elf langen Tracks mit einer Laufzeit von rund drei Stunden erstmals auf 4 LPs bzw. 3 CDs sowie digital ver&ouml;ffentlicht. Die Aufnahmen werden von einem umfangreichen Booklet mit Liner Notes von den Coltrane-Experten Ashley Kahn, Lauren Du Graf, Lewis Porter und Toningenieur Kevin Reeves begleitet. Sie beleuchten die historischen, musikalischen und klangtechnischen Aspekte dieser Aufnahmen aus unterschiedlichen Perspektiven. Die "Tiberi Tapes" sind ab sofort vorbestellbar. Exklusiv im JazzEcho-Store ist die LP-Variante preisgleich mit einer&nbsp;<a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/john-coltrane-the-tiberi-tapes-122535" target="_blank" rel="noopener">Sonderauflage des Everything-Jazz-Posterzine</a> erh&auml;ltlich - nur solang der Vorrat reicht!&nbsp;
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Michael Garrick: Vier wegweisende Argo-Alben erstmals wieder auf Vinyl

Vier Schl&uuml;sselwerke eines Pioniers des britischen Modern Jazz in einer Box: Am 6. November erscheint mit &bdquo;Voyages &ndash; The Argo Studio Albums Vol. 1&ldquo; eine neue 4-LP-Edition von Michael Garrick innerhalb der gefeierten Reihe BRITISH JAZZ EXPLOSION.

<h3 class="MsoNormal">Michael Garrick: Eine Schl&uuml;sselfigur des britischen Modern Jazz</h3>
Pianist und Komponist <a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Michael_Garrick" target="_blank" rel="noopener">Michael Garrick</a> (1933&ndash;2011) geh&ouml;rte seit den fr&uuml;hen 1960er-Jahren zu den eigenst&auml;ndigsten K&ouml;pfen der britischen Jazzszene. Weitgehend Autodidakt, studierte er zun&auml;chst englische Literatur am University College London &ndash; eine Pr&auml;gung, die sich sp&auml;ter in seiner engen Verbindung von Jazz, Lyrik und Literatur widerspiegelte. Gemeinsam mit dem Dichter Jeremy Robson initiierte er Anfang der 1960er-Jahre die Reihe &bdquo;Poetry and Jazz in Concert&ldquo;, arbeitete mit Joe Harriott und Shake Keane und war sp&auml;ter ein wichtiges Mitglied des legend&auml;ren Don Rendell/Ian Carr Quintet. 2010 wurde Garrick f&uuml;r seine Verdienste um die Musik mit dem MBE ausgezeichnet.
Die neue Box <a href="https://www.jazzecho.de/british-jazz-explosion/diskografie/michael-garrick-voyage-the-argo-years-vol-i-british-jazz-explosion-1296025" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Voyages &ndash; The Argo Studio Albums Vol. 1&ldquo;</a> versammelt vier urspr&uuml;nglich bei Argo ver&ouml;ffentlichte Alben: &bdquo;The Heart Is A Lotus&ldquo; (1970), &bdquo;Mr Smith&rsquo;s Apocalypse&ldquo; (1971), &bdquo;Home Stretch Blues&ldquo; (1972) und &bdquo;Troppo&ldquo; (1974). Sie dokumentieren eine besonders produktive Phase, in der Garrick eine unverkennbar britische Variante des Modern Jazz entwickelte &ndash; zwischen Post-Bop, modalen Formen, freieren Strukturen und literarisch gepr&auml;gten Klangkonzepten.
<h3 class="MsoNormal">Von &bdquo;The Heart Is A Lotus&ldquo; bis &bdquo;Troppo&ldquo;</h3>
&bdquo;The Heart Is A Lotus&ldquo; entstand im Januar 1970 in den Decca Studios in London und geh&ouml;rt zu Garricks bekanntesten Arbeiten. Charakteristisch ist die Verwendung von Norma Winstones Stimme als integraler Bestandteil des Ensembles, nicht lediglich als klassische Jazz-Vokalstimme. Neben ihr sind unter anderem Ian Carr, Don Rendell, Art Themen, Coleridge Goode beziehungsweise Dave Green und Trevor Tomkins zu h&ouml;ren.
Noch st&auml;rker in Richtung gro&szlig;formatiger Komposition weist &bdquo;Mr Smith&rsquo;s Apocalypse&ldquo; von 1971. Unter dem Namen Garrick&rsquo;s Fairground verbindet das zweiteilige Werk Jazzensemble, Chor und gesprochene Stimmen. Garrick selbst spielt Orgel; hinzu kommen Don Rendell, Art Themen, Henry Lowther, Coleridge Goode und Trevor Tomkins sowie Norma Winstone und mehrere Sprecher. Das Album zeigt besonders deutlich Garricks Interesse daran, Jazz &uuml;ber die klassische Folge von Thema, Soli und Reprise hinaus zu erweitern.
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<h3 class="MsoNormal">Norma Winstone, Don Rendell und die Entwicklung eines eigenen Sounds</h3>
Auf &bdquo;Home Stretch Blues&ldquo; von 1972 r&uuml;ckte Garrick wieder st&auml;rker die kleinere Band in den Mittelpunkt. Neben Norma Winstone spielen Art Themen, Don Rendell, Henry Lowther, Dave Green und Trevor Tomkins. Der Titeltrack verbindet bluesbasierte Elemente mit Garricks komplexerer Formensprache, w&auml;hrend die umfangreiche Suite &bdquo;Fire Opal And Blue Poppies&ldquo; seine Vorliebe f&uuml;r gr&ouml;&szlig;ere musikalische B&ouml;gen zeigt. Bereits eine zeitgen&ouml;ssische Rezension hob Winstones F&auml;higkeit hervor, sich wie eine gleichberechtigte Instrumentalstimme in das Ensemble einzuf&uuml;gen.
Den Abschluss der Box bildet &bdquo;Troppo&ldquo;, 1973 aufgenommen und 1974 ver&ouml;ffentlicht. Hier erscheint Garricks Bandsprache besonders ausgereift: ungerade Metren, farbenreiche Arrangements und flie&szlig;ende &Uuml;berg&auml;nge zwischen Ensemblepassagen und Improvisation pr&auml;gen das Album. &bdquo;Fellow Feeling&ldquo; ist eine Hommage an Joe Harriott, w&auml;hrend &bdquo;Lime Blossom&ldquo; Norma Winstone in einer besonders lyrischen Rolle zeigt. Jazz Journal lobte damals Garricks Abkehr von der konventionellen &bdquo;Ensemble&ndash;Solo&ndash;Ensemble&ldquo;-Struktur und die au&szlig;ergew&ouml;hnliche Geschlossenheit der Band.
<h3 class="MsoNormal">BRITISH JAZZ EXPLOSION: Vier Argo-Klassiker als 180-g-Vinyl-Box</h3>
F&uuml;r die limitierte Edition wurden alle vier Alben in den Abbey Road Studios rein analog und direkt von den originalen Stereo-Masterb&auml;ndern neu gemastert. Die Box enth&auml;lt vier schwarze 180-g-LPs in drei Single-Sleeves und einem Gatefold-Cover mit den originalen Artworks sowie gef&uuml;tterten Innenh&uuml;llen. Hinzu kommt ein LP-gro&szlig;es 20-seitiges Booklet mit einem neuen Text des preisgekr&ouml;nten Jazz-Autors Stuart Nicholson, einer Einf&uuml;hrung von Serienproduzent Tony Higgins sowie Fotografien und Abbildungen der originalen Tape-Boxen.
&bdquo;Voyages &ndash; The Argo Studio Albums Vol. 1&ldquo; von Michael Garrick erscheint am 6. November innerhalb der BRITISH JAZZ EXPLOSION-Serie und kann <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/michael-garrick-voyage-the-argo-years-vol-i-122259" target="_blank" rel="noopener">bereits vorbestellt werden</a>.
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We play for Rollins: Eine seelenvolle Verbeugung vor dem Saxofon-Koloss

Kurz nach dem Tod von Sonny Rollins ging Tenorsaxofonist Joshua Redman mit einer Gruppe Gleichgesinnter ins Studio, um seinem Vorbild Tribut zu zollen. Das Album erscheint am 20. November.

Mit dem Tod von <a href="https://www.jazzecho.de/sonnyrollins" target="_blank" rel="noopener">Sonny Rollins</a>, der am 25. Mai im Alter von 95 Jahren verstarb, verlor die Musikwelt den letzten echten Giganten des Jazz. Bereits auf seinen fr&uuml;hen Soloalben, die er in den 1950er Jahren f&uuml;r das Label Prestige einspielte, schlug der Tenorsaxofonist musikalisch seinen eigenen Weg ein und verdiente sich den Titel &bdquo;Saxophone Colossus&rdquo;. Obwohl Rollins nicht der &bdquo;Erfinder&ldquo; des pianolosen Trios war, f&uuml;hrte er diese Kunst im Jahr 1957 mit den Alben &bdquo;Way Out West&ldquo; und &bdquo;A Night at the &sbquo;Village Vanguard&lsquo;&ldquo; auf ungeahnte neue H&ouml;hen.
<h3 class="MsoNormal">Ein Solist von schier unersch&ouml;pflichem Ideenreichtum </h3>
Aufgrund seines kraftvollen Tons und seiner tief in Melodie und Rhythmus verwurzelten Spielweise erfreute sich Sonny Rollins bereits fr&uuml;h enormer Popularit&auml;t. Und im Laufe der Jahrzehnte sollte diese noch weiter wachsen. Beim Spielen griff er oft ein kleines Motiv auf oder nahm eine einfache Melodie und formte sie in atem(be)raubenden, epischen Soli immer wieder neu um. Dabei spickte er sie &ndash; sehr zum Vergn&uuml;gen des Publikums &ndash; auf verschmitzte Art und Weise zudem mit kurzen Zitaten anderer St&uuml;cke. So schaffte er es, dass kein Auftritt dem anderen glich. Mit seinen Aufnahmen und seiner starken, unabh&auml;ngigen Pers&ouml;nlichkeit beeinflusste er nicht nur Generationen von Jazzsaxofonisten, sondern auch Musiker und Musikerinnen anderer Genres. Einer von ihnen ist der Tenorsaxofonist <a href="https://www.jazzecho.de/joshua-redman" target="_blank" rel="noopener">Joshua Redman</a>, der sich selbst einmal als &bdquo;Fan Nr. 1&ldquo; des Saxofon-Kolosses bezeichnet hat.
<h3 class="MsoNormal">Joshua Redman entdeckt durch Sonny Rollins den Schl&uuml;ssel zu einem musikalischen Geheimnis&nbsp;</h3>
&bdquo;Nachdem ich Sonny Rollins geh&ouml;rt hatte, wurde mir die wahre Kraft und das Potenzial der Jazzimprovisation voll und ganz bewusst&ldquo;, verriet Redman einmal dem Magazin JazzTimes. &bdquo;Es war, als h&auml;tte Sonny mir einen Schl&uuml;ssel in die Hand gedr&uuml;ckt, der mir ein gro&szlig;es musikalisches Geheimnis erschloss. Er zeigte mir, dass man als Improvisator vollkommen emotional, unmittelbar und spontan sein und gleichzeitig doch v&ouml;llig geordnet, koh&auml;rent, logisch und kompositorisch vorgehen kann. Er weckte in mir ein Gesp&uuml;r f&uuml;r erz&auml;hlerischen Fluss und organische Architektur. Er lehrte mich, wie man improvisiert.&ldquo;
<h3 class="MsoNormal">Eine durch und durch inspirierte Hommage an Sonny Rollins </h3>
Als Joshua Redman in der Nacht des 25. Mai von Sonnys Tod erfuhr, war der Schock gro&szlig;. &bdquo;Sonnys Tod hat mich wirklich schwer getroffen&ldquo;, erz&auml;hlt er. &bdquo;Es ist fast so, als w&auml;re ein Elternteil gestorben. F&uuml;r mich &ndash; und ich glaube, f&uuml;r uns alle &ndash; war er wie ein musikalischer Vater, Gro&szlig;vater und Pate in einer Person.&ldquo; Als er am n&auml;chsten Tag aufwachte, versp&uuml;rte Redman das dringende Bed&uuml;rfnis, seinem gro&szlig;en Vorbild Tribut zu zollen. Binnen weniger Tage gelang es ihm, eine lockere Gruppe von &auml;lteren und neueren musikalischen Weggef&auml;hrten zusammenzutrommeln und f&uuml;r die Aufnahmen von&nbsp;<a href="https://www.jazzecho.de/joshua-redman/diskografie/if-ever-you-would-leave-us-we-play-for-rollins-lp-1296001" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;If Ever You Would Leave Us (we play for Rollins)&rdquo;</a> in ein New Yorker Studio zu holen. Bei den Sessions am 10. und 11. Juni ging es laut Redman &bdquo;lebhaft, vielleicht manchmal sogar ein bisschen hektisch, aber trotzdem immer super entspannt zu. Musikalische Entscheidungen wurden schnell, gemeinsam und ganz nat&uuml;rlich getroffen.&ldquo;
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<h3 class="MsoNormal">Eine All-Star-Besetzung mit drei ehemaligen Rollins-Begleitern</h3>
Neben den S&auml;ngerinnen C&eacute;cile McLorin Salvant und Gabrielle Cavassa, dem Tenorsaxofonisten Chris Potter, dem Bassisten Larry Grenadier und dem Schlagzeuger Marcus Gilmore waren mit dem Pianisten Kevin Hays, dem Gitarristen Peter Bernstein und dem Bassisten Christian McBride auch drei Musiker dabei, die noch selbst mit Rollins gespielt hatten. Zu h&ouml;ren ist Redman mit dieser All-Star-Besetzung in den unterschiedlichsten Konstellationen &ndash; vom Solo bis zum Quintett &ndash; und nicht zuletzt nat&uuml;rlich im pianolosen Trio. Gemeinsam interpretierten sie elf inspirierte St&uuml;cke aus Rollins&rsquo; Repertoire &ndash; eine Mischung aus bekannten Jazzstandards und sechs zeitlosen Eigenkompositionen des Saxofon-Kolosses. So ist eine Aufnahme entstanden, auf der in jeder Note das Gef&uuml;hl des Verlusts, aber auch die Freude und die Dankbarkeit der beteiligten Musiker und Musikerinnen sp&uuml;rbar ist. 
Das Album erscheint am 20. November bei Blue Note Records und kann bereits jetzt vorbestellt werden. Exklusiv im JazzEcho-Store ist die LP als<a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/joshua-redman-if-ever-you-would-leave-us-we-play-for-rollins-122209" target="_blank" rel="noopener"> farbiges Vinyl mit handsignierter Art Card</a> erh&auml;ltlich.

Sparklmami präsentiert „quisiera“ und „running“ in den Mahogany Sessions

Im Sommer hat sich eine der eigenwilligsten neuen Stimmen zwischen Jazz, Soul, Funk und Latin-Sounds vorgestellt. Nun zeigt Sparklmami eine besonders intime Seite ihrer Musik: F&uuml;r die Mahogany Sessions hat sie zwei Albumsongs live aufgenommen.

<h3 class="MsoNoSpacing">Sparklmami verwandelt &bdquo;quisiera&ldquo; und &bdquo;running&ldquo; f&uuml;r die Mahogany Sessions</h3>
Weniger ist manchmal mehr, vor allem bei Musik, die von Atmosph&auml;re, Stimme und unmittelbarer Emotion lebt. Genau daf&uuml;r sind die <a href="https://www.youtube.com/channel/UCG36u-k09zdIPQh5EEdVgTA">Mahogany Sessions</a> bekannt. In der traditionsreichen YouTube-Reihe pr&auml;sentieren Musikerinnen und Musiker ihre Songs in sorgf&auml;ltig gefilmten, oft reduzierten Live-Versionen. Die S&auml;ngerin und Songschreiberin <a href="https://www.sparklmami.com/" target="_blank" rel="noopener">Sparklmami </a>hat w&auml;hrend eines Besuchs in London gleich zwei Songs f&uuml;r das Format eingespielt: &bdquo;quisiera&ldquo; und &bdquo;running&ldquo;.
Begleitet wird sie in den Videos von Josh Jessen am Keyboard. Er reiste mit Sparklmami nach London, wo die Mahoganny Sessions produziert werden, und geh&ouml;rt auch sonst zum engsten musikalischen Umfeld der K&uuml;nstlerin: Jessen ist der feste Keyboarder und Synthesizer-Spieler ihrer Studio-Band und wirkte bereits an ihrem Deb&uuml;talbum <a href="https://www.jazzecho.de/sparklmami/diskografie/in-this-body-lp-1292685" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;in this body&ldquo;</a> mit. Die gemeinsame Vertrautheit passt bestens zum intimen Charakter der Sessions, in denen weniger eine aufwendige Inszenierung als das unmittelbare Zusammenspiel der Musiker im Mittelpunkt steht.
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<h3 class="MsoNoSpacing">Was sind die Mahogany Sessions?</h3>
Die Mahogany Sessions gibt es bereits seit 2010. Was urspr&uuml;nglich aus einem 2009 gestarteten Musikblog hervorging, entwickelte sich zu einer international bekannten Plattform f&uuml;r musikalische Entdeckungen. Im Mittelpunkt stehen intime, filmisch inszenierte Live-Performances, die K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstler bewusst in einem reduzierten Rahmen pr&auml;sentieren.
&Uuml;ber die Jahre haben zahlreiche sp&auml;ter weltbekannte Acts vor den Mahogany-Kameras gespielt. Zu den K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstlern, die f&uuml;r das Format Sessions aufgenommen haben, z&auml;hlen unter anderem Hozier, Ed Sheeran, Billie Eilish, James Bay, Jacob Collier und Arooj Aftab. Das Grundprinzip ist dabei &uuml;ber die Jahre weitgehend gleich geblieben: Die Performance und der Song sollen im Zentrum stehen &ndash; unabh&auml;ngig davon, ob vor der Kamera ein Newcomer oder ein internationaler Star steht.
F&uuml;r Sparklmami ist dieses Setting wie gemacht. Die multidisziplin&auml;re K&uuml;nstlerin, die als Ariella Granados in Texas aufwuchs und heute in Chicago lebt, verbindet in ihrer Musik eine ausgepr&auml;gte Lust an Improvisation mit einem sehr eigenen visuellen Kosmos. Ihre musikalischen Koordinaten reichen von brasilianischem Jazz der 1970er Jahre &uuml;ber experimentellen Soul und Funk bis zu den mexikanischen Boleros ihrer Kindheit.
<h3 class="MsoNoSpacing">&bdquo;quisiera&ldquo;: Sparklmamis Bolero &uuml;ber die Beziehung zu ihrer Mutter</h3>
Dass Sparklmami f&uuml;r die Mahogany Sessions unter anderem &bdquo;quisiera&ldquo; ausgew&auml;hlt hat, passt bestens zum intimen Charakter des Formats. Der Song erschien bereits vor ihrem Deb&uuml;talbum und ist Sparklmamis ganz eigene Interpretation der Bolero-Tradition. Die f&uuml;r das Genre charakteristische romantische Sehnsucht richtet sich hier allerdings nicht an einen Geliebten: In &bdquo;quisiera&ldquo; adressiert Sparklmami ihre Mutter. Im Zentrum steht der Wunsch, emotionale und generationelle Distanz zu &uuml;berwinden und zu einem tieferen gegenseitigen Verst&auml;ndnis zu finden.
<h3 class="MsoNoSpacing">&bdquo;running&ldquo; zeigt eine weitere Facette von Sparklmamis &bdquo;in this body&ldquo;</h3>
Mit &bdquo;running&ldquo; hat Sparklmami f&uuml;r ihre zweite Mahogany Session einen weiteren Song ihres Deb&uuml;talbums ausgew&auml;hlt. Darin geht es im Kern um <mark class="MAeH" data-sfc-root="ep" data-wiz-uids="YiyjIc_u" data-ved="2ahUKEwjq8bfWyeaWAxVN5QIHHY1eF8kQuJAPeggIAggBCA4QAQ" data-complete="true" data-sae="" data-sfc-inited="2" data-copy-service-computed-style="font-family: &quot;Google Sans&quot;, Arial, sans-serif, &quot;Noto Color Emoji&quot;; font-size: 16px; font-weight: 500; margin: 0px; text-decoration: none; border-bottom: 0px rgb(0, 29, 53);">die einseitige Sehnsucht, das emotionale Hinterherlaufen und das schmerzhafte Verlangen nach einer Person, die diese Gef&uuml;hle nicht erwidert. Zusammen zeigen die beiden Performances exemplarisch, wie wandlungsf&auml;hig die musikalische Welt ist, die Sparklmami auf &bdquo;in this body&ldquo; entwirft. Statt sich auf ein bestimmtes Genre festzulegen, l&auml;sst sie unterschiedliche musikalische Traditionen, pers&ouml;nliche Erinnerungen und spontane Ideen ineinanderflie&szlig;en.
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<h3 class="MsoNoSpacing">&bdquo;in this body&ldquo;: Sparklmamis Deb&uuml;t bei Verve Records</h3>
Mit &bdquo;in this body&ldquo; gab Sparklmami im Juni ihr Albumdeb&uuml;t bei Verve Records / slowplay. Auf neun St&uuml;cken entwirft die S&auml;ngerin eine musikalische Welt, die von Erinnerung, Fantasie und der Suche nach der eigenen Identit&auml;t gepr&auml;gt ist. Dabei treffen schimmernde Bl&auml;ser und improvisatorische Passagen auf Funk-Grooves, experimentellen Soul, brasilianische Jazz-Einfl&uuml;sse und die Boleros, mit denen Sparklmami zu Hause aufwuchs.
Auch biografisch laufen in dieser Musik unterschiedliche Welten zusammen. Hinter dem Pseudonym Sparklmami steckt Ariella Granados, die als Tochter mexikanischer Immigranten in Texas aufwuchs und heute in Chicago lebt. Als multidisziplin&auml;re K&uuml;nstlerin versteht sie Musik dabei als Teil eines gr&ouml;&szlig;eren Ganzen: Styling, Bildsprache und Performance geh&ouml;ren ebenso zu ihrem Kosmos wie ihre Songs.

TRÍADA kündigen Debütalbum „Exuvia“ an

Von Bossa-Nova-Covers zum eigenen Songwriting: Das junge argentinische Trio TR&Iacute;ADA ver&ouml;ffentlicht am 23. Oktober sein Deb&uuml;talbum &bdquo;Exuvia&ldquo;. Mit &bdquo;Clara&ldquo; ist jetzt eine neue Single daraus erschienen.

<h3 class="MsoNoSpacing">TR&Iacute;ADA: Drei Freundinnen aus Buenos Aires</h3>
Bei <a href="https://www.jazzecho.de/triada" target="_blank" rel="noopener">TR&Iacute;ADA</a>&nbsp;beginnt die Bandgeschichte nicht im Proberaum, sondern mit einer Freundschaft. Diamela Spina (Percussion, Gesang), Aylen Reynoso (Gitarre) und Julia Percowicz (Gesang) lernten sich w&auml;hrend ihrer Schulzeit an der Escuela Juan Pedro Esnaola in Buenos Aires kennen. Noch bevor daraus eine feste Band wurde, verbrachten sie viel Zeit miteinander und machten gemeinsam Musik. Spina erinnerte sich sp&auml;ter: &bdquo;We started hanging out before we were even making music together.&ldquo; Percowicz zufolge entstand TR&Iacute;ADA beinahe nebenbei: Man habe einfach zusammen gespielt und irgendwann ein Video hochgeladen, &bdquo;just&hellip; to see&ldquo;. 
Diese Ungezwungenheit ist bis heute Teil ihres Selbstverst&auml;ndnisses. Noch 2026 beschrieb Spina das gemeinsame Aufnehmen kleiner Videos als das Nat&uuml;rlichste &uuml;berhaupt: So h&auml;tten sie bereits als beste Freundinnen im Wohnzimmer gesessen, Kaffee getrunken, das Handy aufgestellt und gespielt. &bdquo;We don&rsquo;t have to explain anything. We just understand each other.&ldquo; 
<h3 class="MsoNoSpacing">Mit Jo&atilde;o Gilberto vom Klassenzimmer ins Netz</h3>
Ein gr&ouml;&szlig;eres Publikum fand das Trio zun&auml;chst mit Coverversionen. Nach dem Unterricht filmten die drei Musikerinnen reduzierte Arrangements von Songs, die von s&uuml;damerikanischer Folklore bis zu brasilianischer Bossa Nova reichten. Besonders ihre Version von Jo&atilde;o Gilbertos <a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/32tVlPCsuxUhu9UWoxugoA?si=tVEraHcOSVujr46qo3dO_Q" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;O Pato&ldquo;</a> wurde zum fr&uuml;hen Durchbruch: Das Video sammelte auf Instagram mehr als zwei Millionen Aufrufe und wurde anschlie&szlig;end zur ersten regul&auml;ren Ver&ouml;ffentlichung der Band. 
Dabei war der heute charakteristische TR&Iacute;ADA-Sound keineswegs von Anfang an festgelegt. In ihrer fr&uuml;hen Phase besch&auml;ftigten sich die Freundinnen auch mit Progressive Rock und Post-Punk. Erst im Lauf dieser musikalischen Suche r&uuml;ckten jene Stile st&auml;rker ins Zentrum, mit denen sie aufgewachsen waren oder sich besonders verbunden f&uuml;hlten: argentinische und lateinamerikanische Folklore, Jazz, Bossa Nova und akustische Songwriter-Musik. Als Einfl&uuml;sse nannten sie unter anderem Jorge Drexler, Los Panchos, Jo&atilde;o Gilberto und Rita Pay&eacute;s. 
<h3 class="MsoNoSpacing">Intimit&auml;t statt Genregrenzen</h3>
Was diese unterschiedlichen Einfl&uuml;sse verbindet, ist weniger ein bestimmtes Genre als eine &auml;sthetische Idee. Percowicz beschrieb TR&Iacute;ADAs Ansatz einmal als Musik, die &bdquo;ins Intime und Allt&auml;gliche&ldquo; gef&uuml;hrt werde: lateinamerikanische Genres, reduziert auf Gitarre, peruanisches Caj&oacute;n und eng gesetzte Gesangsharmonien. 
Auch die Band selbst sieht ihre Wiedererkennbarkeit vor allem in diesen Zutaten. Harmonien, Gitarrenarrangements, Percussion sowie eine &bdquo;intime und organische&ldquo; Atmosph&auml;re seien jene Elemente, mit denen sie praktisch jeden Song in eine TR&Iacute;ADA-Version verwandeln k&ouml;nnten. 
Der Name passt dazu gleich doppelt. &bdquo;Tr&iacute;ada&ldquo; bezeichnet in der Musik drei T&ouml;ne, die gemeinsam einen Akkord bilden. Zugleich geht der Name auf ein Gedicht von Percowicz &uuml;ber die Freundschaft der drei Musikerinnen zur&uuml;ck. 
<h3 class="MsoNoSpacing">Von Coverversionen zu eigenen Songs</h3>
2025 b&uuml;ndelte das Trio seine ersten Neuinterpretationen auf der EP <a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/7ykf5Rnb5mfOrDeomhWeZq?si=UNv2gk0aSYyHCLSM8fw5aw" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;De Versiones y Alma&ldquo;</a>. Darauf standen unter anderem &bdquo;B&eacute;same Mucho&ldquo;, &bdquo;O Pato&ldquo; und &bdquo;Romp&iacute;&ldquo; &ndash; Songs aus unterschiedlichen L&auml;ndern und Epochen, die TR&Iacute;ADA in ihre eigene akustische Klangsprache &uuml;berf&uuml;hrten. SPIN beschrieb die damals 19-j&auml;hrigen Musikerinnen treffend als &bdquo;old souls with young voices&ldquo;. 
Mit &bdquo;Exuvia&ldquo; folgt nun der n&auml;chste Schritt: Statt vor allem fremde St&uuml;cke neu zu lesen, r&uuml;ckt das eigene Songwriting in den Mittelpunkt. Der Albumtitel bezeichnet die bei einer H&auml;utung abgestreifte Haut und steht f&uuml;r das Zur&uuml;cklassen einer Entwicklungsphase.
<h3 class="MsoNoSpacing">Neue Single &bdquo;Clara&ldquo; zeigt TR&Iacute;ADAs erweiterten Sound</h3>
Einen Eindruck davon vermittelt die neue Single &bdquo;Clara&ldquo;. Der Song erz&auml;hlt von einer &auml;lteren, zur&uuml;ckgezogen lebenden Frau, die von ihrer Umgebung als verbittert wahrgenommen wird, hinter dieser Fassade jedoch eine eigene, kaum entdeckte Welt tr&auml;gt.
Auch klanglich erweitert das Trio hier seinen bisherigen Ansatz. &bdquo;Von dem Moment an, als der Song entstand, hatten wir die Idee, M&auml;nnerstimmen einzuladen, die diesen charakteristischen Latin-Sound beisteuern&ldquo;, erkl&auml;ren TR&Iacute;ADA. F&uuml;r die Musikerinnen war es das erste Mal, dass sie zus&auml;tzliche S&auml;nger f&uuml;r Backing Vocals in eine Aufnahme einbezogen.
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Das von Didi Gutman produzierte Deb&uuml;talbum <a href="https://www.jazzecho.de/triada/diskografie/exuvia-1295949" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Exuvia&ldquo;</a> erscheint am 23. Oktober digital bei Verve Records.

Gespräche über das, was hinter der Musik liegt

Welche Geschichten erz&auml;hlt ein K&uuml;nstler durch die Musik? Welche Begegnungen und Erfahrungen pr&auml;gen K&uuml;nstler? All dem widmet sich der ECM Records Podcast, in dem Caroline Fontanieu und Friedrich Kunzmann mit K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstlern ins Gespr&auml;ch kommen.

Die j&uuml;ngsten Folgen f&uuml;hren in sehr unterschiedliche musikalische Welten. Ayumi Tanakas Trioalbum "<a href="https://open.spotify.com/episode/4wWf9N6aysQIr1OXBYXDM3?si=6c5193aa41974330" target="_blank" rel="noopener">Windflower</a>"&nbsp;f&uuml;hrt zu Gedanken &uuml;ber Natur, Universalit&auml;t und gemeinschaftliches Musizieren. Elina Duni und Rob Luft sprechen &uuml;ber die Rolle von Sprache und Tr&auml;umen auf ihrem Duoalbum "<a href="https://open.spotify.com/episode/3fvZsmpKtr3Z50iX9CBe42?si=b4d3ca2eaf294de3" target="_blank" rel="noopener">Reaching for the Moon</a>" und &uuml;ber die besondere Kommunikation zwischen Stimme und Gitarre. Joe Lovano erz&auml;hlt, wie sich im "<a href="https://open.spotify.com/episode/3YmbVOSspDlAtBptwYSEy9?si=8aaff3a83900414f" target="_blank" rel="noopener">Paramount Quartet</a>" aus Vertrauen, Verbindung und gemeinsamem Improvisieren eine eigene musikalische Sprache entwickelt. Fred Hersch blickt anl&auml;sslich von "<a href="https://open.spotify.com/episode/4mPIxd3Lm9WqWYDz8TvHfW?si=91f26e5e7917497b" target="_blank" rel="noopener">Feebles, Fables and Ferns</a>" auf eine Aufnahme aus dem Jahr 1988 zur&uuml;ck und spricht &uuml;ber Erinnerung und musikalischen Dialog. Steve Swallow wiederum n&auml;hert sich in der Folge zu "<a href="https://open.spotify.com/episode/0GIsoU4mWwwfvlhLOiv8iF?si=2fdce02faedf4bc1" target="_blank" rel="noopener">Winter Songs</a>" den Themen Trauer, Dankbarkeit und Zeit.
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Auch fr&uuml;here Aufnahmen werden im Podcast aus heutiger Perspektive neu betrachtet. Marilyn Crispell erinnert sich im Gespr&auml;ch &uuml;ber die Wiederver&ouml;ffentlichung von "<a href="https://open.spotify.com/episode/0p1bkhpZUZXCdjFU7WR0Tp?si=8bd507915da4484f" target="_blank" rel="noopener">Amaryllis</a>" an Paul Motian und Gary Peacock, Bennie Maupin verbindet "<a href="https://open.spotify.com/episode/0tgKyPXvVck9AkInLuX8jO?si=abbf3b251dee4105" target="_blank" rel="noopener">The Jewel in the Lotus</a>" mit Spiritualit&auml;t, Kunst und seiner musikalischen Vergangenheit.
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In mittlerweile &uuml;ber 70 Folgen er&ouml;ffnen die Gespr&auml;che immer neue Zug&auml;nge zu den Aufnahmen: &uuml;ber pers&ouml;nliche Erinnerungen, musikalische Beziehungen und die Gedanken, die eine Interpretation oder Zusammenarbeit pr&auml;gen. H&ouml;ren Sie doch mal rein!

Eine pianistische Sternstunde in der Ewigen Stadt

Jedes der Konzerte, die der Pianist Keith Jarrett 2016 auf seiner triumphalen letzten Europatournee gab, war ein einzigartiges musikalisches Ereignis. Am 6. November erscheint der f&uuml;nfte und letzte Konzertmitschnitt der Tournee unter dem Titel "Roma".

Als ECM Records in den 1970er Jahren die ersten Aufnahmen von Keith Jarretts vollst&auml;ndig improvisierten Pianosolokonzerten ver&ouml;ffentlichte, betraten der K&uuml;nstler und das Label absolutes Neuland. Die beiden Alben "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/keith-jarrett-solo-concerts-bremen-lausanne-luminessence-3lp-882536" target="_blank" rel="noopener">Solo Concerts: Bremen/Lausanne</a>" (1973), das in einer Box mit drei LPs erschien, und "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/the-koeln-concert-50th-anniversary-ltd-ed-2lp-1232397" target="_blank" rel="noopener">K&ouml;ln Concert</a>" (1975), das als Doppelalbum ver&ouml;ffentlicht wurde, waren sowohl in konzeptioneller als auch musikalischer Hinsicht bahnbrechend. Mehr noch: Sie erreichten und begeisterten auch ein Publikum, das sich bis dahin eher wenig &ndash; wenn &uuml;berhaupt &ndash; f&uuml;r Jazz und improvisierte Musik interessiert hatte. "Jazzmusiker haben in ihrem Schaffen schon immer gro&szlig;en Wert auf Improvisation gelegt&rdquo;, bemerkte der Musikhistoriker und -kritiker Ted Gioia, der selbst Jazzpianist ist, vor 20 Jahren in einem Artikel &uuml;ber Jarretts "essenzielle Aufnahmen&rdquo;. "Doch nur wenige haben diese Hinwendung zum spontanen Schaffen so weit getrieben wie Keith Jarrett in seinen Solokonzerten. Er war ein Pionier des (nach wie vor seltenen) Konzepts eines vollst&auml;ndig improvisierten Klavierabends, der ganz und gar von der Muse des Augenblicks inspiriert ist. Doch so spannend dieses Konzept auch ist, Jarretts Umsetzung dieser ehrgeizigen Idee ist noch beeindruckender."
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Jedes neue Soloalbum ein weiterer Meilenstein
In den folgenden beiden Jahrzehnten erschienen immer wieder neue, von Kritik und Publikum gefeierte Aufnahmen von Jarretts faszinierenden, improvisierten Solokonzerten, darunter die monumentale 10-LP-Box "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/sun-bear-concerts-10-lp-647394" target="_blank" rel="noopener">Sun Bear Concerts</a>" (1976), das Dreifachalbum "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/concerts-bregenz-muenchen-193897" target="_blank" rel="noopener">Concerts</a>" (1982) und "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/la-scala-70542">La Scala</a>" (1997). Bis eine Erkrankung am Chronischen Fatigue-Syndrom den Pianisten zu einer l&auml;ngeren Pause zwang. Erst 2002 betrat er in Japan wieder die B&uuml;hne f&uuml;r neue Solokonzerte, die 2005 von ECM Records auf der Doppel-CD "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/radiance-93550" target="_blank" rel="noopener">Radiance</a>" ver&ouml;ffentlicht wurden. In einem Interview mit Wolfgang Sandner von der Frankfurter Allgemeinen Zeitung &auml;u&szlig;erte Jarrett damals, dass nun jedes Solokonzert f&uuml;r ihn etwas ganz Besonderes sei, da ihm diese Krankheit bewusst gemacht habe, dass es sein letztes sein k&ouml;nnte. Deshalb setzte er sich das Ziel, bei seinen Solokonzerten vollkommener und konzentrierter zu spielen und nicht mehr "einfach drauflos", wie bei seinen ber&uuml;hmten fr&uuml;heren Aufnahmen.
Jarretts letzte Europa-Tournee im Sommer 2016: Ein Triumph sondergleichen!
Seitdem legte Keith Jarrett bei jedem weiteren improvisierten Solokonzert die Messlatte f&uuml;r sich selbst h&ouml;her. Als er im Sommer 2016 zu seiner Solotournee durch Europa aufbrach, ahnte er noch nicht, dass es seine letzte sein w&uuml;rde. Die Tournee begann am 3. Juli mit einem Auftritt in Budapest und f&uuml;hrte im Drei-Tage-Rhythmus weiter &uuml;ber Bordeaux, Wien und Rom nach M&uuml;nchen. Bei den Konzerten &uuml;berraschte Jarrett mit Improvisationen, die er spontan zu Suiten formte. Dabei folgte er jedes Mal einer anderen Dramaturgie und zeigte sich erfindungsreicher denn je. Als erstes erschien 2019 &ndash; noch bevor bekannt wurde, dass der Pianist 2018 zwei Schlaganf&auml;lle erlitten hatte und nie mehr auftreten w&uuml;rde &ndash; das abschlie&szlig;ende Konzert der Tournee unter dem Titel "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/munich-2016-lp-567108" target="_blank" rel="noopener">M&uuml;nchen 2016</a>". Es folgten das "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/budapest-concert-lp-614224" target="_blank" rel="noopener">Budapest Concert</a>" (2020), das "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/bordeaux-concert-2lp-776589" target="_blank" rel="noopener">Bordeaux Concert</a>" (2022) und "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/new-vienna-2lp-1148196" target="_blank" rel="noopener">New Vienna</a>" (2025). In der internationalen Presse riefen s&auml;mtliche Alben ein gewaltiges Echo hervor und wurden durchweg als neue Meisterwerke des Pianisten gefeiert. Nun erscheint am 6. November anl&auml;sslich des zehnj&auml;hrigen Jubil&auml;ums von Jarretts finaler Solotournee durch Europa der f&uuml;nfte und letzte, schlicht "Roma&rdquo; betitelte Konzertmitschnitt auf Doppel-Vinyl und einer einzelnen CD. Die Musik, die Keith Jarrett am 12. Juli im Saal Santa Cecilia im Parco della Musica in Rom bot, sticht selbst innerhalb dieser au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Konzertreihe deutlich hervor. Und das will wirklich etwas hei&szlig;en!

Jeff Goldblum: „I Shouldn't Be Telling You This“ erscheint als Thousand-Club-LP

Jazz mit Hollywood-Flair: Am 30. Oktober 2026 erscheint Jeff Goldblums zweites Album &bdquo;I Shouldn't Be Telling You This&ldquo; als streng limitierte Vinyl-Neuauflage mit alternativem Cover, individueller Nummerierung und weltweit nur 1.000 Exemplaren.

<h3 class="MsoNoSpacing">Jeff Goldblums &bdquo;I Shouldn't Be Telling You This&ldquo;: Jazz, Charme und gro&szlig;e Stimmen</h3>
<a href="https://www.jazzecho.de/jeff-goldblum" target="_blank" rel="noopener">Jeff Goldblum</a> ist l&auml;ngst nicht mehr nur Schauspieler, sondern auch eine feste Gr&ouml;&szlig;e an den Schnittstellen von Jazz, Entertainment und Popkultur. Mit seinem Mildred Snitzer Orchestra verbindet er seit Jahren klassische Jazzstandards mit einer B&uuml;hnenpr&auml;senz, die ebenso sehr von Spontaneit&auml;t und Humor lebt wie von seiner h&ouml;rbaren Begeisterung f&uuml;r die Musik.
Sein zweites Album <a href="https://www.jazzecho.de/jeff-goldblum/diskografie/i-shouldnt-be-telling-you-this-lp-565837" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;I Shouldn't Be Telling You This&ldquo;</a> erschien urspr&uuml;nglich 2019 und kn&uuml;pfte an den Erfolg seines Deb&uuml;ts <a href="https://www.jazzecho.de/jeff-goldblum/diskografie/the-capitol-studios-sessions-lp-482864" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;The Capitol Studios Sessions&ldquo;</a> an, das zuvor Platz eins der Billboard Jazz Albums erreicht hatte. Auch auf dem Nachfolger bleibt Goldblum seinem Konzept treu: Standards und Klassiker bilden das musikalische Fundament, doch durch die Auswahl der G&auml;ste und die lockere Atmosph&auml;re bekommt das Album einen ganz eigenen Charakter.
Nun wird &bdquo;I Shouldn't Be Telling You This&ldquo; als Teil der Thousand-Club-LP-Serie neu aufgelegt.&nbsp;Anders als bei vielen bisherigen Ver&ouml;ffentlichungen der Reihe steht damit kein jahrzehntealter Katalogklassiker im Mittelpunkt, sondern ein Album, das erst wenige Jahre zur&uuml;ckliegt. Gerade das zeigt, dass sich der Thousand Club nicht ausschlie&szlig;lich als Archivprojekt versteht, sondern auch j&uuml;ngeren Aufnahmen einen Platz als besondere Sammleredition einr&auml;umt.
<h3 class="MsoNoSpacing">Miley Cyrus, Fiona Apple und Gregory Porter: Eine ungew&ouml;hnliche G&auml;steliste</h3>
Zu den Besonderheiten von &bdquo;I Shouldn't Be Telling You This&ldquo; geh&ouml;rt seine beeindruckende Liste an Gasts&auml;ngerinnen und Gasts&auml;ngern. Miley Cyrus trifft auf &bdquo;The Thrill Is Gone / Django&ldquo; auf Goldblums Ensemble, w&auml;hrend Fiona Apple mit &bdquo;Don't Worry 'Bout Me&ldquo; ihre ganz eigene Interpretation eines Standards beisteuert. Auch Gregory Porter ist vertreten und verleiht &bdquo;Make Someone Happy&ldquo; seine unverwechselbare W&auml;rme. Dazu kommen Auftritte von Sharon Van Etten, Anna Calvi, Inara George und Gina Saputo.
Gerade diese Mischung macht den Reiz des Albums aus. Goldblum und seine Band bleiben tief im klassischen Jazz verwurzelt, &ouml;ffnen die Musik aber zugleich f&uuml;r Stimmen, die man eher aus Indie, Pop oder Singer-Songwriter-Kontexten kennt. Statt eines puristischen Jazzalbums entsteht so ein bewusst zug&auml;ngliches Crossover-Projekt, das Goldblums Rolle zwischen Musiker, Entertainer und Popkultur-Figur perfekt widerspiegelt.
<h3 class="MsoNoSpacing">Thousand Club: Nicht nur Klassiker aus vergangenen Jahrzehnten</h3>
Mit dem Thousand Club widmet sich das Fontana-Label ausgew&auml;hlten Alben in besonders limitierten Vinyl-Editionen. Das Konzept steckt bereits im Namen: Von jedem Titel werden lediglich 1.000 Exemplare hergestellt, jedes einzelne davon wird individuell von 1 bis 1000 foliennummeriert.
Bislang lag ein deutlicher Schwerpunkt der Serie auf Wiederentdeckungen aus den 1960er- und 1970er-Jahren. Alben von Leaf Hound, Camel, Caravan, Small Faces oder zuletzt Marlena Shaws Soul-Jazz-Klassiker <a href="https://www.jazzecho.de/various-artists-jazz/rezensionen-und-news/marlena-shaw-rare-groove-klassiker-the-spice-of-life-erscheint-in-der-thousand-club-serie-280278" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;The Spice of Life&ldquo;</a> stehen beispielhaft f&uuml;r diesen Blick in die Archive.
Mit &bdquo;I Shouldn't Be Telling You This&ldquo; erweitert sich das Konzept nun um eine deutlich j&uuml;ngere Ver&ouml;ffentlichung. Das 2019 erschienene Album ist noch keine historische Wiederentdeckung im klassischen Sinn, hat sich durch Goldblums anhaltende Popularit&auml;t und seine prominente G&auml;steliste aber bereits als markanter Titel seines Jazzkatalogs etabliert.
&Auml;u&szlig;erlich unterscheidet sich die Thousand-Club-Ausgabe von der regul&auml;ren Ver&ouml;ffentlichung. Das Album erscheint als hellblaue &ldquo;Marble Vinyl&rdquo; und mit einem alternativen Cover, sie wird weltweit auf 1.000 Exemplare limitiert. Zur Sammlerausstattung geh&ouml;ren wie immer eine stabile Kartonh&uuml;lle mit gepr&auml;gtem Thousand-Club-Logo, die individuelle Foliennummerierung von 1 bis 1000 sowie eine sch&uuml;tzende PVC-H&uuml;lle.
Jeff Goldblum &amp; The Mildred Snitzer Orchestra &ndash; &bdquo;I Shouldn't Be Telling You This (Thousand Club)&ldquo; erscheint am 30. Oktober 2026 und kann bereits jetzt <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/jeff-goldblum-jeff-goldblum-the-mildred-snitzer-orchestra-i-shouldn-t-be-telling-you-this-121988" target="_blank" rel="noopener">exklusiv im JazzEcho-Store vorbestellt werden</a>.

Louis Armstrong: Konzertmitschnitt von 1957 feiert Weltpremiere

Fast 70 Jahre lang schlummerte der Mitschnitt eines au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Satchmo-Konzertes im Archiv. Am 13. November 2026 kann man den mitrei&szlig;enden Auftritt jetzt nacherleben.

Nur wenige Musiker haben die Geschichte des Jazz so nachhaltig ver&auml;ndert wie <a href="https://www.jazzecho.de/louisarmstrong" target="_blank" rel="noopener">Louis Armstrong</a>. Sein Trompetenspiel, seine rhythmische Freiheit und seine unverwechselbare Stimme machten ihn zum Wegbereiter des modernen Jazz und zu einem seiner ersten globalen Stars. Der Konzertmitschnitt <a href="https://www.jazzecho.de/louisarmstrong/diskografie/one-night-in-highland-park-lp-1296283">&bdquo;One Night in Highland Park&ldquo;</a> &ouml;ffnet nun ein neues Fenster in eine besonders erfolgreiche Phase seiner Karriere.
<h3 class="MsoNormal">Louis Armstrong 1957: Ein Weltstar auf dem Gipfel des Erfolges</h3>
Als Armstrong am 19. M&auml;rz 1957 die B&uuml;hne der Highland Park High School n&ouml;rdlich von Chicago betrat, reichte seine Karriere l&auml;ngst weit &uuml;ber den Jazz hinaus. Der Song <a href="https://open.spotify.com/intl-de/track/3RMiJVtSWzEuHLEh1UkxDS?si=71d87d75a6294fdd" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Mack the Knife&ldquo;</a> war ein Welthit, das Album <a href="https://www.jazzecho.de/verve-essentials/diskografie/ella-fitzgerald-louis-armstrong-ella-and-louis-verve-essentials-1295590" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Ella and Louis&ldquo;</a> mit Ella Fitzgerald hatte seinen Status weiter gefestigt, und in &bdquo;High Society&ldquo; war er neben Bing Crosby, Grace Kelly und Frank Sinatra im Kino zu sehen. Auch musikalisch f&uuml;hlte Armstrong sich in Bestform: &bdquo;I&rsquo;m playing better now than I&rsquo;ve ever played in my life&ldquo;, erkl&auml;rte er 1956.
Trotz seines Superstar-Status f&uuml;hrte ihn sein Tourneeplan ihn aber weiterhin auch immer wieder in kleinere S&auml;le und sogar Schulaulen. Entscheidend war f&uuml;r Armstrong das Publikum: &bdquo;I play them because I love music&ldquo;, erkl&auml;rte er 1957. &bdquo;That&rsquo;s where the audiences are &mdash; in the towns and cities &mdash; and that&rsquo;s what I want, the audience.&ldquo;
<h3 class="MsoNormal">One Night in Highland Park: Ein Konzert, das beinahe verloren ging</h3>
Rund 1.200 Menschen erlebten Armstrong an jenem Abend in der Highland Park High School, 27 Meilen n&ouml;rdlich von Chicago. Dass das Konzert fast sieben Jahrzehnte sp&auml;ter noch einmal nachh&ouml;rbar wird, ist Joel Goldstein zu verdanken. Der damalige Sch&uuml;ler und Stage Manager der Aula beschloss, Armstrongs Auftritt aufzunehmen. Zwei Telefunken-Mikrofone hingen &uuml;ber der B&uuml;hne, aufgezeichnet wurde mit einer Ampex-Bandmaschine. Goldstein bewahrte das Band &uuml;ber Jahrzehnte auf, und damit einen Abend, der andernfalls wohl verloren gegangen w&auml;re.
<h3 class="MsoNormal">Louis Armstrong und seine All Stars in Lieblingsbesetzung</h3>
Armstrong spielte mit einer Besetzung seiner All Stars, die er besonders sch&auml;tzte: Trummy Young an der Posaune, Edmond Hall an der Klarinette, Billy Kyle am Piano, Squire Gersh am Bass und Barrett Deems am Schlagzeug. &bdquo;I think the group I have now is the best of &rsquo;em all&ldquo;, sagte Armstrong 1956. &bdquo;One Night in Highland Park&ldquo; l&auml;sst h&ouml;ren, warum: Neben Trompete und Gesang des Bandleaders lebt die Aufnahme vom Zusammenspiel einer Band, die vertrautestes Repertoire mit bemerkenswerter Energie pr&auml;sentiert.
<h3 class="MsoNormal">Von &bdquo;Blueberry Hill&ldquo; bis &bdquo;Mack the Knife&ldquo;</h3>
Das Programm zeigt die ganze Spannweite eines Armstrong-Konzerts jener Jahre: New-Orleans-Jazz trifft auf Balladen, Standards, Publikumslieblinge, Filmmusik und aktuelle Hits. &bdquo;(Back Home Again in) Indiana&ldquo; und &bdquo;Tiger Rag&ldquo; stellen Armstrongs Trompete und das Zusammenspiel von Trummy Young und Edmond Hall heraus. &bdquo;The Gypsy&ldquo; und &bdquo;Blueberry Hill&ldquo; sorgen f&uuml;r ruhigere Momente, &bdquo;High Society Calypso&ldquo; verweist auf Armstrongs damaligen Kinoerfolg. &bdquo;Tin Roof Blues&ldquo; und &bdquo;My Bucket&rsquo;s Got a Hole in It&ldquo; f&uuml;hren zur&uuml;ck zu seinen musikalischen Wurzeln, w&auml;hrend &bdquo;Mack the Knife&ldquo; den Abend mitten in die Gegenwart des Jahres 1957 holt. Den Abschluss bilden &bdquo;When the Saints Go Marching In&ldquo; und &bdquo;The Star-Spangled Banner&ldquo;.
<h3 class="MsoNormal">&bdquo;Ole Miss&ldquo; als H&ouml;hepunkt des Abends</h3>
Eine besondere Rolle spielt der Song &bdquo;Ole Miss&ldquo;, den Armstrong bereits seit seiner Jugend in New Orleans kannte. In Highland Park steigern sich die All Stars durch zwei Zugaben immer weiter in das St&uuml;ck hinein. Ricky Riccardi, Armstrong-Biograf und Autor der Linernotes, sieht darin den H&ouml;hepunkt des gesamten Sets.
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<h3 class="MsoNormal">Louis-Armstrong-Perle kehrt nach fast 70 Jahren zur&uuml;ck</h3>
F&uuml;r die weltweite Erstver&ouml;ffentlichung des Konzertmitschnittes wurde das Originalband von Kevin Reeves &uuml;berspielt, gemischt und gemastert. Die Linernotes stammen von Ricky Riccardi, Louis-Armstrong-Biograf, Director of Research Collections am Louis Armstrong House Museum und zweifacher GRAMMY-Preistr&auml;ger f&uuml;r Best Album Notes. &bdquo;One Night in Highland Park&ldquo; bringt damit ein bemerkenswert unmittelbares Dokument aus einer gro&szlig;en Karrierephase Louis Armstrongs ans Licht, fast 70 Jahre nachdem zwei Mikrofone in einer Highschool bei Chicago den Abend festhielten. Das Album erscheint am 13. November und kann<a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/louis-armstrong/products/louis-armstrong-one-night-in-highland-park-123333" target="_blank" rel="noopener"> bereits jetzt vorbestellt werden.</a>

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