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Rezensionen

Blue Note Tone Poet Serie: Klangpoet mit texanischen Wurzeln

Nach einem zweij&auml;hrigen Aufenthalt in Europa kehrte der texanische Tenorsaxofonist Booker Ervin 1966 in die USA zur&uuml;ck. Nur wenige Monate sp&auml;ter nahm er&nbsp; in L.A. mit einem neuen Quintett progressiver Musiker das Album &bdquo;Structurally Sound&ldquo; auf.

Die audiophile <a href="https://www.jazzecho.de/blue-note-tone-poet-series/diskografie" target="_blank" rel="noopener">BLUE NOTE TONE POET SERIE</a> wurde im Jahr 2019 anl&auml;sslich des 80-j&auml;hrigen Jubil&auml;ums von Blue Note Records ins Leben gerufen und zeichnet sich durch einen kompromisslosen Qualit&auml;tsanspruch aus. Das Mastering erfolgt komplett analog von den originalen Erste-Generation-Masterb&auml;ndern. Kuratiert und produziert wird die Reihe von Joe Harley (Mitbegr&uuml;nder von Music Matters, bekannt als &bdquo;Tone Poet&ldquo;). Das Mastering &uuml;bernimmt Kevin Gray bei Cohearent Audio. Die LPs werden als 180g-Vinyl bei Record Technology Incorporated (RTI) in den USA gepresst. Die Alben kommen in laminierten Tip-On-Gatefold-Sleeves von Stoughton Printing, oft erg&auml;nzt durch unver&ouml;ffentlichte Session-Fotos, sowie in wattierten Innenh&uuml;llen. Im Fokus der Reihe stehen nicht nur bekannte Meilensteine, sondern auch untersch&auml;tzte Klassiker, Vinyl-Premieren historischer Sessions sowie Alben von Partner-Labels wie Pacific Jazz oder Capitol Records.
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Als typischer Vertreter der texanischen Schule der Tenorsaxofonisten besa&szlig; <a href="https://www.bluenote.com/artist/booker-ervin/" target="_blank" rel="noopener">Booker Ervin</a> (1930&ndash;1970) einen selbstbewussten, kraftvollen und bluesgetr&auml;nkten Sound, in dem jedoch auch stets eine gewisse Verwundbarkeit mitschwang. Bekannt wurde er Ende der 1950er Jahre durch die intensive Zusammenarbeit mit dem Bassisten und Komponisten Charles Mingus. Als Mitglied von dessen Band etablierte er sich als Solist mit einer unverwechselbaren Stimme und war unter anderem an der Einspielung der Alben &bdquo;Jazz Portraits &ndash; Mingus In Wonderland&ldquo; (United Artists, 1959), &bdquo;Mingus Ah Um&ldquo; und &bdquo;Mingus Dynasty&ldquo; (Columbia, 1959 und 1960), &bdquo;Blues and Roots&ldquo; (Atlantic, 1960) sowie &bdquo;Mingus Mingus Mingus Mingus Mingus&ldquo; (Impulse, 1964) beteiligt.
1960 begann Booker Ervin seine relativ kurze, aber dennoch erstaunlich produktive und vielseitige Solokarriere &ndash; in nur neun Jahren nahm er f&uuml;r Labels wie Prestige, Pacific Jazz und Blue Note 19 Alben als Bandleader auf. <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/tone-poet-series/products/booker-ervin-structurally-sound-120517" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Structurally Sound&ldquo;</a> entstand im Dezember 1966 in Los Angeles f&uuml;r Richard Bocks Label Pacific Jazz. Ervin, der rund zwei Jahre lang in Barcelona gelebt und in ganz Europa gearbeitet hatte, war erst wenige Monate zuvor in die USA zur&uuml;ckgekehrt. Anstatt bei der Aufnahmesession auf bew&auml;hrte Begleiter von fr&uuml;heren Alben zur&uuml;ckzugreifen, formierte er ein neues Quintett mit talentierten Musikern, die es seines Erachtens verdienten, &ouml;fter geh&ouml;rt zu werden: der junge Trompeter Charles Tolliver, der Pianist John Hicks, der Bassist Red Mitchell und der Schlagzeuger Lenny McBrowne. 
Das Repertoire umfasste Eigenkompositionen von Ervin (&bdquo;Boo&rsquo;s Blues&rdquo;) und Tolliver (&bdquo;Franess&rdquo;), Klassiker aus dem Great American Songbook (&bdquo;Dancing in the Dark&rdquo;, &bdquo;You&rsquo;re My Everything&rdquo; und &bdquo;Deep Night&rdquo;) sowie St&uuml;cke der namhaften Jazzkomponisten Billy Strayhorn (&bdquo;Take the A Train&rdquo;), Oliver Nelson (&bdquo;Stolen Moments&rdquo;) und Randy Weston (&bdquo;Berkshire Blues&rdquo;). &ldquo;Structurally Sound&rdquo; war ein erstes Beispiel daf&uuml;r, wie Booker Ervin seinen Stil nach seiner R&uuml;ckkehr aus Europa weiterentwickelte. Leider konnte er danach nur noch drei eigene Alben einspielen, bevor er im Alter von 39 Jahren, am 31. August 1970, in New York an einem Nierenleiden verstarb.
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Blue Note Tone Poet Serie: Ein gar nicht verkapptes Genie

Dass er einer der aufregendsten neuen Trompeter im Jazz war, hatte Freddie Hubbard schon auf seinen ersten beiden Blue-Note-Alben bewiesen. Auf dem dritten Geniestreich &bdquo;Hub Cap&ldquo; offenbarte er 1961 auch sein kompositorisches K&ouml;nnen.

Die audiophile <a href="https://www.jazzecho.de/blue-note-tone-poet-series/diskografie" target="_blank" rel="noopener">BLUE NOTE TONE POET SERIE</a> wurde im Jahr 2019 anl&auml;sslich des 80-j&auml;hrigen Jubil&auml;ums von Blue Note Records ins Leben gerufen und zeichnet sich durch einen kompromisslosen Qualit&auml;tsanspruch aus. Das Mastering erfolgt komplett analog von den originalen Erste-Generation-Masterb&auml;ndern. Kuratiert und produziert wird die Reihe von Joe Harley (Mitbegr&uuml;nder von Music Matters, bekannt als &bdquo;Tone Poet&ldquo;). Das Mastering &uuml;bernimmt Kevin Gray bei Cohearent Audio. Die LPs werden als 180g-Vinyl bei Record Technology Incorporated (RTI) in den USA gepresst. Die Alben kommen in laminierten Tip-On-Gatefold-Sleeves von Stoughton Printing, oft erg&auml;nzt durch unver&ouml;ffentlichte Session-Fotos, sowie in wattierten Innenh&uuml;llen. Im Fokus der Reihe stehen nicht nur bekannte Meilensteine, sondern auch untersch&auml;tzte Klassiker, Vinyl-Premieren historischer Sessions sowie Alben von Partner-Labels wie Pacific Jazz oder Capitol Records.
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Einen so atemberaubenden Senkrechtstart wie den des Trompeters <a href="https://www.bluenote.com/artist/freddie-hubbard/" target="_blank" rel="noopener">Freddie Hubbard</a> hat selbst die an Talenten reich gesegnete New Yorker Jazzszene selten erlebt. Als der damals 20-J&auml;hrige 1958 aus seiner Heimatstadt Indianapolis im &bdquo;Big Apple&rdquo; landete, konnte er als Referenz lediglich eine Aufnahme mit dem Gitarristen Wes Montgomery vorweisen. Innerhalb weniger Jahre erweiterte er in New York sein Portfolio um Aufnahmen mit so unterschiedlichen Gr&ouml;&szlig;en wie Slide Hampton, Ornette Coleman, Eric Dolphy, Curtis Fuller, Benny Golson, J. J. Johnson, Quincy Jones, John Lewis, Randy Weston und John Coltrane&nbsp; &ndash; um nur einige zu nennen. 
Seine Karriere als Solok&uuml;nstler begann Hubbard 1960 bei Blue Note Records mit den gefeierten Alben <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/freddie-hubbard/products/freddie-hubbard-open-sesame" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Open Sesame&ldquo;</a> und <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/freddie-hubbard/products/freddie-hubbard-goin-up-117251" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Goin&rsquo; Up&ldquo;</a>, auf denen er &uuml;berwiegend Jazzstandards und Kompositionen bekannterer Kollegen interpretierte. Sein eigenes K&ouml;nnen als Komponist zeigte der &auml;u&szlig;erst dynamische Trompeter erstmals so richtig auf seinem 1961 erschienenen dritten Blue-Note-Album <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/freddie-hubbard/products/freddie-hubbard-hub-cap-120473" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Hub Cap&ldquo; </a>(der Titel &ndash; zu Deutsch &bdquo;Radkappe&ldquo; &ndash; ist eine verschmitzte Anspielung auf Hubbards Spitznamen Hub).
Vier der sechs St&uuml;cke des Albums stammten aus seiner Feder (&bdquo;Hub Cap&ldquo;, &bdquo;Luana&ldquo;, &bdquo;Osie Mae&ldquo; und &bdquo;Earmon Jr.&ldquo;), die beiden anderen von Randy Weston (&bdquo;Cry Me Not&ldquo;) und Cedar Walton (&bdquo;Plexus&ldquo;). Zu h&ouml;ren ist er hier mit einem Sextett, bestehend aus dem Posaunisten Julian Priester, dem Tenorsaxofonisten Jimmy Heath, dem Pianisten Cedar Walton, dem Bassisten Larry Ridley und dem Schlagzeuger Philly Joe Jones. Im Guardian schrieb John Fordham im Jahr 2003 in einer Rezension des Albums: &bdquo;Die Musik versetzt einen zur&uuml;ck in eine Jazz&auml;ra, in der die kraftvolle Dynamik des Hard Bop den damals noch kommerziell erfolgreichen Jazz dominierte.&ldquo; Nur kurze Zeit sp&auml;ter erweiterte Art Blakey seine popul&auml;ren Jazz Messengers, die seit jeher in der klassischen Quintett-Besetzung aufgetreten waren, pl&ouml;tzlich um einen Posaunisten zum Sextett. Au&szlig;erdem holte er Freddie Hubbard als neuen Trompeter an Bord. Ob das wohl nur ein Zufall war?

Fünf weitere Klassiker für die Plattensammlung: Die Blue Note Essentials gehen in die zweite Runde

Mit f&uuml;nf Schwergewichten von Cannonball Adderley, Wayne Shorter, Eric Dolphy, Kenny Burrell und Grant Green geht die g&uuml;nstige neue Vinyl-Serie Blue Note Essentials in die n&auml;chste Runde &ndash; und macht bei der Qualit&auml;t weiterhin keine Kompromisse.

Kaum ein Plattenlabel verf&uuml;gt &uuml;ber einen derart reichen Katalog an Jazz-Meisterwerken wie Blue Note Records. Genau daraus sch&ouml;pft die neue Reihe <a href="https://www.jazzecho.de/blue-note-essentials" target="_blank" rel="noopener">Blue Note Essentials</a>: Legend&auml;re Alben des Labels erscheinen hier in hochwertigen, zugleich preiswerten Vinyl-Ausgaben und bieten damit einen idealen Einstieg f&uuml;r alle, die ihre Jazz-Sammlung aufbauen oder um unverzichtbare Klassiker erweitern m&ouml;chten.
Nach dem Auftakt mit Art Blakey &amp; The Jazz Messengers, Chet Baker, Herbie Hancock, Horace Silver und Lee Morgan folgt nun die zweite Staffel. Die LPs werden von Hi-Res-Files gemastert, bei Optimal auf 140-Gramm-Vinyl gepresst und in originalgetreu gestalteten Sleeves ausgeliefert.&nbsp;Und musikalisch geht es genauso hochkar&auml;tig weiter.
<h3 class="MsoNormal">Cannonball Adderley &ndash; Somethin' Else</h3>
&bdquo;Ist es das, was du wolltest, Alfred?&ldquo; Mit Miles Davis' unverwechselbarer Stimme endet &bdquo;One for Daddy-O&ldquo; &ndash; und der kleine Moment sagt einiges &uuml;ber eine au&szlig;ergew&ouml;hnliche Aufnahmesession aus. Denn obwohl <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/cannonball-adderley-somethin-else-120628" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Somethin' Else&ldquo;</a> unter Cannonball Adderleys Namen erschien und dessen einziges Album f&uuml;r Blue Note blieb, nimmt Davis darauf eine ungew&ouml;hnlich prominente Rolle ein.
Die enge musikalische Verbindung zwischen den beiden pr&auml;gt die gesamte Session. Besonders eindrucksvoll ist ihre Interpretation von &bdquo;Autumn Leaves&ldquo;, die zu den ber&uuml;hmtesten Aufnahmen des Standards z&auml;hlt. Das Titelst&uuml;ck wiederum zeigt die Band von ihrer zupackenderen Seite. Mit Hank Jones am Piano, Sam Jones am Bass und Art Blakey am Schlagzeug trafen hier f&uuml;nf Musiker aufeinander, deren Zusammenspiel &bdquo;Somethin' Else&ldquo; zu einem der gro&szlig;en Blue-Note-Klassiker machte.
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<h3 class="MsoNormal">Wayne Shorter &ndash; Speak No Evil</h3>
1964 war f&uuml;r Wayne Shorter ein Jahr des Umbruchs &ndash; und eines seiner kreativsten &uuml;berhaupt. Nach seinen Jahren mit Art Blakey &amp; The Jazz Messengers etablierte sich der Saxofonist mit &bdquo;Night Dreamer&ldquo; und &bdquo;JuJu&ldquo; als Bandleader bei Blue Note. Im Sommer desselben Jahres wurde er Mitglied des Miles Davis Quintet.
An Heiligabend 1964 ging Shorter dann mit Freddie Hubbard, Herbie Hancock, Ron Carter und Elvin Jones ins Studio. Das Ergebnis: <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/wayne-shorter-speak-no-evil-120618" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Speak No Evil&ldquo;</a>. S&auml;mtliche sechs St&uuml;cke stammen aus Shorters Feder und zeigen bereits jene unverwechselbare Welt zwischen geheimnisvollen Melodien, komplexen Harmonien und offenem Zusammenspiel, die seine Musik pr&auml;gen sollte.&nbsp;Ein Album, das gleichzeitig unmittelbar und r&auml;tselhaft klingt &ndash; und zu den zentralen Werken in Shorters Diskografie geh&ouml;rt.
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<h3 class="MsoNormal">Eric Dolphy &ndash; Out To Lunch!</h3>
Kaum ein Album im Blue-Note-Katalog klingt auch Jahrzehnte nach seiner Entstehung noch so eigenwillig wie <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/eric-dolphy-out-to-lunch-120621" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Out To Lunch!&ldquo;</a>. Im Februar 1964 versammelte Multiinstrumentalist Eric Dolphy daf&uuml;r ein au&szlig;ergew&ouml;hnliches Quintett im Studio von Rudy Van Gelder: Freddie Hubbard an der Trompete, Bobby Hutcherson am Vibrafon, Richard Davis am Bass und der damals gerade einmal 18-j&auml;hrige Tony Williams am Schlagzeug.
Dolphy brachte auf dem Album zwei vermeintliche Gegens&auml;tze zusammen: den revolution&auml;ren Geist der Jazz-Avantgarde und ein tiefes Gesp&uuml;r f&uuml;r Swing. Die Musik kann kantig und unberechenbar sein, besitzt dabei aber stets einen starken rhythmischen Sog.&nbsp;&bdquo;Out To Lunch!&ldquo; wurde zu Dolphys wohl ber&uuml;hmtestem Werk &ndash; und zu einem jener Blue-Note-Alben, die zeigen, wie weit sich die Grenzen des Jazz schon Mitte der 1960er-Jahre verschieben lie&szlig;en.
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<h3 class="MsoNormal">Kenny Burrell &ndash; Midnight Blue</h3>
Blues, Groove und eine Atmosph&auml;re wie geschaffen f&uuml;r die sp&auml;ten Stunden: Mit <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/kenny-burrell-midnight-blue-120620" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Midnight Blue&ldquo;</a> schuf Kenny Burrell 1963 einen der gro&szlig;en Gitarrenklassiker des Blue-Note-Katalogs.&nbsp;Burrell verzichtet hier bewusst auf ein Piano und l&auml;sst seiner warmen, eleganten Gitarre umso mehr Raum. Mit Tenorsaxofonist Stanley Turrentine findet er einen kongenialen Partner. Major Holley Jr. am Bass, Bill English am Schlagzeug und Ray Barretto an den Congas komplettieren die Besetzung.
Das Ergebnis ist ebenso entspannt wie konzentriert: tief im Blues verwurzelt, voller Groove und mit jener n&auml;chtlichen Stimmung, die der Albumtitel verspricht. Zusammen mit dem ikonischen Cover von Reid Miles wurde &bdquo;Midnight Blue&ldquo; zu einem zeitlosen Blue-Note-Klassiker.
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<h3 class="MsoNormal">Grant Green &ndash; Idle Moments</h3>
Schon der Beginn von <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/grant-green-idle-moments-120609" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Idle Moments&ldquo;</a> macht deutlich, dass dieses Album sich Zeit nimmt. Rund 15 Minuten dauert das Titelst&uuml;ck, in denen Grant Green und seine Mitmusiker eine wunderbar schwebende Atmosph&auml;re entstehen lassen.&nbsp;Neben Greens unverwechselbar klarem Gitarrenton pr&auml;gen Duke Pearson am Piano, Bobby Hutcherson am Vibrafon und Joe Henderson am Tenorsaxofon den besonderen Klang der Aufnahme. Bob Cranshaw am Bass und Al Harewood am Schlagzeug halten das Ensemble zusammen.
Gerade die ungew&ouml;hnliche Instrumentierung sorgt f&uuml;r faszinierende Klangfarben: Gitarre und Vibrafon schweben &uuml;ber der Rhythmusgruppe, w&auml;hrend Henderson immer wieder markante Akzente setzt. &bdquo;Idle Moments&ldquo; geh&ouml;rt damit zu jenen Platten, die nicht durch gro&szlig;e Gesten beeindrucken m&uuml;ssen &ndash; ihre Wirkung entfaltet sich mit jedem H&ouml;ren ein wenig mehr.
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<h3 class="MsoNormal">Blue Note f&uuml;r den Plattenschrank</h3>
Mit der zweiten Staffel unterstreichen die Blue Note Essentials, worum es bei der Reihe geht: einige der wichtigsten Aufnahmen aus der Geschichte des Labels auf Vinyl zug&auml;nglich zu machen, ohne daraus ein Luxusprodukt zu machen.
Von der lyrischen Eleganz von &bdquo;Somethin' Else&ldquo; &uuml;ber Wayne Shorters geheimnisvolle Kompositionen und Eric Dolphys Abenteuerlust bis zum n&auml;chtlichen Blues von Kenny Burrell und den schwebenden Klanglandschaften Grant Greens decken die f&uuml;nf Neuerscheinungen dabei erstaunlich viel von dem ab, was Blue Note so besonders macht.&nbsp;F&uuml;nf Alben &ndash; und f&uuml;nf ziemlich &uuml;berzeugende Gr&uuml;nde, im Plattenregal noch etwas Platz zu schaffen.

Blue Train in Blue: Coltranes Meisterwerk bekommt die Farbe, die ihm gebührt

Manche Plattenfarben sind Spielerei, manche scheinen unvermeidlich: John Coltranes Meilenstein &bdquo;Blue Train&ldquo; rollt jetzt auf blauem Vinyl heran. Eine kleine Fahrt durch die Geschichte eines Albums, bei dem seit fast sieben Jahrzehnten alles auf Blau steht.

Es gibt Albumtitel, die eine Farbe im Kopf entstehen lassen. Und dann gibt es <a href="https://www.jazzecho.de/blue-note-essentials/diskografie/john-coltrane-blue-train-blue-note-essentials-ltd-blue-ed-1295305" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Blue Train&ldquo;</a>. Reid Miles&rsquo; ber&uuml;hmtes Cover taucht <a href="https://www.jazzecho.de/johncoltrane" target="_blank" rel="noopener">John Coltrane</a> in tiefes Blau, der Titel spricht vom &bdquo;Blue Train&ldquo;, das er&ouml;ffnende St&uuml;ck ist fest im Blues verwurzelt &ndash; und das Ganze erschien ausgerechnet bei Blue Note. Dass der Klassiker nun als limitierte blaue LP erscheint, wirkt deshalb weniger wie ein Vinyl-Gimmick als wie die Vollendung eines lange vorbereiteten Farbkonzepts.
<h3 class="MsoNormal">Ein gro&szlig;er Tag in Hackensack</h3>
Am 15. September 1957 betrat John Coltrane Rudy Van Gelders legend&auml;res Wohnzimmerstudio in Hackensack, New Jersey. An einem einzigen Tag entstand dort &bdquo;Blue Train&ldquo; &ndash; und damit das einzige Album, das Coltrane als Bandleader f&uuml;r Blue Note aufnehmen sollte.&nbsp;Coltrane befand sich damals in einer Phase enormer musikalischer Entwicklung. Er hatte bereits mit Miles Davis gespielt und arbeitete 1957 mit Thelonious Monk. F&uuml;r &bdquo;Blue Train&ldquo; versammelte er eine Band, die heute wie ein Hard-Bop-All-Star-Team wirkt: den gerade einmal 19-j&auml;hrigen Lee Morgan an der Trompete, Curtis Fuller an der Posaune, Kenny Drew am Piano sowie Paul Chambers am Bass und Philly Joe Jones am Schlagzeug.
Und dann setzt dieses Riff ein.&nbsp;Das Titelst&uuml;ck geh&ouml;rt zu jenen Jazznummern, bei denen wenige Takte gen&uuml;gen, um eine ganze Welt aufzubauen: schwer, bluesig, majest&auml;tisch und zugleich voller Vorw&auml;rtsdrang. Vier der f&uuml;nf St&uuml;cke stammen von Coltrane selbst. Neben &bdquo;Blue Train&ldquo; wurden vor allem &bdquo;Moment&rsquo;s Notice&ldquo; und &bdquo;Lazy Bird&ldquo; zu Klassikern; dazu kommen &bdquo;Locomotion&ldquo; und die Ballade &bdquo;I&rsquo;m Old Fashioned&ldquo;.
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<h3 class="MsoNormal">Eine Platte mit vielen Leben</h3>
Seit der urspr&uuml;nglichen Blue-Note-LP von 1957 hat &bdquo;Blue Train&ldquo; eine kaum &uuml;berschaubare Vinyl-Geschichte entwickelt. Neben zahllosen internationalen Pressungen wurde das Album mit dem Audiophile-Revival zunehmend selbst zum Sammlerobjekt.&nbsp;Analogue Productions brachte 2008 eine nummerierte 45-RPM-Ausgabe auf zwei 180-Gramm-LPs heraus. Music Matters Jazz ver&ouml;ffentlichte ebenfalls aufwendig produzierte Editionen &ndash; darunter 2016 tats&auml;chlich bereits eine Mono-Ausgabe auf blauem Vinyl. Der blaue Zug war also schon einmal unterwegs.
Einen neuen H&ouml;hepunkt erreichte die Reissue-Geschichte 2022 zum 65. Jahrestag der Session. Blue Note ver&ouml;ffentlichte das Album in seiner audiophilen Tone Poet Series: als Mono-LP und als Stereo-Doppelalbum<a href="https://www.jazzecho.de/johncoltrane/diskografie/blue-train-the-complete-masters-tone-poet-vinyl-stereo-2lp-773690" target="_blank" rel="noopener"> &bdquo;Blue Train: The Complete Masters&ldquo;</a> mit alternativen und unvollst&auml;ndigen Takes. Gemastert wurde von Kevin Gray anhand der analogen Originalb&auml;nder.
<h3 class="MsoNormal">Jetzt wird der &bdquo;Blue Train&ldquo; wieder blau</h3>
Die neue Ausgabe verfolgt einen anderen Ansatz. In der Reihe <a href="https://www.jazzecho.de/blue-note-essentials" target="_blank" rel="noopener">Blue Note Essentials</a> sollen die Klassiker des Labels kompromisslos preiswert auf Vinyl erh&auml;ltlich sein, ohne bei der Fertigung zu sparen. &bdquo;Blue Train&ldquo; kommt als 140-Gramm-Optimal-Pressung vom Hi-Res-Master im Single-Sleeve &ndash; und in limitierter Auflage auf blauem Vinyl.&nbsp;Audiophile d&uuml;rfen also weiterhin &uuml;ber Mono gegen Stereo, AAA gegen Hi-Res und 140 gegen 180 Gramm diskutieren. F&uuml;r alle anderen gibt es ein erheblich einfacheres Argument: Ein &bdquo;Blue Train&ldquo; geh&ouml;rt eigentlich auf blaues Vinyl.

Jazz, Hip-Hop und die Kunst des Träumens: Kiefer zündet die „Memory Bomb“

Mit &bdquo;Memory Bomb&ldquo; ver&ouml;ffentlicht Kiefer jetzt sein erstes eigenes Album f&uuml;r Blue Note Records. Gemeinsam mit erstklassigen G&auml;sten verbindet der Keyboarder Jazz, Hip-Hop-Beats und schwebende Harmonien zu einer musikalischen Traumwelt.

Gerade erst sorgte <a href="https://www.kiefermusic.com/" target="_blank" rel="noopener">Kiefer</a> als Mitglied des neuen Blue-Note-Projekts <a href="https://www.jazzecho.de/nate-smith-kiefer-cartoons-kenny-beats" target="_blank" rel="noopener">FATHERS</a>&nbsp;gemeinsam mit Nate Smith, CARRTOONS und Kenny Beats f&uuml;r Aufmerksamkeit. Nun folgt der n&auml;chste Schritt: Der Kalifornier ver&ouml;ffentlicht mit&nbsp;<a href="https://www.jazzecho.de/kiefer/diskografie" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Memory Bomb&ldquo;</a> sein erstes Soloalbum f&uuml;r Blue Note Records. Exklusiv im JazzEcho-Store ist es als <a href="https://eustore.everythingjazz.com/products/kiefer-memory-bomb-120040" target="_blank" rel="noopener">limitierte&nbsp;blaue LP&nbsp;mit&nbsp;handsignierter Art Card</a> erh&auml;ltlich, in starker Limitierung f&uuml;r Sammler auch mit einer zus&auml;tzlichen&nbsp;<a href="https://eustore.everythingjazz.com/collections/kiefer/products/kiefer-memory-bomb-120037" target="_blank" rel="noopener">Whitelabel-Variante&nbsp;des Albums</a>.
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Es gibt Musiker, bei denen man schon nach wenigen Takten wei&szlig;, wer da spielt. Bei Kiefer Shackelford ist es weniger ein bestimmter Sound als eine bestimmte Bewegung: Akkorde h&auml;ngen einen Moment l&auml;nger in der Luft, Melodien biegen unerwartet ab, Beats stolpern scheinbar &ndash; und landen doch genau dort, wo sie hingeh&ouml;ren.
Jazz und Hip-Hop sind f&uuml;r Kiefer keine zwei Welten, die erst miteinander vers&ouml;hnt werden m&uuml;ssten. Sie geh&ouml;ren l&auml;ngst zur selben musikalischen Sprache.Auf <a href="https://www.jazzecho.de/kiefer/diskografie" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Memory Bomb&ldquo;</a> wird diese Sprache nun besonders weit aufgef&auml;chert. Das Album ist Kiefers Solo-Deb&uuml;t als Leader bei Blue Note Records und entstand gemeinsam mit Shibo und CARRTOONS. Dazu kommt ein bemerkenswertes Ensemble mit Nate Smith, Walter Smith III, Cisco Swank, Rae Khalil, Amber Navran, Planet Giza, Erick The Architect, Tony Stone und weiteren G&auml;sten.
<h3 class="MsoNormal">Kiefer und Blue Note: Eine Geschichte, die fr&uuml;h beginnt</h3>
Dass dieses Album ausgerechnet bei Blue Note erscheint, besitzt f&uuml;r Kiefer eine biografische Dimension. Kiefer Shackelford wuchs in San Diego auf. Beide Eltern spielten Klavier. Seine Mutter brachte ihm fr&uuml;h das Notenlesen und Bach-Menuette bei, sein Vater liebte Jazz und insbesondere Blue Note &ndash; mit Platten von Sonny Clark und Gene Harris. Kiefer h&ouml;rte Miles Davis&rsquo; &bdquo;Kind Of Blue&ldquo; immer wieder. Nachdem er mit 13 Davis&rsquo; Biografie gelesen hatte, stand f&uuml;r ihn fest, dass er Jazzmusiker werden wollte. Sp&auml;ter studierte er an der UCLA, wo ausgerechnet Blue-Note-Legende Kenny Burrell zu seinen Lehrern geh&ouml;rte. Bei Stones Throw Records entwickelte Kiefer anschlie&szlig;end mit Ver&ouml;ffentlichungen wie &bdquo;Happysad&ldquo;, &bdquo;Between Days&ldquo; und &bdquo;It&rsquo;s Ok, B U&ldquo; seine eigene Identit&auml;t. Dazu kamen Kollaborationen mit Dr. Dre, De La Soul, Pete Rock, Anderson .Paak, Kaytranada und Terrace Martin.
Mit Blue Note schlie&szlig;t sich nun ein Kreis. Bereits 2021 erfuhr Kiefer, dass Label-Pr&auml;sident Don Was seine Musik verfolgte. Das gemeinsame Projekt FATHERS mit CARRTOONS, Nate Smith und Kenneth Blume f&uuml;hrte schlie&szlig;lich zu seinem Leader-Deb&uuml;t f&uuml;r das Label.
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<h3 class="MsoNormal">&bdquo;Memory Bomb&ldquo;: Was hat ein Traum mit Jazz zu tun?</h3>
Der Titel liefert den Schl&uuml;ssel zum Album. Eine &bdquo;Memory Bomb&ldquo; ist f&uuml;r Kiefer eine poetische Umschreibung f&uuml;r einen Traum. Davon unterscheidet er drei Arten: den Traum im Schlaf, den Traum als Sehnsucht und den Traum als Ambition. Diese Zust&auml;nde durchziehen das Album. &bdquo;Memory Bomb&ldquo; wirkt deshalb weniger wie eine Sammlung einzelner Songs als wie eine lose Erz&auml;hlung. Motive tauchen auf und verschwinden wieder, improvisierte Passagen ver&auml;ndern die St&uuml;cke &ndash; und &uuml;ber allem liegt eine Atmosph&auml;re, die gleichzeitig vertr&auml;umt und ausgesprochen rhythmisch ist.
F&uuml;r seine musikalische Welt hat Kiefer einen eigenen Begriff gefunden: &bdquo;Over The Breaks&ldquo;. Gemeint ist jener Raum, in dem Jazzimprovisation und Hip-Hop-Produktion ineinander &uuml;bergehen. Ein Klavierpart kann als Jazzlinie beginnen und kurz darauf beinahe wie ein Sample wirken. Ein programmierter Beat kann wiederum so elastisch klingen wie eine Liveband. Der Begriff geht auf einen Track von J Dilla zur&uuml;ck. Pr&auml;gend f&uuml;r Kiefers Entwicklung war dabei Shibo, den er an der UCLA kennenlernte. Durch ihn tauchte Kiefer tiefer in die Welt von Flying Lotus, Thundercat und Low End Theory ein.
<h3 class="MsoNormal">Nate Smith, Walter Smith III und CARRTOONS: Jazz als Gemeinschaftswerk</h3>
Mit CARRTOONS und Shibo holte Kiefer zwei seiner engsten Freunde als Co-Produzenten hinzu. Beide kennen seine harmonische Sprache und teilen sein Interesse an Drum Programming. Von diesem Kern aus &ouml;ffnete sich das Album f&uuml;r zahlreiche S&auml;nger, Rapper und Instrumentalisten. Auf &bdquo;Overture&ldquo; sitzt etwa Nate Smith am Schlagzeug. Kiefer sch&auml;tzt besonders dessen enorme stilistische Beweglichkeit: Smith kann Hip-Hop ebenso selbstverst&auml;ndlich spielen wie Jazz, Funk oder komplexe ungerade Metren &ndash; und dabei stets nach sich selbst klingen. Genau diese Offenheit entspricht dem Prinzip von &bdquo;Memory Bomb&ldquo;: Virtuosit&auml;t ist hier kein Selbstzweck, sondern erm&ouml;glicht musikalische Beweglichkeit.
An anderen Stellen r&uuml;ckt Hip-Hop ins Zentrum. Auf &bdquo;NewLevels NewDevils&ldquo; teilen sich Tony Stone und Erick The Architect die Vocals, w&auml;hrend CARRTOONS Bass spielt. Kiefer sitzt an Piano und Keyboards, Brandon Bae steuert Gitarre bei. &bdquo;BusyForYa&ldquo; bringt wiederum Planet Giza und Shibo zusammen. Planet Giza &uuml;bernimmt neben den Vocals auch Drum Programming und zus&auml;tzliche Produktion, Shibo spielt Bass, Gitarren und Synthesizer, Kiefer die Keys.
<h3 class="MsoNormal">Der Titelsong &bdquo;Memory Bomb&ldquo;: Walter Smith III im Traumzustand</h3>
Besonders deutlich wird die atmosph&auml;rische Seite des Albums im Titelst&uuml;ck. Walter Smith III spielt Tenorsaxofon, Flanafi Gitarre, Shibo Bass und modulare Synthesizer, Kiefer Piano und Keys. Hier bekommt die Traumidee ihre vielleicht unmittelbarste Form. Das St&uuml;ck setzt weniger auf dramatische Zuspitzung als auf Texturen, Raum und Erinnerung. Walter Smith IIIs Saxofon steht nicht einfach als Solo &uuml;ber dem Arrangement, sondern wird Teil der Klanglandschaft.
Das gilt ebenso f&uuml;r die zahlreichen Vocals. Amber Navran von Moonchild ist auf mehreren St&uuml;cken zu h&ouml;ren. Bei &bdquo;Get to the Moon&ldquo; trifft sie auf Relyae und CARRTOONS, w&auml;hrend sie auf &bdquo;Won&rsquo;t Be Long&ldquo; gemeinsam mit Multiinstrumentalist Phil Beaudreau singt. Auf &bdquo;Nowhere Fast&ldquo; wiederum steht Rae Khalils Stimme neben Kiefers Piano und Keys im Mittelpunkt. So wechselt &bdquo;Memory Bomb&ldquo; &uuml;ber 13 St&uuml;cke zwischen instrumentalen Passagen, Songs, Rap und hybriden Formen &ndash; mal moderne Jazzsession, mal Hip-Hop-Produktion, mal intimer Neo-Soul.
<h3 class="MsoNormal">&bdquo;Memory Bomb&ldquo;: Ein Jazzalbum f&uuml;r die Gegenwart</h3>
Vielleicht ist &bdquo;Memory Bomb&ldquo; gerade deshalb ein bemerkenswertes Blue-Note-Album: Kiefer versucht nicht, wie ein Blue-Note-K&uuml;nstler einer vergangenen Epoche zu klingen. Seine Verbindung zur Jazztradition steckt im harmonischen Denken, in der Improvisation und in der Kollaboration mit Musikern wie Nate Smith und Walter Smith III. Seine Gegenwart ist aber ebenso stark von J Dilla, Hip-Hop, Beatmaking und der experimentierfreudigen Szene von Los Angeles gepr&auml;gt.

The Sound of America – Happy Birthday, Verve Records!

Nach der Doppel-CD ist jetzt auch die Vinyl-Ausgabe da: Mit der 4-LP-Box &bdquo;Verve Records: The Sound of America&ldquo; feiert Verve seinen 70. Geburtstag und blickt mit 35 Klassikern zur&uuml;ck auf die &Auml;ra des Labelgr&uuml;nders Norman Granz.

Nur wenige unabh&auml;ngige Produzenten haben den Sound des amerikanischen Jazz der 1940er bis 1960er Jahre so sehr gepr&auml;gt und so gut dokumentiert wie <a href="https://www.deutschlandfunkkultur.de/vor-100-jahren-geboren-wie-norman-granz-die-jazzwelt-100.html" target="_blank" rel="noopener">Norman Granz</a>. In der Jazzwelt erregte der aus Los Angeles stammende Granz zum ersten Mal Aufmerksamkeit, als er die legend&auml;re Konzertreihe <a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Jazz_at_the_Philharmonic" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Jazz at the Philharmonic&rdquo;</a> (JATP) ins Leben rief, in deren Rahmen er nahezu alle Musiker und Musikerinnen pr&auml;sentierte, die im Jazz jener Zeit Rang und Namen hatten. Nachdem er die Aufnahmen vieler JATP-Stars zun&auml;chst auf seinen Labels Clef Records und Norgran Records herausgebracht hatte, lancierte er 1956 ein neues Label namens <a href="https://www.jazzecho.de/labels/verve-5806" target="_blank" rel="noopener">Verve Records</a>.&nbsp;
Einen besseren und aussagekr&auml;ftigeren Namen h&auml;tte er daf&uuml;r kaum finden k&ouml;nnen. Mit den Aufnahmen, die auf Verve erschienen, brachte Granz eine Menge Schwung und kreative Leichtigkeit in die amerikanische Jazzszene. Einen ersten Meilenstein setzte er gleich mit dem ebenso ambitionierten wie bahnbrechenden Songbook-Projekt von Ella Fitzgerald. &bdquo;Ella Fitzgerald Sings the Cole Porter Song Book&ldquo; erschien 1956 und wurde zum Auftakt ihrer ber&uuml;hmten Songbook-Serie. Im Jubil&auml;umsjahr 2026 hat Verve den Klassiker erneut <a href="https://www.jazzecho.de/verve-acoustic-sounds-series/diskografie/ella-fitzgerald-sings-the-cole-porter-song-book-acoustic-sounds-1292635" target="_blank" rel="noopener">auf Doppel-Vinyl ver&ouml;ffentlicht</a>.
<h3 class="MsoNormal">Vier LPs f&uuml;r 70 Jahre Verve</h3>
Zur Feier seines 70. Geburtstags ver&ouml;ffentlichte das bis heute aktive Label im August zun&auml;chst die Doppel-CD <a href="https://www.jazzecho.de/various-artists-jazz/diskografie/verve-records-the-sound-of-america-2cd-1294019" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Verve Records: The Sound of America&ldquo;</a>. Nun ist mit der am 11. September erschienenen<a href="https://www.jazzecho.de/various-artists-jazz/diskografie/verve-records-the-sound-of-america-4lp-1294018" target="_blank" rel="noopener"> limitierten 4-LP-Box </a>auch die umfangreichere und f&uuml;r Vinyl-Liebhaber besonders interessante Ausgabe erh&auml;ltlich.
W&auml;hrend die Doppel-CD 30 ausgew&auml;hlte Klassiker enth&auml;lt, versammelt die Vinylbox 35 neu remasterte Aufnahmen aus den Jahren 1944 bis 1960 &ndash; aus jener Zeit also, in der Norman Granz als Konzert-Impresario und Produzent bei Clef, Norgran und Verve eines der aufregendsten und produktivsten Kapitel des amerikanischen Jazz und der popul&auml;ren Musik mitschrieb.
Vertreten sind Gesangsgr&ouml;&szlig;en wie Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Louis Armstrong, Anita O&rsquo;Day, Mel Torm&eacute;, Bing Crosby und Fred Astaire, swingende Giganten wie Count Basie, Lionel Hampton, Oscar Peterson und Stan Getz sowie Musiker wie Charlie Parker, Bud Powell, Coleman Hawkins, Art Tatum und The Modern Jazz Quartet.
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Die Vielseitigkeit des Verve-Katalogs wird dabei auch durch Aufnahmen abseits des klassischen Jazz-Repertoires unterstrichen: Zu h&ouml;ren sind unter anderem der Beat-Poet Jack Kerouac, die Stand-up-Komiker Mort Sahl, Jonathan Winters und Shelley Berman sowie Spike Jones and His City Slickers. So zeichnet die Zusammenstellung nicht nur ein musikalisches, sondern stellenweise auch ein kulturgeschichtliches Panorama der Granz-&Auml;ra.
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<h3 class="MsoNormal">F&uuml;nf Titel mehr als auf der CD</h3>
F&uuml;r Vinyl-Sammler bietet die Box f&uuml;nf Aufnahmen, die auf der Doppel-CD nicht enthalten sind. Zu den 35 Titeln geh&ouml;ren etwa die 1944 beim ersten &bdquo;Jazz at the Philharmonic&ldquo;-Konzert in Los Angeles entstandene Aufnahme von &bdquo;Blues&ldquo;, Coleman Hawkins&rsquo; &bdquo;Picasso&ldquo;, Oscar Petersons &bdquo;Tenderly&ldquo;, Charlie Parkers &bdquo;Laura&ldquo; und eine mehr als 17-min&uuml;tige Balladenfolge aus einer von Norman Granz produzierten Jam Session.&nbsp;Auch das Finale der Box ist bemerkenswert: Auf der vierten LP treffen unter anderem Billie Holidays &bdquo;I Thought About You&ldquo;, eine Probe von Ella Fitzgeralds &bdquo;Chelsea Bridge&ldquo; und Fred Astaires &bdquo;No Strings (I&rsquo;m Fancy Free)&ldquo; aufeinander.
Alle Aufnahmen wurden f&uuml;r die Edition neu remastert. Die vier 140-Gramm-LPs stecken in Einzelh&uuml;llen und werden in einer stabilen zweiteiligen Box pr&auml;sentiert, deren Gestaltung das klassische Verve-Design aufgreift. Hinzu kommt ein zw&ouml;lfseitiges gro&szlig;formatiges Booklet mit Liner Notes und Track-by-Track-Kommentaren von Tad Hershorn, dem Autor der Granz-Biografie <a href="https://www.amazon.de/Norman-Granz-Used-Jazz-Justice/dp/0520267826" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Norman Granz: The Man Who Used Jazz for Justice&ldquo;</a>.
<h3 class="MsoNormal">Ein ganzes Jahr im Zeichen von Verve</h3>
&bdquo;The Sound of America&ldquo; ist dabei nur ein Teil der umfangreichen Feierlichkeiten zum 70-j&auml;hrigen Bestehen von Verve. Das Label hat das gesamte Jahr 2026 zum Jubil&auml;umsjahr erkl&auml;rt und verbindet dabei historische Wiederentdeckungen mit seinem aktuellen K&uuml;nstler-Roster.
Zu den besonderen Ver&ouml;ffentlichungen geh&ouml;rt Oscar Petersons <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/oscar-peterson-at-baker-s-keyboard-lounge-the-complete-masters-112735" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Live at Baker&rsquo;s Keyboard Lounge&ldquo;</a>&nbsp;mit zuvor unver&ouml;ffentlichten Aufnahmen aus dem Jahr 1960. Au&szlig;erdem wurde <a href="https://www.jazzecho.de/verve-acoustic-sounds-series/diskografie/ella-fitzgerald-sings-the-cole-porter-song-book-acoustic-sounds-1292635" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Ella Fitzgerald Sings the Cole Porter Song Book&ldquo;</a>, das erste Album, das 1956 auf Verve erschien, passend zum Jubil&auml;um erneut ver&ouml;ffentlicht. Weitere Jubil&auml;umsprojekte mit Musik von unter anderem Louis Armstrong und Nina Simone wurden ebenfalls angek&uuml;ndigt.&nbsp;Parallel dazu f&uuml;hrt Verve seine audiophile <a href="https://www.jazzecho.de/verve-acoustic-sounds-series" target="_blank" rel="noopener">Acoustic Sounds Serie</a> und die <a href="https://www.jazzecho.de/verve-vault">Verve Vault Serie</a> fort.
Mit &bdquo;Verve Records: The Sound of America&ldquo; richtet sich der Blick allerdings ganz auf die Jahre, in denen Norman Granz das Fundament f&uuml;r diesen au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Katalog legte. 35 Aufnahmen auf vier LPs zeigen dabei, dass der von Verve dokumentierte &bdquo;Sound of America&ldquo; schon damals weit mehr war als nur ein einziger Klang.
<h3>LP 1 / Side 1</h3>
1.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Jazz at the Philharmonic &mdash; Blues 10:34
2.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Coleman Hawkins &mdash; Picasso 3:17
3.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Oscar Peterson &mdash; Tenderly 3:46
4.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Bud Powell &mdash; Like Someone in Love 1:54&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;
<h3>LP 1 / Side 2</h3>
1.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Count Basie and His Orchestra &mdash; New Basie Blues 3:26
2.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Johnny Hodges &mdash; Castle Rock 2:49
3.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Andre&rsquo;s All Stars &mdash; Con Poco Coco 6:51
4.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Lionel Hampton and Stan Getz &mdash; Louise 6:47
<h3>LP 2 / Side 1</h3>
1.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Lester Young and Teddy Wilson &mdash; Taking a Chance on Love 5:10
2.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; The JATP Quintet &mdash; Easy Living 5:31
3.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Benny Carter &mdash; Flamingo 2:53
4.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Ella Fitzgerald and Louis Armstrong &mdash; You Won&rsquo;t Be Satisfied (Until You Break My Heart) 3:40
5.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Art Tatum &mdash; I&rsquo;ll Never Be the Same 2:48 &nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;
LP 2 / Side 2
1.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Roy Eldridge &mdash; Dale&rsquo;s Wail 3:37
2.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Dizzy Gillespie, Sonny Rollins and Sonny Stitt &mdash; On the Sunny Side of the Street 5:43 *
3.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Lionel Hampton &mdash; That Old Black Magic, Part 1 6:34
4.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; The Modern Jazz Quartet &mdash; D &amp; E Blues 4:59 &nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;
<h3>LP 3 / Side 1</h3>
1.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Charlie Parker &mdash; Laura 3:00
2.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Jam Session #1 &mdash; Ballad Medley: All the Things You Are/Dearly Beloved/The Nearness of You/I&rsquo;ll Get By/Everything Happens to Me/The Man I Love/What&rsquo;s New?/Someone to Watch Over Me/Isn&rsquo;t It Romantic 17:22
<h3>LP 3 / Side 2</h3>
1.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Jack Kerouac &mdash; The Subterraneans 3:11 &nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;
2.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Mort Sahl &mdash; The Future Lies Ahead &mdash; excerpt 6:00
3.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Jonathan Winters &mdash; Football Game 3:25
4.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Shelley Berman &mdash; Department Store 6:06
<h3>LP 4 / Side 1</h3>
1.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Count Basie and Joe Williams &mdash; Thou Swell 2:22
2.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Spike Jones and His City Slickers &mdash; Cocktails for Two 3:35
3.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Rose Murphy &mdash; You Were Meant for Me 2:47 *
4.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Buddy Rich &mdash; Can&rsquo;t We Be Friends? 3:30 *
5.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Woody Herman &mdash; I Guess I&rsquo;ll Have to Change My Plan 2:55 *
6.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Margaret Whiting &mdash; Why Was I Born? 3:18&nbsp;&nbsp;
<h3>LP 4 / Side 2</h3>
1.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Mel Torm&eacute; &mdash; On the Street Where You Live 2:55
2.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Anita O&rsquo;Day &mdash; Lullaby of the Leaves 3:08
3.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Bing Crosby and Buddy Bregman &mdash; Blue Room 2:21
4.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Billie Holiday &mdash; I Thought About You 2:46
5.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Ella Fitzgerald &mdash; Chelsea Bridge &mdash; rehearsal 7:00
6.&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; Fred Astaire &mdash; No Strings (I'm Fancy Free) 2:57
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Verve Acoustic Sounds Serie: Kalifornische Träume mit Latin-Flavour

Mit dem Album &ldquo;California Dreaming&rdquo;, auf dem er ausgew&auml;hlte Pop-Hits jazzig neu erfand, etablierte sich Gitarrist Wes Montgomery 1967 als erster Crossover-Star des Genres.

Mit der Verve Acoustic Sounds Serie bietet Verve Vinyl-Fans in Zusammenarbeit mit dem bekannten amerikanischen Acoustic-Sounds-Label seine erste audiophile LP-Serie. Die Fertigung erfolgt mit rein analogen Produktionsschritten vom Erste-Generation-Masterband bis zur 180g-Pressung bei Quality Record Pressings in den USA. Den luxuri&ouml;sen Rahmen bieten laminierte Tip-On-Gatefold-Sleeves und wattierte Innenh&uuml;llen. Auch Alben von Verve-Schwesterlabels wie Impulse!, Mercury und Emarcy finden sich in der hochwertigen Serie wieder.
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<a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/acoustic-sounds-vinyl/products/wes-montgomery-california-dreaming-120465" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;California Dreaming&ldquo;</a> war das letzte und zugleich auch kommerziell erfolgreichste Album, das <a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Wes_Montgomery" target="_blank" rel="noopener">Wes Montgomery</a> (1923&ndash;1968) f&uuml;r Verve Records aufnahm. Unter der Regie des Produzenten Creed Taylor, der den Gitarristen 1964 zu dem Label geholt hatte, bewegte sich Montgomery auf seinen Alben immer mehr vom reinen Jazz weg in Richtung zeitgen&ouml;ssischer Pop. W&auml;hrend einige Jazzkritiker diese Entwicklung mit Sorge betrachteten, argumentierten andere, dass es Wes Montgomery stets gelang, seine Klasse und Integrit&auml;t zu bewahren, selbst wenn er popul&auml;res Material interpretierte. 
Das im September 1966 aufgenommene und im Februar 1967 ver&ouml;ffentlichte Album &bdquo;California Dreaming&ldquo; bildete da absolut keine Ausnahme. Das Programm bestand fast durchweg aus aktuellen Pop-Hits, darunter das von The Mamas &amp; the Papas stammende Titelst&uuml;ck, Bobby Hebbs Ohrwurm &bdquo;Sunny&ldquo; und gleich vier Nummern aus dem Repertoire der seinerzeit &uuml;beraus popul&auml;ren Band Herb Alpert &amp; Tijuana Brass (&bdquo;More, More, Amor&ldquo;, &bdquo;Green Peppers&ldquo;, &bdquo;Winds of Barcelona&ldquo; und &bdquo;South of the Border&ldquo;). Sein jazziges K&ouml;nnen zeigte Montgomery vor allem in den beiden bluesigen Eigenkompositionen &bdquo;Sun Down&ldquo; und &bdquo;Mr. Walker&ldquo;. Aber auch sonst fand er reichlich Gelegenheit, seinen charakteristischen, von Oktaven gepr&auml;gten Gitarrenstil zur Schau zu stellen. 
Begleitet wurde er bei der Aufnahme von einem Spitzenorchester unter der Leitung des Arrangeurs <a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Don_Sebesky" target="_blank" rel="noopener">Don Sebesky</a>. In der Besetzung stachen neben Herbie Hancock am Klavier und Bucky Pizzarelli an der Gitarre drei Musiker hervor, die Wes Montgomery und den Hammond-Organisten Jimmy Smith im selben Jahr bei der Einspielung der beiden Klassiker <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/wes-montgomery/products/jimmy-smith-jimmy-wes-the-dynamic-duo-106023" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Jimmy &amp; Wes: The Dynamic Duo&ldquo;</a> und &bdquo;Further Adventures of Jimmy and Wes&ldquo; zur Seite gestanden hatten: der Schlagzeuger Grady Tate, der Congalero Ray Barretto und der Bassist Richard Davis. Mit &bdquo;California Dreaming&ldquo; erreichte Wes Montgomery Platz 4 der R&amp;B-Album-Charts und zum ersten Mal &uuml;berhaupt die Spitze der Jazz-Album-Charts von Billboard. Dar&uuml;ber hinaus war es das bestverkaufte Jazzalbum des Jahres 1967. Noch im selben Jahr wechselten Wes Montgomery und Creed Taylor &uuml;brigens zusammen zu Herb Alperts Label A&amp;M Records, f&uuml;r das der Gitarrist dann seine letzten drei Alben einspielen sollte.
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Morgan Freeman und der Blues: vom Mississippi-Delta zur Abbey Road

Mit &bdquo;Morgan Freeman&rsquo;s Symphonic Blues Experience&ldquo; hat der Oscar-Preistr&auml;ger ein musikalisches Herzensprojekt verwirklicht. Nach der Digitalver&ouml;ffentlichung im August erscheint das Album jetzt auch auf CD. Die LP folgt am 16. Oktober.

&bdquo;Ich habe den Blues zum ersten Mal auf der Veranda meiner Gro&szlig;mutter im Mississippi-Delta geh&ouml;rt, und er hat mich nie wieder verlassen.&ldquo; Wenn <a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Morgan_Freeman" target="_blank" rel="noopener">Morgan Freeman</a> &uuml;ber den Blues spricht, geht es nicht um eine neu entdeckte Leidenschaft. Die Musik begleitet den Schauspieler seit seiner Kindheit. Mit <a href="https://www.jazzecho.de/morgan-freemans-symphonic-blues-experience/diskografie" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Morgan Freeman&rsquo;s Symphonic Blues Experience&ldquo;</a> macht der Oscar-Preistr&auml;ger diese lebenslange Verbindung zum Ausgangspunkt einer musikalischen Reise durch rund ein Jahrhundert Bluesgeschichte.
Seit August ist das zw&ouml;lf St&uuml;cke umfassende Album digital zu h&ouml;ren, am 25. September erscheint &bdquo;Morgan Freeman&rsquo;s Symphonic Blues Experience&ldquo; nun auch <a href="https://www.jazzecho.de/morgan-freemans-symphonic-blues-experience/diskografie/morgan-freemans-symphonic-blues-experience-1295012" target="_blank" rel="noopener">auf CD</a>. Die <a href="https://www.jazzecho.de/morgan-freemans-symphonic-blues-experience/diskografie/morgan-freemans-symphonic-blues-experience-lp-1295011" target="_blank" rel="noopener">LP folgt am 16. Oktober</a>.
<h3 class="MsoNoSpacing">Morgan Freeman erz&auml;hlt 100 Jahre Bluesgeschichte</h3>
Wer dabei ein &uuml;berraschendes Gesangsdeb&uuml;t des Hollywood-Stars erwartet, wird allerdings entt&auml;uscht &ndash; oder vielleicht beruhigt. Freeman versteht sich bei dem Projekt vor allem als Produzent, Initiator und Erz&auml;hler. Seine unverwechselbare Stimme er&ouml;ffnet das Album zu Blind Willie Johnsons &bdquo;Dark Was the Night, Cold Was the Ground&ldquo;; die musikalische Hauptrolle &uuml;berl&auml;sst er einigen der profiliertesten Bluesmusikerinnen und -musiker der Gegenwart.
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Die zw&ouml;lf St&uuml;cke schlagen einen gro&szlig;en historischen Bogen: von Blind Willie Johnson und Robert Johnson &uuml;ber Son House, Elmore James und B.B. King bis zu &bdquo;I Lied To You&ldquo; aus dem Soundtrack von &bdquo;Sinners&ldquo;. Klassiker werden dabei nicht museal konserviert, sondern mit neuen Arrangements in einen gr&ouml;&szlig;eren Klangraum versetzt.
Eine Schl&uuml;sselrolle &uuml;bernimmt dabei Martin Gellner. Als Music Director, Dirigent, Arrangeur und Produzent bringt er Bluesband und Orchester zusammen und verantwortet einen wesentlichen Teil der sinfonischen Gestaltung des Albums.
<h3 class="MsoNoSpacing">Taj Mahal, Keb&rsquo; Mo&rsquo; und Shemekia Copeland treffen auf ein au&szlig;ergew&ouml;hnliches Orchester</h3>
F&uuml;r das Projekt hat Freeman eine Besetzung zusammengebracht, die sich wie ein kleines Who&rsquo;s who des heutigen Blues liest. Taj Mahal &uuml;bernimmt Son Houses &bdquo;Death Letter Blues&ldquo;, Keb&rsquo; Mo&rsquo; widmet sich &bdquo;Cadillac Assembly Line&ldquo;, Alvin Youngblood Hart ist bei &bdquo;The Thrill Is Gone&ldquo; zu h&ouml;ren. Dazu kommen unter anderem Shemekia Copeland, James &bdquo;Super Chikan&ldquo; Johnson, Anthony &bdquo;Big A&ldquo; Sherrod, Keith Johnson, Adrienne &bdquo;Lady Adrena&ldquo; Ervin, Luther Dickinson, Tiernii Jackson und der Stax Music Academy Choir.
Viele der beteiligten Musikerinnen und Musiker stehen in direkter Verbindung zur lebendigen Bluesszene des Mississippi-Deltas. Eine wichtige Basis bildet die Ground Zero Blues Club Band. Freeman ist Mitgr&uuml;nder des Ground Zero Blues Club in Clarksdale &ndash; jenem Ort im Mississippi-Delta, der seit Jahrzehnten Bluesfans aus aller Welt anzieht.
Den entscheidenden klanglichen Kontrapunkt liefert das&nbsp;<a href="https://www.chineke.org/">Chineke! Orchestra</a>. Das 2015 von Chi-chi Nwanoku gegr&uuml;ndete Ensemble gilt als Europas erstes professionelles Orchester mit mehrheitlich Schwarzen und ethnisch diversen Musikerinnen und Musikern. Seine Parts f&uuml;r Freemans Projekt entstanden unter Gellners Leitung in den Abbey Road Studios in London, w&auml;hrend die Blues-Aufnahmen in Lawrence &bdquo;Boo&ldquo; Mitchells traditionsreichen Royal Studios in Memphis eingespielt wurden.
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<h3 class="MsoNoSpacing">Ein Bluesprojekt mit Verbindung nach Mumbai</h3>
Hinter &bdquo;Morgan Freeman&rsquo;s Symphonic Blues Experience&ldquo; steht allerdings ein deutlich gr&ouml;&szlig;eres internationales Team, als es beim ersten H&ouml;ren vielleicht den Anschein hat. Zu den Produzenten geh&ouml;ren auch V.G. Jairam, V.G. Jaishankar und Neale Murray von Hyperlink Brand Solutions. Alle drei verbindet seit Jahren eine besondere Beziehung zum Blues: Sie sind eng mit dem Mahindra Blues Festival in Mumbai verbunden, einem der wichtigsten Bluesfestivals Asiens.
Ihre Beteiligung f&uuml;gt der ohnehin ungew&ouml;hnlichen Geografie des Albums eine weitere Station hinzu. Ein Projekt, dessen musikalisches Herz im Mississippi-Delta schl&auml;gt, dessen Orchester in London aufgenommen wurde und dessen Produktion bis nach Indien reicht, zeigt nebenbei, wie weit die urspr&uuml;nglich regionale Musik des amerikanischen S&uuml;dens l&auml;ngst in die Welt ausgestrahlt hat.
<h3 class="MsoNoSpacing">Vom Mississippi-Delta zur Abbey Road</h3>
Gerade diese Verbindungen machen die Idee hinter &bdquo;Morgan Freeman&rsquo;s Symphonic Blues Experience&ldquo; interessant. Hier soll der Blues nicht durch ein Sinfonieorchester &bdquo;veredelt&ldquo; werden. Vielmehr treffen zwei Klangwelten aufeinander, wobei die Geschichte und Ausdruckskraft des Blues das Zentrum bilden.
F&uuml;r Freeman ist diese Geschichte untrennbar mit der afroamerikanischen Erfahrung verbunden. Der Blues, sagt er, wurzele in Geschichten, die von Westafrika in den amerikanischen S&uuml;den getragen wurden, und sei zum Zeugnis eines ungebrochenen menschlichen Geistes geworden. Entsprechend versteht er das Album nicht allein als musikalisches Projekt, sondern auch als Erinnerung an die Menschen und Lebenswelten, aus denen diese Musik hervorgegangen ist.
Dass es dabei nicht nur bei einer symbolischen W&uuml;rdigung bleiben soll, zeigt die Ground Zero Arts Foundation, die Freeman mitgegr&uuml;ndet hat. Sie widmet sich dem Erhalt des Blues in Mississippi und unterst&uuml;tzt Musikerinnen und Musiker vor Ort &ndash; unter anderem mit wirtschaftlicher Hilfe, Gesundheitsangeboten und weiteren&nbsp;Unterst&uuml;tzungsleistungen. Die Erl&ouml;se aus &bdquo;Morgan Freeman&rsquo;s Symphonic Blues Experience&ldquo; sollen vollst&auml;ndig der Foundation zugutekommen und damit in jene Community zur&uuml;ckflie&szlig;en, aus der das Projekt seine Inspiration bezieht.

Guru: „Jazzmatazz Volume 1“ – der Klassiker zwischen Jazz und Hip-Hop erscheint auf grünem Vinyl

Als Guru 1993 sein erstes &bdquo;Jazzmatazz&ldquo;-Album ver&ouml;ffentlichte, brachte er zwei musikalische Welten zusammen. Mehr als drei Jahrzehnte sp&auml;ter hat es nichts von seiner Faszination verloren und erscheint als limitierte gr&uuml;ne LP.

&nbsp;&bdquo;Jazzmatazz Volume 1&ldquo; als limitierte gr&uuml;ne LP ist in Deutschland exklusiv im <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/guru-jazzmatazz-volume-1-121414" target="_blank" rel="noopener">JazzEcho-Store</a> und bei <a href="https://www.jpc.de/jpcng/jazz/detail/-/art/guru-jazzmatazz-volume-1/hnum/12895069" target="_blank" rel="noopener">JPC</a> erh&auml;ltlich.
<h3>Guru und &bdquo;Jazzmatazz&ldquo;: Als Jazz und Hip-Hop gemeinsam ins Studio gingen</h3>
Jazz und Hip-Hop verbindet eine lange gemeinsame Geschichte. Hip-Hop-Produzenten hatten bereits fr&uuml;h die Archive des Jazz als schier unersch&ouml;pfliche Quelle f&uuml;r Breaks, Basslinien und Bl&auml;serfiguren entdeckt. Auch Musiker wie Herbie Hancock suchten in den 1980er-Jahren aktiv die Begegnung mit der neuen Kultur aus New York. Doch Anfang der 1990er-Jahre ging Guru mit &bdquo;Jazzmatazz&ldquo; einen entscheidenden Schritt weiter.&nbsp;Seine Idee war ebenso einfach wie ambitioniert: Warum ausschlie&szlig;lich Jazzplatten samplen, wenn man die Musiker, deren Klang den Hip-Hop inspirierte, auch direkt ins Studio holen konnte?
Auf <a href="https://www.jazzecho.de/various-artists-jazz/diskografie/guru-jazzmatazz-volume-1-ltd-ed-green-vinyl-1295662" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Jazzmatazz Volume 1&ldquo;</a> traf Rap deshalb auf live eingespielten Jazz. Guru versammelte daf&uuml;r Musiker verschiedener Generationen und Szenen &ndash; darunter Trompeter Donald Byrd, Vibrafonist Roy Ayers, Keyboarder Lonnie Liston Smith, Saxofonist Branford Marsalis und Gitarrist Ronny Jordan. Hinzu kamen K&uuml;nstler wie Courtney Pine, S&auml;ngerin N&rsquo;Dea Davenport von den Brand New Heavies und der franz&ouml;sische Rapper MC Solaar.
AllMusic beschreibt das 1993 ver&ouml;ffentlichte Album entsprechend als einen entscheidenden Moment, in dem die Idee, Rap mit tats&auml;chlich live gespieltem Jazz zu verbinden, konsequent verwirklicht wurde. Das Album entstand unter anderem in den D&amp;D Studios in New York und den Abbey Road Studios in London.
<h3>Von Gang Starr zu &bdquo;Jazzmatazz&ldquo;: Guru als musikalischer Grenzg&auml;nger</h3>
Guru, mit b&uuml;rgerlichem Namen Keith Elam, war zu diesem Zeitpunkt l&auml;ngst kein Newcomer mehr. Gemeinsam mit DJ Premier hatte er als Gang Starr eine der pr&auml;gendsten Formationen des Hip-Hop der sp&auml;ten 1980er- und fr&uuml;hen 1990er-Jahre etabliert. Alben wie &bdquo;No More Mr. Nice Guy&ldquo; (1989), &bdquo;Step in the Arena&ldquo; (1991) und &bdquo;Daily Operation&ldquo; (1992) gingen &bdquo;Jazzmatazz&ldquo; voraus.
Schon bei Gang Starr war die N&auml;he zum Jazz un&uuml;berh&ouml;rbar. Besonders deutlich wurde sie bei &bdquo;Jazz Thing&ldquo;, dem Beitrag von Gang Starr zum Soundtrack von Spike Lees &bdquo;Mo&rsquo; Better Blues&ldquo;, bei dem bereits Branford Marsalis mitwirkte. Auf &bdquo;Jazzmatazz&ldquo; machte Guru diese Verbindung schlie&szlig;lich zum Mittelpunkt eines ganzen Albums.
Dabei verstand er sich nicht einfach als Rapper vor einer Jazzband. Guru wurde zum Gastgeber und Kurator, der unterschiedliche Generationen und musikalische Sprachen miteinander ins Gespr&auml;ch brachte. Sein charakteristisch zur&uuml;ckgenommener Flow lie&szlig; den G&auml;sten Raum &ndash; und hielt die unterschiedlichen Stimmen des Albums zugleich zusammen.
<h3>Donald Byrd, Roy Ayers und Branford Marsalis: Die G&auml;ste von &bdquo;Jazzmatazz Volume 1&ldquo;</h3>
Gerade die G&auml;steliste zeigt, wie gro&szlig; Guru 1993 dachte. Donald Byrd geh&ouml;rte zu den bedeutenden Trompetern des modernen Jazz und hatte sich l&auml;ngst auch Funk und Soul ge&ouml;ffnet. Roy Ayers wiederum war mit seinem Vibrafon und seinen souligen Grooves selbst zu einer wichtigen Inspirationsquelle f&uuml;r Generationen von Hip-Hop-Produzenten geworden. Lonnie Liston Smith brachte seine kosmisch-elektrische Jazzsprache ein, w&auml;hrend Branford Marsalis f&uuml;r eine j&uuml;ngere Jazzgeneration stand.
Guru stellte diese Musiker nicht blo&szlig; als prestigetr&auml;chtige G&auml;ste ins Schaufenster. Ihre musikalischen Pers&ouml;nlichkeiten pr&auml;gen die St&uuml;cke. Donald Byrd ist auf &bdquo;Loungin&rsquo;&ldquo; zu h&ouml;ren, Roy Ayers auf &bdquo;Take A Look (At Yourself)&ldquo;, w&auml;hrend Branford Marsalis bei &bdquo;Transit Ride&ldquo; mitwirkt. Ronny Jordan setzt auf &bdquo;No Time To Play&ldquo; markante Gitarrenakzente, und MC Solaar macht &bdquo;Le Bien, Le Mal&ldquo; zu einer transatlantischen Begegnung zwischen US-Hip-Hop, Jazz und franz&ouml;sischem Rap.
<h3>Warum &bdquo;Jazzmatazz Volume 1&ldquo; bis heute wichtig ist</h3>
Als &bdquo;Jazzmatazz Volume 1&ldquo; am 18. Mai 1993 erschien, existierte Jazz-Rap nat&uuml;rlich bereits. Gruppen wie A Tribe Called Quest, De La Soul oder Gang Starr selbst hatten Jazz-Samples l&auml;ngst zu einem wesentlichen Bestandteil ihrer Klangsprache gemacht. Gurus Ansatz unterschied sich jedoch in einem entscheidenden Punkt: Er wollte nicht nur mit der Vergangenheit des Jazz auf Schallplatte, sondern mit Jazzmusikern in der Gegenwart arbeiten.&nbsp;Damit machte das Album h&ouml;rbar, wie viel Jazz und Hip-Hop ohnehin miteinander teilen: Rhythmusgef&uuml;hl, Improvisation, individuelle Sprache und die Kunst, auf einer vorhandenen Struktur etwas Eigenes entstehen zu lassen.
Dass die Idee mehr als ein einmaliges Experiment war, zeigte Guru in den folgenden Jahren. 1995 erschien &bdquo;Jazzmatazz, Vol. 2: The New Reality&ldquo;, 2000 folgte &bdquo;Streetsoul&ldquo;. F&uuml;r den dritten Teil arbeitete Guru unter anderem mit Herbie Hancock, Isaac Hayes, The Roots, Erykah Badu und Macy Gray zusammen. Sp&auml;ter f&uuml;hrte er die Reihe mit &bdquo;Jazzmatazz Vol. 4&ldquo; fort.
<h3>&bdquo;Jazzmatazz Volume 1&ldquo; 2026: Limitiertes gr&uuml;nes Vinyl</h3>
Nun kehrt Gurus wegweisendes Solo-Deb&uuml;t auf LP zur&uuml;ck. &bdquo;Jazzmatazz Volume 1&ldquo; erscheint als limitierte Edition auf gr&uuml;nem 140-Gramm-Vinyl. In Deutschland ist diese Ausgabe exklusiv im&nbsp;<a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/guru-jazzmatazz-volume-1-121414" target="_blank" rel="noopener">JazzEcho-Store</a> und bei <a href="https://www.jpc.de/jpcng/jazz/detail/-/art/guru-jazzmatazz-volume-1/hnum/12895069" target="_blank" rel="noopener">JPC</a> erh&auml;ltlich.
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Blue Note Tone Poet Serie: Die hohe Kunst des Klavier-Trios

&bdquo;The Art of the Trio&ldquo; versammelt erstmals auf audiophiler LP Aufnahmen, die Pianist Sonny Clark 1957 und 1958 mit drei verschiedenen Trio-Besetzungen f&uuml;r Blue Note eingespielt hat.

Die audiophile <a href="https://www.jazzecho.de/blue-note-tone-poet-series/diskografie" target="_blank" rel="noopener">BLUE NOTE TONE POET SERIE</a> wurde im Jahr 2019 anl&auml;sslich des 80-j&auml;hrigen Jubil&auml;ums von Blue Note Records ins Leben gerufen und zeichnet sich durch einen kompromisslosen Qualit&auml;tsanspruch aus. Das Mastering erfolgt komplett analog von den originalen Erste-Generation-Masterb&auml;ndern. Kuratiert und produziert wird die Reihe von Joe Harley (Mitbegr&uuml;nder von Music Matters, bekannt als &bdquo;Tone Poet&ldquo;). Das Mastering &uuml;bernimmt Kevin Gray bei Cohearent Audio. Die LPs werden als 180g-Vinyl bei Record Technology Incorporated (RTI) in den USA gepresst. Die Alben kommen in laminierten Tip-On-Gatefold-Sleeves von Stoughton Printing, oft erg&auml;nzt durch unver&ouml;ffentlichte Session-Fotos, sowie in wattierten Innenh&uuml;llen. Im Fokus der Reihe stehen nicht nur bekannte Meilensteine, sondern auch untersch&auml;tzte Klassiker, Vinyl-Premieren historischer Sessions sowie Alben von Partner-Labels wie Pacific Jazz oder Capitol Records.
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<a href="https://www.bluenote.com/artist/sonny-clark/" target="_blank" rel="noopener">Sonny Clark</a> (1931&ndash;1963) galt als Inbegriff des Hard-Bop-Pianisten. Der mit ihm befreundete Bill Evans, der sich zur selben Zeit wie Clark einen Namen in der New Yorker Szene zu machen begann, bewunderte vor allem seinen modernen und &auml;u&szlig;erst raffinierten Swing, seine feine Anschlagskultur und sein elegantes Spiel. Als Clark im Januar 1963 im Alter von nur 31 Jahren verstarb, widmete ihm Evans das St&uuml;ck &bdquo;NYC&rsquo;s No Lark&ldquo; (ein Anagramm von &bdquo;Sonny Clark&ldquo;), das er wenige Monate sp&auml;ter f&uuml;r sein Album &bdquo;Conversations with Myself&ldquo; einspielte. 
Ab 1957 nahm Sonny Clark f&uuml;r Blue Note Records nicht nur neun Alben unter eigenem Namen auf, sondern begleitete auch zahlreiche Blue-Note-Gr&ouml;&szlig;en wie Dexter Gordon, Grant Green, Jackie McLean, Lee Morgan, Hank Mobley, Curtis Fuller, Lou Donaldson und Stanley Turrentine. Das im Oktober 1957 aufgenommene Album <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/sonny-clark-trio-sonny-clark-trio" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Sonny Clark Trio&ldquo;</a> stach aus zweierlei Gr&uuml;nden aus Clarks Blue-Note-Diskografie heraus. Einerseits pr&auml;sentierte er sich nicht wie auf seinen anderen Alben mit einem Quintett oder Sextett, sondern im Trio mit dem Bassisten Paul Chambers und dem Schlagzeuger Philly Joe Jones. Andererseits spielte er darauf keine Eigenkompositionen, sondern interpretierte auf subtile Weise erstmals ausschlie&szlig;lich Standards aus dem Great American Songbook und Werke f&uuml;hrender Jazzkomponisten jener Zeit. 
Das im Mai 1958 ver&ouml;ffentlichte Album kam bei den Fans und Kritikern so gut an, dass Clark noch im selben Jahr mit zwei anderen Trio-Besetzungen in Rudy Van Gelders Studio in Hackensack zur&uuml;ckkehrte: Im November 1958 mit dem Bassisten Jymie Merritt und dem Schlagzeuger Wes Landers, im Dezember 1958 wiederum mit Paul Chambers am Bass und erneut Wes Landers am Schlagzeug. Bei Blue Note wanderten diese Aufnahmen aus unerfindlichen Gr&uuml;nden ins Archiv und wurden erst lange nach Clarks Tod ver&ouml;ffentlicht &ndash; und das zun&auml;chst auch nur in Japan. Nun erscheinen sie unter dem Titel <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/sonny-clark/products/sonny-clark-the-art-of-the-trio-120175" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;The Art of the Trio&ldquo;</a> zusammen mit alternativen Takes des Albums &bdquo;Sonny Clark Trio&ldquo; auf einer Doppel-LP in der audiophilen Blue Note Tone Poet Serie. Die Ver&ouml;ffentlichung kommt wie immer in einer luxuri&ouml;sen Tip-On-Gatefold-H&uuml;lle daher und enth&auml;lt ein Booklet mit neuen Liner Notes von Syd Schwartz, den Original-CD-Liner Notes von Ben Sidran und Bob Porter sowie bisher unver&ouml;ffentlichten Fotos von Francis Wolff.

Seth MacFarlane singt die Muppets: Puppen-Klassiker im Big-Band-Sound

Von der &bdquo;Sesamstra&szlig;e&ldquo; &uuml;ber die &bdquo;Muppet Show&ldquo; bis zu Kermit dem Frosch: Seth MacFarlane widmet sein jetzt erschienenes Album einem Repertoire, das wohl nur wenige spontan mit Vocal Jazz in Verbindung bringen w&uuml;rden.

Dass <a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Seth_MacFarlane" target="_blank" rel="noopener">Seth MacFarlane</a> eine besondere Schw&auml;che f&uuml;r klassischen Vocal Jazz und das Great American Songbook besitzt, ist l&auml;ngst kein Geheimnis mehr. Auf zahlreichen Alben hat der f&uuml;nffach Grammy-nominierte S&auml;nger seine zweite Karriere abseits von Film und Fernsehen konsequent ausgebaut. F&uuml;r sein neues Projekt verbindet er diese Leidenschaft nun mit einer weiteren musikalischen Erinnerung aus seiner Jugend: den Songs von Jim Hensons Muppets.
<a href="https://www.jazzecho.de/seth-macfarlane/diskografie/seth-macfarlane-sings-the-muppets-cd-1295380" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Seth MacFarlane Sings The Muppets&ldquo;</a> versammelt Musik aus der &bdquo;Sesamstra&szlig;e&ldquo;, der &bdquo;Muppet Show&ldquo; und den klassischen Muppet-Kinofilmen &ndash; allerdings in einem Klanggewand, das eher an die gro&szlig;en amerikanischen Studioorchester der 1940er- und 1950er-Jahre erinnert.
Das Album ist ab sofort digital und als CD erh&auml;ltlich, als LP erscheint es am 16. Oktober und kann <a href="https://www.jazzecho.de/seth-macfarlane/diskografie/seth-macfarlane-sings-the-muppets-lp-1295381" target="_blank" rel="noopener">bereits vorbestellt werden</a>.
<h3 class="MsoNoSpacing">Von Kermit bis Sinatra: &bdquo;Bein&rsquo; Green&ldquo; als Vocal-Jazz-Ballade</h3>
Einen Vorgeschmack lieferte bereits &bdquo;Bein&rsquo; Green&ldquo;, Kermits ber&uuml;hmte Hymne aus der Feder von Joe Raposo. Urspr&uuml;nglich von Jim Henson als Kermit in der &bdquo;Sesamstra&szlig;e&ldquo; gesungen und sp&auml;ter auch in der &bdquo;Muppet Show&ldquo; zu h&ouml;ren, entwickelte sich das St&uuml;ck zu einem der bekanntesten Songs aus Hensons musikalischem Kosmos.
Dass MacFarlane darin Jazzstandard-Potenzial erkennt, ist keineswegs abwegig. &bdquo;Bein&rsquo; Green&ldquo; wurde im Laufe der Jahrzehnte unter anderem von Ray Charles, Frank Sinatra, Van Morrison und Till Br&ouml;nner interpretiert. MacFarlanes Version kn&uuml;pft nun bewusst an die Tradition des klassischen orchestralen Vocal Jazz an.
Dahinter steckt eine grunds&auml;tzliche Idee: F&uuml;r MacFarlane haben zahlreiche Muppet-Kompositionen l&auml;ngst den Rang von Standards erreicht. W&auml;hrend Broadway- und Filmsongs in fr&uuml;heren Jahrzehnten regelm&auml;&szlig;ig von Jazz- und Pops&auml;ngern aufgegriffen wurden, verschwand diese Tradition mit den Umbr&uuml;chen der Musikindustrie in den sp&auml;ten 1960er- und 1970er-Jahren zunehmend. Gute Songs, so MacFarlanes &Uuml;berzeugung, wurden jedoch weiterhin geschrieben &ndash; nicht zuletzt f&uuml;r die Muppets.
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<h3 class="MsoNoSpacing">&bdquo;Seth MacFarlane Sings The Muppets&ldquo;: 14 Songs von Jim Hensons Figuren</h3>
Der Gro&szlig;teil der 14 St&uuml;cke stammt aus den ersten drei Muppet-Kinofilmen &bdquo;The Muppet Movie&ldquo;, &bdquo;The Great Muppet Caper&ldquo; und &bdquo;The Muppets Take Manhattan&ldquo;. Hinzu kommen Favoriten aus der &bdquo;Sesamstra&szlig;e&ldquo; und der &bdquo;Muppet Show&ldquo;. Das musikalische Spektrum reicht von Balladen und Walzern bis zu gro&szlig;en Broadway-Nummern. Vertreten sind Kompositionen von Autoren wie Joe Raposo, Paul Williams und Jeff Moss, deren Melodien MacFarlane und Arrangeur Andrew Cottee nicht grundlegend ver&auml;ndern, sondern in eine andere musikalische Epoche versetzen.
MacFarlane und Cottee verbindet dabei auch eine gemeinsame Erinnerung: Beide wuchsen mit diesen Songs auf. Ihre Idee sei gewesen, sich vorzustellen, wie das Material geklungen haben k&ouml;nnte, wenn Arrangeure wie Nelson Riddle oder Billy May es w&auml;hrend der gro&szlig;en &Auml;ra des orchestralen Vocal Jazz bearbeitet h&auml;tten.
<h3 class="MsoNoSpacing">Andrew Cottee arrangiert die Muppets f&uuml;r gro&szlig;es Orchester</h3>
F&uuml;r die Umsetzung arbeitete MacFarlane erneut mit Andrew Cottee zusammen. Seine Arrangements orientieren sich an der Klangsprache der gro&szlig;en Hollywood-Studioorchester der 1940er- und 1950er-Jahre, sollen dabei aber den Charakter der Originalkompositionen bewahren.
Aufgenommen wurde entsprechend gro&szlig;: F&uuml;r das Album kam ein Orchester aus Musikerinnen und Musikern aus London und Los Angeles zusammen. Die Sessions fanden in der Skywalker Ranch statt. Produzent war der Komponist Joel McNeely, am Dirigentenpult stand John Wilson, f&uuml;r den Sound zeichnete Toningenieur Rich Breen verantwortlich.
<h3 class="MsoNoSpacing">Seth MacFarlane bleibt dem Great American Songbook treu</h3>
Musikalisch setzt &bdquo;Seth MacFarlane Sings The Muppets&ldquo; MacFarlanes bisherige Arbeit als S&auml;nger fort. Neben seiner Karriere als Autor, Produzent, Regisseur und Schauspieler &ndash; unter anderem als Sch&ouml;pfer von &bdquo;Family Guy&ldquo; und Co-Sch&ouml;pfer von &bdquo;American Dad!&ldquo; &ndash; besch&auml;ftigt er sich seit Jahren intensiv mit dem Great American Songbook und der Tradition gro&szlig;er amerikanischer Entertainer. Zuletzt erschien <a href="https://www.jazzecho.de/seth-macfarlane/diskografie/lush-life-the-lost-sinatra-arrangements-1172531">&bdquo;Lush Life: The Lost Sinatra Arrangements&ldquo;</a>, f&uuml;r das MacFarlane zw&ouml;lf zuvor nicht ver&ouml;ffentlichte Frank-Sinatra-Arrangements von Nelson Riddle, Billy May und Don Costa aufnahm.
Nun f&uuml;hrt ihn der Weg von Sinatra zu Kermit. So ungew&ouml;hnlich diese Verbindung zun&auml;chst erscheinen mag, f&uuml;r MacFarlane liegt genau darin der Reiz von &bdquo;Seth MacFarlane Sings The Muppets&ldquo;: Die Melodien von Hensons Figuren werden nicht ironisch gebrochen, sondern mit derselben musikalischen Sorgfalt behandelt wie die Klassiker des Great American Songbook.

Nicht immer nur cozy: aron! veröffentlicht Debütalbum „Too Close For Running”

Mit warmen Melodien, jazzigen Harmonien und einem Faible f&uuml;r Romantik hat sich aron! seinen eigenen Sound geschaffen. Jetzt erscheint sein Deb&uuml;talbum &ndash; eine Coming-of-Age-Geschichte zwischen Verliebtsein, Erwachsenwerden und Neuanfang in New York.

Von John Mayer gab es bereits prominentes Lob. In seiner SiriusXM-Sendung "Life with John Mayer" hob der Gitarrist und Songwriter aron!s Gesp&uuml;r f&uuml;r anspruchsvolle Harmonik hervor: Es sei sch&ouml;n, Musik von jemandem zu h&ouml;ren, der nicht nur viele Akkorde kenne, sondern auch wisse, wie man sie im richtigen Moment in einem Song einsetze.
Was Mayer damit meint, l&auml;sst sich auf <a href="https://www.jazzecho.de/aron/diskografie" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Too Close For Running&ldquo;</a> nun in Albuml&auml;nge h&ouml;ren. Auf zw&ouml;lf Tracks verbindet <a href="https://www.jazzecho.de/aron" target="_blank" rel="noopener">aron!</a> Jazz-Harmonien und Einfl&uuml;sse aus klassischem Songwriting mit eing&auml;ngigem Indie-Pop, warmen Gitarren und bewusst unaufgeregten Arrangements. Der S&auml;nger, Songwriter und Multiinstrumentalist bezeichnet diesen Stil selbst als &bdquo;Cozy-Pop&ldquo;.
<h3 class="MsoNoSpacing" style="text-align: left;">Von den Fans lang erwartet: das Deb&uuml;talbum von aron!</h3>
Das Deb&uuml;t ist zugleich eine musikalische Coming-of-Age-Geschichte. aron! verarbeitet darin seine College-Zeit, den Umzug nach New York, um dort eine Musikkarriere zu verfolgen, das Verlieben und die Suche nach dem eigenen Platz im Leben. War seine EP <a href="https://www.jazzecho.de/aron/diskografie/cozy-you-and-other-nice-songs-ep-1154669" target="_blank" rel="noopener">"cozy you (and other nice songs)"</a> noch st&auml;rker von einer vertr&auml;umten Fantasiewelt gepr&auml;gt, richtet sich der Blick diesmal auf tats&auml;chlich Erlebtes.
Der Albumtitel beschreibt dabei einen entscheidenden Moment in einer Beziehung: den Punkt, an dem zwei Menschen einander bereits so nahegekommen sind, dass Weglaufen eigentlich keine Option mehr ist. Genau von dieser N&auml;he &ndash; und den sch&ouml;nen wie komplizierten Seiten, die mit ihr einhergehen &ndash; erz&auml;hlen die neuen Songs.
<h3 class="MsoNoSpacing" style="text-align: left;">&bdquo;Tandem Bike&ldquo;: Verliebtsein auf zwei R&auml;dern</h3>
Zeitgleich mit dem Album erscheint das Musikvideo zum Song &bdquo;Tandem Bike&ldquo;. Der f&auml;ngt jene fr&uuml;he Phase einer Beziehung ein, in der pl&ouml;tzlich alles m&ouml;glich erscheint. Doch aron! bel&auml;sst es auf dem Album nicht bei romantischer Idealisierung. Gerade die vermeintlich unspektakul&auml;ren Details seien schlie&szlig;lich oft das, was eine Beziehung tats&auml;chlich ausmache, erkl&auml;rt der Musiker.
Schon die vorab ver&ouml;ffentlichten Singles zeigten die unterschiedlichen Facetten des Albums.&nbsp;F&uuml;r <a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/3anPrKr8RIkirBiEt9ljLu?si=qlKrXlldR3-8ZIRpowgSWw" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Call When You Can&ldquo;</a> holte sich aron! die britische Singer-Songwriterin dodie ins Studio, die f&uuml;r ihn schon seit langem eine musikalische Inspiration ist.&nbsp;Jazzige Farben treffen hier auf unmittelbar zug&auml;ngliches Pop-Songwriting und eine Geschichte &uuml;ber N&auml;he trotz Entfernung und Ablenkungen.
<a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/1nK1WPgFCJmY258Q0cfKe3?si=70qRKi-xRh6_NM42PZtSsQ" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Not For A Lack Of Trying&ldquo;</a> schl&auml;gt eine luftig-romantische Richtung ein, w&auml;hrend <a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/7uLkCFhxXT6373P8pulfLC?si=TaK1EAYFRMuGekENQBkhoQ" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Shiny Stockings&ldquo;</a> die Idee zeitloser Liebe aufgreift. F&uuml;r <a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/2fzrBj31NWHaEjODwESbKy?si=QAOSdXkpSpSM4L30r9uTnA" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Macram&eacute;&ldquo;</a> arbeitete aron! mit der Indie-Pop- und Jazz-Musikerin Mei Semones zusammen und verbindet Indie-Rock mit jazzgepr&auml;gter Gitarrenarbeit. Auch <a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/4AqjAlTpQzooXdJXY7G4Px?si=SKBGlvbmQUuLCs_qhyGCnQ" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Wonderful Thing&ldquo;</a>, jener Song, der John Mayer aufhorchen lie&szlig;, geh&ouml;rt zum Album. Darin geht es um die Angst davor, sich zu verlieben &ndash; und darum, dass es trotzdem passiert.
<h3 class="MsoNoSpacing" style="text-align: left;">Von Chopin und Bach zu Jazz und Indie-Pop</h3>
Dass aron! harmonisch aus dem Vollen sch&ouml;pft, kommt nicht von ungef&auml;hr. Aufgewachsen in Charlotte, North Carolina, begegnete er &uuml;ber seine Eltern zun&auml;chst Rockbands wie Pearl Jam und Led Zeppelin und begann bereits mit acht Jahren Gitarre zu spielen. Sp&auml;ter studierte er klassische Komposition an der University of North Carolina School of the Arts und besch&auml;ftigte sich intensiv mit Komponisten wie Chopin, Ravel und Bach.
W&auml;hrend der Pandemie nahm er sich schlie&szlig;lich das Klavier vor und widmete sich t&auml;glich dem Instrument. Ein Vollstipendium f&uuml;hrte ihn anschlie&szlig;end an die University of Miami, wo er Jazzgesang und Filmmusik studierte.
Ab 2023 begann aron!, mit einem von ihm als &bdquo;Vintage Pop&ldquo; bezeichneten Sound online ein gr&ouml;&szlig;eres Publikum zu erreichen. Schlie&szlig;lich unterschrieb er beim traditionsreichen Jazzlabel Verve Records, wo 2025 seine EP "cozy you (and other nice songs)" erschien.
Die Verbindung von Vergangenheit und Gegenwart ist dabei programmatisch: aron! f&uuml;hlt sich nach eigener Aussage den Romantikern alter Schule verbunden, nicht aus reiner Nostalgie, sondern weil sich die gro&szlig;en Themen von Popsongs kaum ver&auml;ndert h&auml;tten.&nbsp;Herzschmerz bleibe Herzschmerz und Liebe bleibe Liebe.
Auf &bdquo;Too Close For Running&ldquo; &uuml;bersetzt er diese Haltung nun in einen zeitgen&ouml;ssischen Jazz-Pop-Sound: harmonisch ambitioniert, melodisch unmittelbar und mit einer W&auml;rme, die erkl&auml;rt, warum aron! seine Musik ausgerechnet &bdquo;Cozy-Pop&ldquo; nennt. Exklusiv im JazzEcho-Store findet man die LP und CD mit <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/aron" target="_blank" rel="noopener">von aron! handsignierter Art Card</a>!&nbsp; &nbsp;

Visionär und von Anfang bis Ende fesselnd!

Mit dem Album "Illusion Suite" gelang dem Trio um Stanley Cowell (Piano), Stanley Clarke (Bass) und Jimmy Hopps (Drums) 1973 ein absoluter Geniestreich. Nun wird dieses Juwel von ECM Records in der Serie "Luminessence" auf Vinyl wiederver&ouml;ffentlicht.

In Stanley Cowells "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/illusion-suite-luminessence-series-lp-1295332" target="_blank" rel="noopener">Illusion Suite</a>" kommen die "Reize auf leisen F&uuml;&szlig;en" daher, wie es das US-amerikanische Jazzmagazin DownBeat 1974 in seiner Rezension des Albums formulierte. "Sie schleichen sich an einen heran und treffen auf subtile Weise ins Ohr. Immer wieder springen pl&ouml;tzlich Dinge hervor, die man zuvor nicht wahrgenommen hatte. Dieses Album pr&auml;sentiert Stanley Cowells frischen pianistischen Ansatz auf direkteste und pr&auml;ziseste Weise." Auf dem im November 1972 in New York entstandenen Album &ndash; Cowells einziger Aufnahme f&uuml;r ECM Records &ndash; ist der Pianist, der hier neben dem akustischen Instrument auch E-Piano und das afrikanische Daumenpiano Mbira spielt sowie Effektger&auml;te verwendet, im traumhaften Zusammenspiel mit Stanley Clarke (akustischer und elektrischer Bass) und Jimmy Hopps (Schlagzeug) zu h&ouml;ren. Clarke hatte sein ECM-Deb&uuml;t im Februar 1972 gegeben, als er den Pianisten Chick Corea bei der Einspielung des bahnbrechenden Albums "<a href="https://www.jazzecho.de/chickcorea/diskografie/return-to-forever-162106" target="_blank" rel="noopener">Return to Forever</a>" begleitete. 
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Auf "Illusion Suite" spinnen die Musiker gemeinsam ein weitreichendes, idiomatisches Netz, das Cowells kompositorische Vision in den Vordergrund stellt. Die Improvisation dient dabei sowohl der Erkundung als auch der Gestaltung einer unverwechselbaren Identit&auml;t &ndash; etwas, das Cowell vor dieser Session noch nie mit solcher Klarheit umgesetzt hatte. Verbl&uuml;ffend ist, wie das Trio in St&uuml;cken wie "Ibn Mukhtarr Mustapha&rdquo; und "Miss Viki&rdquo; eine Blaupause f&uuml;r die sp&auml;teren, weitaus bekannteren Fusion-Experimente von Coreas Band Return to Forever und Herbie Hancocks Headhunters zu liefern scheint. In seinem Begleittext zur Vinyl-Neuauflage dieses Albums in der&nbsp;"Luminessence"-Serie bemerkt der Pianist und Autor Ethan Iverson, wie "Cowell von einer Idee zur n&auml;chsten springt und sich mit Begeisterung an verschiedene Genres wagt", und&nbsp;bezeichnet das Album als "einen furchtlosen und experimentellen Streifzug, der eine Vielzahl von Facetten umfasst". In einer aktuellen Besprechung des Albums in den UK Jazz News &uuml;berschl&auml;gt sich der Kritiker Phil Johnson vor lauter (und berechtigter) Begeisterung und kommt zu dem Schluss: "Das ist ein umwerfend gutes Album aus l&auml;ngst vergangenen Zeiten, und Stanley Cowell, der 2020 im Alter von 79 Jahren verstorben ist, war ganz offensichtlich ein Genie." Dem ist kaum noch etwas hinzuzuf&uuml;gen.

Enzo Favata: In Klänge gewandeter magischer Realismus

Auf "Ritornare", seinem Deb&uuml;talbum f&uuml;r ECM Records, schl&auml;gt der Saxofonist und Klarinettist Enzo Favata mit seinem 1999 gegr&uuml;ndeten Quintett Atlantico eine musikalische Br&uuml;cke zwischen seiner Heimat Sardinien und der italienischen Diaspora in S&uuml;damerika.&nbsp;

Mit seinem Quintett Atlantico erkundet der sardische Saxofonist und Klarinettist Enzo Favata einen musikalischen Raum, in dem seine mediterranen Wurzeln mit lateinamerikanischen Ankl&auml;ngen, afrikanischen Einfl&uuml;ssen, der Improvisation des Jazz und einer kammermusikalischen Dynamik verschmelzen. Wenngleich die Musik des Ensembles einer klaren k&uuml;nstlerischen Ausrichtung folgt, ist sie doch niemals vorhersehbar. Nun legt Enzo Favata, der in der Vergangenheit bereits mit ECM-Gr&ouml;&szlig;en wie Enrico Rava, Dino Saluzzi, Miroslav Vitou&scaron; und dem Art Ensemble of Chicago zusammenarbeitete, mit "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/ritornare-1295256" target="_blank" rel="noopener">Ritornare</a>" sein erstes Album bei ECM Records vor. Gemeinsam mit seinen langj&auml;hrigen Mitstreitern &ndash; dem Gitarristen Marcello Peghin, dem Bandoneonisten Daniel Di Bonaventura, dem Kontrabassisten Salvatore Maltana und dem Schlagzeuger UT Gandhi, der am 10. August im Alter von 66 Jahren &uuml;berraschend verstarb &ndash; erschafft er darauf eine faszinierende, farbenreiche akustische Klangwelt, die von den gemeinsamen Reisen der Protagonisten und ihrer Auseinandersetzung mit vielf&auml;ltigen Musikkulturen gepr&auml;gt ist.
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Der Name des Quintetts verweist auf die gro&szlig;en stilistischen, transatlantischen Br&uuml;cken, die die Musiker in ihren Kompositionen zwischen Sardinien &ndash; wo sie zu Hause sind &ndash; und S&uuml;damerika schlagen. In ihren Anfangsjahren zwischen 1999 und 2004 unternahm die Band mehrere ausgedehnte Tourneen durch den S&uuml;den des Kontinents. Seit Mitte des 19. Jahrhunderts hatten dort zahlreiche Emigranten aus dem Mezzogiorno eine neue Heimat gefunden und die Kultur der Region ma&szlig;geblich mitgepr&auml;gt. Von der Geschichte der Einwanderung der Italiener in S&uuml;damerika handelt auch die Musik des Quintetts Atlantico. "Einwanderung ist die Seele Italiens, die Seele Lateinamerikas&rdquo;, meint Favata. Als er im vergangenen Oktober mit dem Ensemble beim Baku Jazz Festival auftrat, schrieb Ian Patterson in seiner Konzertbesprechung f&uuml;r All About Jazz: "In Favatas Welt gilt &ndash; wie bei allen gro&szlig;artigen Gruppen &ndash; dass das Ganze mehr ist als die Summe seiner Teile." Dies trifft ganz sicher auch auf die Musik von "Ritornare" zu.
Ein kollektives kulturelles Ged&auml;chtnis verbindet Orte und Menschen, deren Wege sich rund um den Atlantik kreuzen, und schafft so eine neue Realit&auml;t. Der 1956 in Alghero auf Sardinien geborene Saxofonist und Klarinettist Enzo Favata ist seit langem von der F&uuml;lle der F&auml;den fasziniert, die dieses weitverzweigte Netz bilden. In seiner Musik entdeckt er die Orte, die er besucht hat, aus der Erinnerung wieder und kehrt ("ritornare&rdquo;) durch den Klang zu ihnen zur&uuml;ck. Es scheint, als h&auml;tte sich Favata das Motto zu eigen gemacht, das der kolumbianische Schriftsteller Gabriel Garc&iacute;a M&aacute;rquez 2002 seinen Memoiren voranstellte,: "Das Leben ist nicht das, was man gelebt hat, sondern das, woran man sich erinnert und wie man sich daran erinnert &ndash; um davon zu erz&auml;hlen."
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Wie seine gleichgesinnten Bandkollegen erkennt Favata den kulturellen Zusammenfluss in den Werken lateinamerikanischer Autoren wie Isabel Allende, Jorge Luis Borges oder Gabriel Garc&iacute;a M&aacute;rquez. Diese literarischen Referenzen sind f&uuml;r den Saxofonisten ebenso pr&auml;gend wie seine musikalischen Vorbilder. In seinen sanften akustischen Klanglandschaften strebt das Quintett Atlantico danach, Orte zu schaffen, die "zwischen Traum und Wirklichkeit schweben", wie Favata es beschreibt. Der magische Realismus pr&auml;gt den Geist der Gruppe ma&szlig;geblich.
Hier und jetzt, mehrere Jahrzehnte nachdem sie sich zum ersten Mal zusammengetan haben, schaffen Favata und seine Mitmusiker Dialoge innerhalb von Strukturen und Stimmungen, die beim ersten H&ouml;ren seltsam vertraut wirken und bei jedem weiteren H&ouml;ren immer mehr neue Details offenbaren. Der Zuh&ouml;rer wird langsam, aber stetig von dem entfernt, was er zu erkennen glaubte, und kehrt an einen unbekannten, doch beruhigenden Ort zur&uuml;ck. Und jedes Mal, wenn die Musiker versuchen, ihre Schritte zur&uuml;ckzuverfolgen, gelangen sie an einen neuen Ort und kehren dorthin zur&uuml;ck, wo sie noch nicht ganz gewesen sind.

Wenn Popsongs zu Standards werden

Meshell Ndegeocellos neues Album &bdquo;Synonym&ldquo; ist erschienen. Ein Blick auf ihre ungew&ouml;hnliche Kunst des Interpretierens, und auf eine Herangehensweise, die tief im Jazz verwurzelt ist.

Was macht einen guten Song aus? Vielleicht auch dies: dass er niemals ganz abgeschlossen ist. Dass eine Melodie, die Millionen Menschen im Ohr haben, Jahrzehnte sp&auml;ter noch einmal etwas anderes erz&auml;hlen kann. Im Jazz ist dieser Gedanke selbstverst&auml;ndlich. Songs werden weitergegeben, auseinandergenommen, neu harmonisiert, verlangsamt, beschleunigt, und mit jeder Interpretation ein wenig ver&auml;ndert.
<a href="https://www.jazzecho.de/meshell-ndegeocello" target="_blank" rel="noopener">Meshell Ndegeocello</a>, S&auml;ngerin, Bassistin, Produzentin zwischen Jazz und Black Music, bringt diese Haltung auf einen denkbar einfachen Satz: &bdquo;The song is just the framework.&ldquo; Ihre Vorstellung vom Interpretieren fremder Musik f&uuml;hrt sie zur&uuml;ck bis in ihre Zeit in Washington D.C., als sie in Go-go-Bands spielte und bekannte St&uuml;cke in eine andere Stimme, einen anderen Charakter &uuml;berf&uuml;hren musste. Zugleich erinnert sie sich an Gespr&auml;che mit ihrem Vater, der in einer Army Big Band spielte, &uuml;ber die Kunst des Arrangierens bei Count Basie und Duke Ellington.
Genau dort l&auml;sst sich jetzt ihr neues Album <a href="https://www.jazzecho.de/meshell-ndegeocello/diskografie" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Synonym&ldquo;</a> verorten. Nicht unbedingt als Jazzalbum im traditionellen Sinn, sondern als Album mit einer zutiefst jazztypischen Vorstellung davon, was ein bereits existierender Song alles sein kann.
<h3 class="MsoNoSpacing">Der Popsong als Material</h3>
Daf&uuml;r gibt es einige prominente Vorl&auml;ufer. Herbie Hancock erkl&auml;rte 1996 auf <a href="https://www.jazzecho.de/verve-by-request/diskografie/herbie-hancock-the-new-standard-verve-by-request-895757" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;The New Standard&ldquo;</a> unter anderem Songs von Peter Gabriel, Prince, den Beatles und Nirvana zu neuem Material f&uuml;r die Improvisation. Cassandra Wilson machte sich auf <a href="https://www.jazzecho.de/cassandra-wilson/diskografie/new-moon-daughter-301620" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;New Moon Daughter&ldquo;</a> im selben Jahr Songs aus der Pop- und Rockgeschichte so konsequent zu eigen, dass die Grenzen zwischen Fremdkomposition und eigener musikalischer Sprache beinahe verschwanden.
Sp&auml;ter &uuml;bertrug Robert Glasper diesen Gedanken auf die Pop-, R&amp;B- und Hip-Hop-Gegenwart. Auf<a href="https://www.jazzecho.de/robert-glasper/diskografie/covered-the-robert-glasper-trio-recorded-live-at-capitol-studios-lp-297409" target="_blank" rel="noopener"> &bdquo;Covered&ldquo; </a>spielte sein akustisches Trio etwa Radioheads &bdquo;Reckoner&ldquo; oder Jhen&eacute; Aikos &bdquo;The Worst&ldquo; &ndash; Songs seiner eigenen musikalischen Lebenswelt, behandelt mit derselben Selbstverst&auml;ndlichkeit wie Jazzstandards.&nbsp;Und 2022 brachte Produzent Larry Klein f&uuml;r das Blue-Note-Album<a href="https://www.jazzecho.de/leonard-cohen-tribute/diskografie/here-it-is-a-tribute-to-leonard-cohen-2lp-774192" target="_blank" rel="noopener"> &bdquo;Here It Is: A Tribute to Leonard Cohen&ldquo;</a> Stimmen wie Norah Jones, Peter Gabriel, Gregory Porter oder Mavis Staples mit einer Jazzband um Bill Frisell und Immanuel Wilkins zusammen. Der Ansatz war ausdr&uuml;cklich behutsam: Cohens Werke sollten nicht von den Arrangements &uuml;berdeckt, sondern in einen neuen musikalischen Zusammenhang gestellt werden.
Meshell Ndegeocellos &bdquo;Synonym&ldquo; l&auml;sst sich nun in diese Tradition stellen und verfolgt doch eine sehr eigene Idee. Denn Ndegeocello fragt nicht nur, wie ein bekannter Song heute klingen k&ouml;nnte. Sie interessiert sich daf&uuml;r, was mit seiner Bedeutung geschieht, wenn Stimmen, Rollen und musikalische Koordinaten ver&auml;ndert werden. Das Album durchstreift daf&uuml;r sechs Jahrzehnte Musikgeschichte: von Folk, Soul und Country &uuml;ber Pop, R&amp;B und Electro-Boogie bis zu Alternative Rock und Hip-Hop. Ndegeocellos eigener Begriff daf&uuml;r ist treffend: Die neuen Arrangements seien &bdquo;synonyms for their originals", unterschiedliche Kl&auml;nge, die dennoch dasselbe bedeuten.
<h3 class="MsoNoSpacing">&bdquo;Don&rsquo;t You Want Me&ldquo;: ein anderer Blick auf dieselbe Geschichte</h3>
Das h&ouml;rt man beispielsweise bei &bdquo;Don&rsquo;t You Want Me&ldquo;. Der Human-League-Hit von 1981 ist fest mit Synthesizern, Maschinenrhythmus und dem Dialog eines ehemaligen Paars verbunden. Ndegeocello und Cat Power versetzen ihn dagegen in einen tiefen Reggae-Groove und geben ihm mit Bl&auml;sern eine v&ouml;llig andere Umgebung. Die Wahl Cat Powers ist dabei keineswegs zuf&auml;llig. &bdquo;She taught me song styling&ldquo;, sagt Ndegeocello &uuml;ber sie. Von ihr habe sie gelernt, die eigene Stimme zum Interpretieren eines Songs zu benutzen, ohne das Original nachzuahmen.
Wie stark dadurch nicht nur der Klang, sondern auch die Erz&auml;hlung eines Popsongs ver&auml;ndert werden kann, f&auml;llt nun auch in einer ersten gro&szlig;en internationalen Rezension auf. Im britischen Guardian, der &bdquo;Synonym&ldquo; zum Album of the Week macht, beschreibt Alexis Petridis, wie sich die emotionale Machtbalance von &bdquo;Don&rsquo;t You Want Me&ldquo; verschiebt: Ndegeocellos Part wirkt pl&ouml;tzlich verletzlich, w&auml;hrend Cat Powers Antwort eine fast beil&auml;ufige Distanz bekommt. F&uuml;r Petridis handelt &bdquo;Synonym&ldquo; deshalb weniger von Coverversionen als von echten Neuerfindungen.
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<h3 class="MsoNoSpacing">Von Sonny &amp; Cher zu impressionistischem Jazz</h3>
Bei &bdquo;I Got You Babe&ldquo; geht Meshell Ndegeocello noch einen Schritt weiter. Aus Sonny &amp; Chers Pop-Evergreen wird zusammen mit ANOHNI eine impressionistische Jazz-Dekonstruktion. Die vertraute Melodie steht pl&ouml;tzlich in einem kargen Raum aus Bl&auml;sern, die Harmonien haben mit der unmittelbaren Pop-Sprache des Originals kaum noch etwas gemein. Diese Reibung geh&ouml;rt zum Konzept.&nbsp;
Besonders weit f&uuml;hrt diese Suche bei Bob Dylans &bdquo;It Ain&rsquo;t Me Babe&ldquo; mit Madison Cunningham. Melodie und Tempo werden so stark ver&auml;ndert, dass der Song zeitweise kaum wiederzuerkennen ist. Der Guardian h&ouml;rt darin eine traumartige Klangwelt aus Gitarrenarpeggien, Spieluhrkl&auml;ngen und Mandoline &ndash; und z&auml;hlt die Bearbeitung zu den besonders gelungenen Neuerfindungen des Albums.
Bei &bdquo;With God On Our Side&ldquo; mit Bill Callahan und Chris Thile steckt hinter der Transformation wiederum eine konkrete Interpretation. Ndegeocello empfand Dylans Text als aggressiver als dessen urspr&uuml;ngliches Arrangement. Ihre Aufgabe bestand deshalb darin, die Musik so klingen zu lassen, wie sie den Song selbst h&ouml;rt. Arrangieren sei wie ein Puzzle, sagt sie, und erm&ouml;gliche ihr letztlich, dem Song mehr Respekt entgegenzubringen.
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<h3 class="MsoNoSpacing">Von Motown bis Grunge</h3>
Und so bekommt fast jeder Song seine eigene musikalische Perspektive. &bdquo;Don&rsquo;t Look Any Further&ldquo;, der Motown-Hit von Dennis Edwards und Siedah Garrett, wird mit Lianne La Havas zu modernem Funk, durchzogen von Elena Pinderhughes&rsquo; Fl&ouml;te. Bei &bdquo;Islands In The Stream&ldquo; mit Chaka Khan wiederum dachte Ndegeocello keineswegs nur an Dolly Parton und Kenny Rogers. In ihrer Vorstellung treffen die Bee Gees auf Roxy Music: Chaka Khan sollte gewisserma&szlig;en Brian Eno sein, sie selbst Bryan Ferry.
Irgendwann wird es dabei nebens&auml;chlich, ob diese Musik Jazz, R&amp;B, Folk, Country, Pop oder Alternative Rock genannt wird. Und vielleicht liegt genau darin Meshell Ndegeocellos Verh&auml;ltnis zum Jazz: weniger in einem bestimmten Sound als in einer Methode. Ein Song ist kein Museumsst&uuml;ck. Er geh&ouml;rt nicht f&uuml;r immer dem Arrangement, mit dem er ber&uuml;hmt geworden ist. Man kann seine Harmonik &ouml;ffnen, seinen Rhythmus verschieben, ihn anderen Stimmen &uuml;bergeben und seine Perspektive ver&auml;ndern, um anschlie&szlig;end herauszufinden, was von ihm &uuml;brig bleibt.&nbsp;Bei Meshell Ndegeocello ist das erstaunlich viel. Denn ein Synonym ist schlie&szlig;lich nicht dasselbe Wort. Es ist ein anderes Wort f&uuml;r etwas Verwandtes.

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Jazz Musik: Album-Rezensionen