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Rezensionen

Der Soul von Mozart und der Spirit von Monk: gespannt erwartete Batiste-Alben erschienen

Mit &ldquo;Black Mozart&rdquo;, &ldquo;Monk Movements&rdquo; und &ldquo;Monk Meditations&rdquo; ver&ouml;ffentlicht Jon Batiste in seiner &ldquo;Batiste Piano Series&rdquo; auf einen Schlag drei sehr unterschiedliche Alben. Aufgenommen wurden sie in einer einzigen, improvisationsreichen Sitzung.

Seit <a href="https://www.jazzecho.de/jon-batiste" target="_blank" rel="noopener">Jon Batiste</a> im Jahr 2018 mit dem Album<a href="https://www.jazzecho.de/jon-batiste/diskografie/hollywood-africans-lp-483290" target="_blank" rel="noopener"> &ldquo;Hollywood Africans&rdquo;</a> bei Verve Records deb&uuml;tierte, hat er so ziemlich alles erreicht, was sich ein Musiker nur ertr&auml;umen kann. Auf f&uuml;nf Studio- und drei Live-Alben f&uuml;r das traditionsreiche Label zeigte er nicht nur seine erstaunliche stilistische Vielseitigkeit, sondern auch seine F&auml;higkeiten als ausdrucksstarker S&auml;nger, findiger Songwriter und Multiinstrumentalist. Belohnt wurde er f&uuml;r seine unb&auml;ndige Kreativit&auml;t in diesen acht Jahren mit acht Grammy Awards, darunter 2021 die Auszeichnung f&uuml;r das &ldquo;Album des Jahres&rdquo; f&uuml;r <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/jon-batiste-we-are-lp" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;We Are&rdquo;</a>, einem Oscar f&uuml;r die beste Originalmusik f&uuml;r den Disney/Pixar-Film &ldquo;Soul&rdquo; und einem Emmy. Doch welchen Weg soll ein Musiker einschlagen, wenn er scheinbar schon alles erreicht hat? Jon Batiste entschied sich daf&uuml;r, zu seinen musikalischen Wurzeln als Pianist zur&uuml;ckzukehren und dabei gleichzeitig k&uuml;hn mit den Traditionen zu brechen.
F&uuml;r das au&szlig;ergew&ouml;hnliche Album <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/jon-batiste-beethoven-blues" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Beethoven Blues&rdquo;</a>, mit dem er vor zwei Jahren seine Batiste Piano Series begann, interpretierte der Pianist das Verm&auml;chtnis Ludwig van Beethovens mit den Ausdrucksmitteln von Blues und Jazz neu und lie&szlig; dessen Werke dabei zeitlos und modern zugleich erklingen. Das Projekt wurde zu einem seiner bislang gr&ouml;&szlig;ten kommerziellen Erfolge und stand mehr als zwei Monate lang an der Spitze der Billboard-Charts f&uuml;r Klassikalben. Nun setzt er die Reihe mit den drei Alben <a href="https://eustore.everythingjazz.com/collections/jon-batiste/products/jon-batiste-black-mozart-batiste-piano-series-vol-2-116764" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Black Mozart&rdquo;</a>, <a href="https://eustore.everythingjazz.com/collections/jon-batiste/products/jon-batiste-monk-movements-batiste-piano-series-vol-4-116745" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Monk Movements&rdquo;</a> und <a href="https://eustore.everythingjazz.com/collections/jon-batiste/products/jon-batiste-monk-meditations-batiste-piano-series-vol-3-116749" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Monk Meditations&rdquo;</a> fort. Entstanden sind sie allesamt an einem einzigen Tag w&auml;hrend einer improvisationsreichen Aufnahmesitzung.
<h3 class="MsoNormal" style="text-align: left;">Wie Jon Batiste auf &ldquo;Black Mozart&rdquo; Mozart mit Jazz, Blues und Ragtime neu interpretiert</h3>
Mit &ldquo;Black Mozart&rdquo; (Batiste Piano Series Vol. 2) kn&uuml;pft Batiste im Grunde an das Konzept von &ldquo;Beethoven Blues&rdquo; (Batiste Piano Series Vol. 1) an, erweitert dabei aber zugleich das stilistische Spektrum um afrokubanische und andere Einfl&uuml;sse. Batiste beschreibt Mozart als einen "Pionier, der seine eigene musikalische Sprache schuf und dennoch seine Vorg&auml;nger w&uuml;rdigte&rdquo;. So wie es auch Batiste selbst tut. Au&szlig;erdem lobt er die Ausgewogenheit Mozarts zwischen &ldquo;extremer melodischer Einfachheit und intensiver Komplexit&auml;t&rdquo;.
&ldquo;Wie Thelonious Monk, der in meinen Augen genau dieselben Qualit&auml;ten besa&szlig;, war Mozart ein akribischer Metaphysiker, der eine besondere Mischung aus logischer Meisterhaftigkeit schuf, die sich bis heute irgendwie jeder Erkl&auml;rung entzieht&rdquo;, f&auml;hrt Batiste fort. Auf dem Album n&auml;hert er sich Mozarts Musik &ndash; von der vertr&auml;umten &ldquo;Sonata Facile&rdquo; bis zum ausgelassenen &ldquo;Rondo alla Turca&rdquo; &ndash; mittels der rhythmischen und improvisatorischen Traditionen der afroamerikanischen Musik. &ldquo;Ich habe Mozart &lsquo;schwarz&rsquo; neu interpretiert&rdquo;, sagt er in Anspielung auf den Titel des Albums, &ldquo;und seine Musik mit Einfl&uuml;ssen aus Jazz, Ragtime, Stride, Blues und Stomps angereichert, dabei aber ihre Essenz als moderne klassische Musik bewahrt.&rdquo; Er beschreibt Mozart zudem als &ldquo;eine Br&uuml;cke, die schlie&szlig;lich in die Moderne f&uuml;hrte&rdquo; und sieht im Werk des Komponisten eine Verbindung zu den Jazztraditionen, die sich bis heute weiterentwickeln.
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<h3 class="MsoNormal" style="text-align: left;">Was Jon Batiste auf &ldquo;Monk Meditations&rdquo; und &ldquo;Monk Movements&rdquo; aus Thelonious Monks Musik macht</h3>
Obwohl die beiden anderen Alben von ein und demselben K&uuml;nstler inspiriert sind, bietet die Vielschichtigkeit von Thelonious Monks Musik Jon Batiste Raum f&uuml;r sehr unterschiedliche Ans&auml;tze. Mit &ldquo;Monk Meditations&rdquo; (Batiste Piano Series Vol. 3) ist ihm dabei wohl das erste meditative Album mit von Monk komponierter Musik gelungen. F&uuml;r &ldquo;Monk Movements&rdquo; (Batiste Piano Series Vol. 4) hingegen interpretiert er die zu Jazzstandards gewordenen St&uuml;cke Monks als virtuose, gro&szlig; angelegte Klavierwerke neu. Batistes Versionen erinnern dabei oft an zeitgen&ouml;ssische Klavierst&uuml;cke.
&ldquo;Ich habe diese Kompositionen eher als musikalische S&auml;tze denn als einzelne St&uuml;cke betrachtet&rdquo;, sagt er. &ldquo;Oft lie&szlig; ich mich dabei von den kreativen Str&ouml;mungen des abstrakten Expressionismus in der modernen Kunst oder des Dekonstruktivismus in der postmodernen Architektur beeinflussen, ohne dabei jedoch die spontane Komposition aus den Augen zu verlieren.&rdquo; Es kommt nicht von ungef&auml;hr, dass der Pianist, Komponist und Musikp&auml;dagoge Billy Taylor den Jazz 1986 in einem Essay als &ldquo;Amerikas klassische Musik&rdquo; bezeichnete. Jon Batiste best&auml;rkt dies hier mit seinen ebenso originellen wie brillanten Interpretationen.
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Verve Vault Serie – Initialzündung einer Crossover-Karriere

1968 legte Gitarrist George Benson mit dem Erfolgsalbum &ldquo;Giblet Gravy&rdquo; den Grundstein f&uuml;r seine erfolgreiche Karriere zwischen Jazz, Soul und Pop.

Verve Vault hei&szlig;t die neue LP-Serie des legend&auml;ren Verve-Labels, die mit zwei Ver&ouml;ffentlichungen pro Monat die Herzen von Jazz- und Vinylfans h&ouml;herschlagen lassen will. Obwohl die LPs moderat gepreist sind, wird in allen Aspekten auf Qualit&auml;t geachtet:&nbsp; Alle Titel werden von Ryan K. Smith bei Sterling Sound von den analogen Originalb&auml;ndern geschnitten und gemastert und bei Optimal auf 180-Gramm-Vinyl gepresst. Die ikonischen Artworks werden unver&auml;ndert und liebevoll faksimiliert, sofern es sich im Original um Gatefold-H&uuml;llen handelte, werden diese beibehalten. Das Repertoire der Serie setzt sich aus ber&uuml;hmten Klassikern sowie zeitlosen Perlen von Verve und den Schwesterlabels Impulse!, Mercury, Polydor u.a. zusammen.
George Benson - Giblet Gravy
F&uuml;r Gitarrist George Benson h&auml;tte das Jahr 1968 nicht besser beginnen k&ouml;nnen. Am 16. Januar nahm er als Gast des zweiten gro&szlig;en Quintetts von Miles Davis an einer Aufnahmesession f&uuml;r &ldquo;Miles in the Sky&rdquo; teil. Das Album markierte den Beginn der elektrischen Phase des Trompeters und gilt als eines der pr&auml;genden Werke der Jazz-Fusion. Nur drei Wochen sp&auml;ter ging Benson erneut ins Studio. Diesmal, um mit <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/george-benson-giblet-gravy-118647" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Giblet Gravy&rdquo;</a> seinen glanzvollen Einstand bei Verve Records zu feiern. Mit von der Partie waren auch zwei Musiker von Miles&rsquo; Quintett: der Pianist Herbie Hancock und der Bassist Ron Carter. 
Der Produzent Esmond Edwards hatte den damals 24-j&auml;hrigen George Benson zu Verve geholt, um die L&uuml;cke zu f&uuml;llen, die der gro&szlig;e Wes Montgomery durch seinen Wechsel zu A&amp;M Records hinterlassen hatte. Und Benson bewies gleich, dass er weit mehr als nur ein &ldquo;L&uuml;ckenf&uuml;ller&rdquo; sein w&uuml;rde. &ldquo;Ich wollte nicht der n&auml;chste Wes Montgomery sein. Ich wollte der erste George Benson sein&rdquo;, erinnerte er sich viele Jahre sp&auml;ter in seiner Autobiografie. Mal pr&auml;sentierte er sich in einem agilen Quintett-Format mit Hancock, Carter, dem jungen Schlagzeuger Billy Cobham und dem Congalero Johnny Pacheco, dann mit einer von Tom McIntosh arrangierten und geleiteten Bigband sowie Background-S&auml;ngerinnen. Im Mittelpunkt der Musik standen jedoch stets Bensons fl&uuml;ssige Artikulation, seine bluesgepr&auml;gte Phrasierung und seine rhythmische Gewandtheit. 
Das Repertoire vereinte Interpretationen zeitgen&ouml;ssischer Pophits wie Bobby Hebbs &ldquo;Sunny&rdquo; und Burt Bacharachs &ldquo;Walk on By&rdquo; mit Cannonball Adderleys soul-jazziger Nummer &ldquo;Sack of Woe&rdquo; sowie zwei Benson-Originalen: dem groovigen Titelst&uuml;ck &ldquo;Giblet Gravy&rdquo; und dem Blues &ldquo;Low Down and Dirty&rdquo;. Die stilistische Bandbreite, die Bensons sp&auml;teren Crossover-Erfolg kennzeichnen sollte, kam bereits hier deutlich zum Vorschein.
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Coltrane 100: „Meditations“ kehrt auf Vinyl zurück

Mit &bdquo;Meditations&ldquo; erscheint eine weitere Wiederver&ouml;ffentlichungen zum 100. Geburtstag von John Coltrane. Das Schl&uuml;sselwerk von 1966 dokumentiert den Aufbruch des Saxofonisten in seine letzte, radikal freie Schaffensphase.

Nachdem Verve anl&auml;sslich des 100. Geburtstags von <a href="https://www.jazzecho.de/johncoltrane/rezensionen-und-news" target="_blank" rel="noopener">John Coltrane</a> bereits mehrere Impulse! Records-Schl&uuml;sselwerke des Saxofonisten in der <a href="https://www.jazzecho.de/verve-acoustic-sounds-series" target="_blank" rel="noopener">Verve Acoustic Sounds Serie</a> und der <a href="https://www.jazzecho.de/verve-vault" target="_blank" rel="noopener">Verve Vault Serie</a> neu aufgelegt hat, folgt nun ein weiteres bedeutendes Kapitel seines Schaffens: <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/john-coltrane-meditations-118640" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Meditations&ldquo;</a> erscheint in der Verve Vault Serie auf 180-Gramm-Vinyl, ein Album, auf dem Coltranes klassisches Quartett und die Musiker seiner letzten Schaffensphase unmittelbar aufeinandertreffen.
<h3 class="MsoNormal">&bdquo;Meditations&ldquo; markiert einen Coltrane-Wendepunkt</h3>
Als John Coltrane im November 1965 ins Studio ging, um f&uuml;r Impulse! Records &bdquo;Meditations&ldquo; einzuspielen, befand er sich einmal mehr in einer Phase des Umbruchs. Das Album enth&auml;lt die letzten Studioaufnahmen mit der kompletten Besetzung seines &bdquo;klassischen Quartetts&ldquo;: Pianist McCoy Tyner, Bassist Jimmy Garrison und Schlagzeuger Elvin Jones hatten zu diesem Zeitpunkt seit rund dreieinhalb Jahren mit Coltrane gespielt und eine nahezu intuitive musikalische Verst&auml;ndigung entwickelt.
Doch die Zukunft war bereits im Studio zugegen. Neu hinzu kamen Tenorsaxofonist&nbsp;Pharoah Sanders und der zweite Schlagzeuger Rashied Ali, die Coltranes letzte Schaffensphase entscheidend mitpr&auml;gen sollten. Das Aufeinandertreffen beider Formationen verleiht &bdquo;Meditations&ldquo; seine enorme Spannung: Die eingespielte Interaktion des klassischen Quartetts trifft auf eine zunehmend freie, eruptive Klangsprache.
<h3 class="MsoNormal">Von &bdquo;First Meditations&ldquo; zu einer radikaleren Klangwelt</h3>
Coltrane hatte die &bdquo;First Meditations"-Suite bereits zwei Monate zuvor mit seinem Quartett aufgenommen. Diese erste Fassung blieb jedoch zun&auml;chst unver&ouml;ffentlicht und kam erst 1977 unter dem Titel &bdquo;First Meditations (for quartet)&ldquo; bei Impulse! Records heraus.
F&uuml;r &bdquo;Meditations&ldquo; erweiterte Coltrane die Besetzung um Sanders und Ali &ndash; und ver&auml;nderte damit den Charakter der Musik grundlegend. Aus der vergleichsweise konzentrierten Quartettfassung wurde eine dichtere, turbulentere Klanglandschaft. Zwei Schlagzeuger treiben die Musik voran, w&auml;hrend Coltrane und Sanders ihre Tenorsaxofone in immer intensivere Dialoge f&uuml;hren.
Die Suite entwickelt sich dabei als fortw&auml;hrende musikalische Meditation &uuml;ber Spiritualit&auml;t, Transzendenz und kollektiven Ausdruck. Was Coltrane mit &bdquo;A Love Supreme&ldquo; in eine vergleichsweise klar gegliederte Form gebracht hatte, wird hier weiter ge&ouml;ffnet: Energie, Abstraktion und freie Improvisation gewinnen zunehmend die Oberhand.
<h3 class="MsoNormal">&bdquo;Meditations&ldquo; f&uuml;hrt den Spiritual Jazz in neue Sph&auml;ren</h3>
Nicht von ungef&auml;hr wird &bdquo;Meditations&ldquo; h&auml;ufig als spiritueller Nachfolger von &bdquo;A Love Supreme&ldquo; betrachtet. Doch statt dessen Konzept einfach fortzuf&uuml;hren, verschiebt Coltrane die Grenzen seiner Musik erheblich. Die spirituelle Suche bleibt ihr Zentrum, ihre musikalischen Mittel werden jedoch radikaler.
Damit ist &bdquo;Meditations&ldquo; zugleich Dokument einer Transformation. McCoy Tyner und Elvin Jones sollten Coltranes Ensemble bald verlassen, w&auml;hrend Pharoah Sanders und Rashied Ali zu zentralen Stimmen seiner letzten musikalischen Expeditionen wurden. Das Album h&auml;lt genau jenen Moment fest, in dem sich diese beiden Phasen &uuml;berschneiden &ndash; und Coltrane seinen Spiritual Jazz in neue Sph&auml;ren von Intensit&auml;t und Freiheit f&uuml;hrt.
<h3 class="MsoNormal">&bdquo;Meditations&ldquo; erscheint in der Verve Vault Serie</h3>
Die Verve Vault Serie&nbsp;verbindet einen moderaten Preis mit hohem audiophilem Anspruch. S&auml;mtliche Titel der Reihe werden von Ryan K. Smith bei Sterling Sound von den analogen Originalb&auml;ndern geschnitten und gemastert und bei Optimal auf 180-Gramm-Vinyl gepresst. Auch bei der Ausstattung orientiert sich Verve an den historischen Originalausgaben: Die Artworks werden originalgetreu reproduziert, urspr&uuml;ngliche Gatefold-Cover als solche beibehalten.
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Blue Note Tone Poet Serie - Saxofon-Perlen aus den Sixties

Mit &ldquo;Bossa Nova Soul Samba&rdquo; schuf Tenorsaxofonist Ike Quebec 1962 eines der originellsten Bossa-Alben des Jazz. Schwindelerregend abwechslungsreich ist das Album &ldquo;Vertigo&rdquo; von Altsaxofonist Jackie McLean aus dem Jahr 1963.

Die erste audiophile LP-Serie von Blue Note Records ist ein weltweiter Erfolg. Kuratiert wird sie von Joe Harley, genannt der &bdquo;Tone Poet&ldquo;, vom renommierten amerikanischen Vinyl-Label Music Matters. Die Fertigung erfolgt mit rein analogen Produktionsschritten vom Erste-Generation-Masterband bis zur 180g-Pressung bei Record Technology Incorporated (RTI) in den USA. Den luxuri&ouml;sen Rahmen bilden laminierte Tip-On-Gatefold-Sleeves und wattierte Innenh&uuml;llen.
<h3 class="MsoNormal">Ike Quebec -&nbsp;Bossa Nova Soul Samba</h3>
1962 war das Jahr, in dem das Bossa-Nova-Fieber in den USA um sich zu greifen begann. Im April ver&ouml;ffentlichten Stan Getz und Charlie Byrd mit <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/stan-getz-charlie-byrd-jazz-samba" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Jazz Samba&rdquo;</a>&nbsp;das erste amerikanische Bossa-Album, dem im Oktober <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/stan-getz-big-band-bossa-nova-115281" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Big Band Bossa Nova&rdquo;</a> von Stan Getz und Gary McFarland sowie im Dezember ein <a href="https://eustore.everythingjazz.com/products/quincy-jones-big-band-bossa-nova" target="_blank" rel="noopener">gleichnamiges Album von Quincy Jones</a> folgte. Im Schatten dieser Bestseller nahm der Tenorsaxofonist <a href="https://www.bluenote.com/artist/ike-quebec/" target="_blank" rel="noopener">Ike Quebec</a> im Oktober 1962 sein Album <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/ike-quebec-bossa-nova-soul-samba-117996" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Bossa Nova Soul Samba&rdquo;</a> f&uuml;r Blue Note auf - ein melodi&ouml;ses Meisterwerk, zu dem der gl&auml;nzend aufgelegte Gitarrist Kenny Burrell ma&szlig;geblich beitrug. Einf&uuml;hlsam unterst&uuml;tzt wurden die beiden Solisten von dem Bassisten Wendell Marshall, dem Schlagzeuger Willie Bobo und dem Sh&eacute;kere-Spieler Garvin Masseaux. 
Quebec erwies sich hier keineswegs als Trittbrettfahrer, sondern verlieh dem neuen Stil aus Brasilien mit seinem sinnlichen Ton und einer deftigen Portion Blues eine ganz eigene Note. Bei der Zusammenstellung des Programms verzichtete er geschickt auf die Bossa-Nova-Hits von Tom Jobim, Jo&atilde;o Gilberto und Luiz Bonf&aacute;, die alle anderen spielten. Stattdessen pr&auml;sentierte er vier international wenig bekannte brasilianische St&uuml;cke aus einer Zeit, als es die Bossa Nova noch gar nicht gab, zwei eigene Kompositionen (&ldquo;Me &lsquo;n You&rdquo; und &ldquo;Blue Samba&rdquo;) und ein St&uuml;ck von Burrell (&ldquo;Loie&rdquo;). Dar&uuml;ber hinaus verwandelte er auf raffinierte Weise zwei klassische Kompositionen - &ldquo;Goin&rsquo; Home&rdquo;, eine &Uuml;berarbeitung des Themas des Largos aus der 9. Sinfonie von Anton&iacute;n Dvoř&aacute;k, und &ldquo;Liebestraum Nr. 3&rdquo; von Franz Liszt - in Bossa Novas. &ldquo;Das gesamte Projekt ist durchdacht konzipiert und wundersch&ouml;n umgesetzt&rdquo;, schrieb Steve Huey in seiner AllMusic-Rezension. &ldquo;Die Bossa Nova wird als neues Mittel des pers&ouml;nlichen Ausdrucks behandelt und nicht nur als Modeerscheinung, aus der man Kapital schlagen kann.&rdquo; Umso tragischer war es, dass dies Quebecs letztes Album sein sollte. Nur drei Monate sp&auml;ter starb der Tenorsaxofonist im Alter von 44 Jahren an Lungenkrebs.
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<h3 class="MsoNormal">Jackie McLean -&nbsp;Vertigo</h3>
Auf sage und schreibe 21 Alben dokumentierte Blue Note Records zwischen 1959 und 1967 eine der kreativsten Phasen in der Karriere des Altsaxofonisten <a href="https://www.bluenote.com/artist/jackie-mclean/" target="_blank" rel="noopener">Jackie McLean</a> - und dabei sind die vielen Alben, auf denen er f&uuml;r das Label als Sideman mitwirkte, noch nicht einmal eingerechnet. Zwei Monate bevor er den Meilenstein &ldquo;One Step Beyond&rdquo; einspielte, hatte der McLean im Februar 1963 in Rudy Van Gelders Studio ein besonders dynamisches Quintett mit dem Trompeter Donald Byrd, dem Pianisten Herbie Hancock, dem Bassisten Butch Warren und dem jungen Schlagzeuger Tony Williams f&uuml;r eine Aufnahmesession versammelt: <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/jackie-mclean-vertigo-118000" target="_blank" rel="noopener">"Vertigo"</a>.
Das stilistisch sehr abwechslungsreiche Programm bestand aus je zwei Eigenkompositionen von McLean (&ldquo;Vertigo&rdquo; und &ldquo;Cheers&rdquo;) und Byrd (&ldquo;Marney&rdquo; und &ldquo;Dusty Foot&rdquo;) sowie einem St&uuml;ck von Hancock (&ldquo;Yams&rdquo;), der kurz danach zusammen mit Tony Williams Mitglied&nbsp; des zweiten gro&szlig;en Quintetts von Miles Davis werden sollte. Da Blue Note damals aber die etwas avantgardistischeren McLean-Alben &ldquo;One Step Beyond&rdquo; und &ldquo;Destination... Out!&rdquo; ver&ouml;ffentlichte, verschwanden die Aufnahmen im Archiv. Erst 1980 erschienen sie als Teil der &ldquo;Connoisseur&rdquo;-Reihe unter dem Titel &ldquo;Vertigo&rdquo;. Dabei wurde das Material der Session mit der Aufnahme einer klassischen Hard-Bop-Nummer des Pianisten Walter Davis Jr. gekoppelt, die wegen Platzmangels 1959 nicht auf McLeans Blue-Note-Deb&uuml;talbum &ldquo;New Soil&rdquo; gepasst hatte.
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Verve Acoustic Sounds Serie - drei Musterbeispiele der Jazz-Vielfalt

W&auml;hrend Lester Young auf &ldquo;Laughin&rsquo; to Keep From Cryin&rsquo;&rdquo; Swing pur bot und Stan Getz mit &ldquo;Big Band Bossa Nova&rdquo; neues Terrain erschloss, pr&auml;sentierte sich Shelly Manne auf &ldquo;2-3-4&rdquo; als swingendes Cham&auml;leon.

Mit der Verve Acoustic Sounds Serie bietet Verve Vinyl-Fans in Zusammenarbeit mit dem bekannten amerikanischen Acoustic-Sounds-Label seine erste audiophile LP-Serie. Die Fertigung erfolgt mit rein analogen Produktionsschritten vom Erste-Generation-Masterband bis zur 180g-Pressung bei Quality Record Pressings in den USA. Den luxuri&ouml;sen Rahmen bieten laminierte Tip-On-Gatefold-Sleeves und wattierte Innenh&uuml;llen. Auch Alben von Verve-Schwesterlabels wie Impulse!, Mercury und Emarcy finden sich in der hochwertigen Serie wieder.
<h3 class="MsoNormal" style="text-align: left;">Lester Young feat. Roy Eldridge &amp; Harry &ldquo;Sweets&rdquo; Edison - Laughin&rsquo; to Keep from Cryin&rsquo;</h3>
Mit seinem l&auml;ssig-eleganten und coolen Ton sowie seinem hippen, introvertierten Stil etablierte sich Lester Young (1909-1959) in den 1930er Jahren neben Coleman Hawkins als einer der einflussreichsten Tenorsaxofonisten des Jazz. Im Februar 1958, nur dreizehn Monate vor seinem Tod, spielte er mit <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/lester-young-laughin-to-keep-from-cryin-115283" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Laughin&rsquo; to Keep from Cryin&rsquo;&rdquo;</a> sein vorletztes Studioalbum ein. Wenngleich sein Ton zu diesem Zeitpunkt bereits fragiler geworden war, ist Youngs Phrasierung hier dennoch unver&auml;ndert flie&szlig;end und ausdrucksstark. Was ihm an Kraft abging, ersetzte er durch Subtilit&auml;t. 
Die von Norman Granz produzierte Aufnahme vereint den Tenorsaxofonisten mit den beiden Trompetern Roy Eldridge und Harry &ldquo;Sweets&rdquo; Edison. Deren gegens&auml;tzliche Stile - der eine spielt mit feurigem Schwung, der andere mit entspannter, bluesiger Zur&uuml;ckhaltung - schaffen dabei einen fesselnden musikalischen Kontrast. Die exzellente Rhythmusgruppe mit dem Pianisten Hank Jones, dem Gitarristen Herb Ellis, dem Bassisten George Duvivier und dem Schlagzeuger Mickey Sheen liefert den perfekten Rahmen f&uuml;r diese swingende Session. Zu den H&ouml;hepunkten z&auml;hlen der Gershwin-Klassiker &ldquo;They Can&rsquo;t Take That Away from Me&rdquo; und Youngs Eigenkomposition &ldquo;Salute to Benny&rdquo;, eine Hommage an Benny Goodman, von dem er seine erste Klarinette geschenkt bekommen hatte. In beiden Titeln ist der Tenorsaxofonist mit seltenen Klarinettensoli zu h&ouml;ren.
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<h3 class="MsoNormal" style="text-align: left;">Stan Getz - Big Band Bossa Nova</h3>
Im August 1962, nur f&uuml;nf Monate nach der Ver&ouml;ffentlichung seines ersten Bossa-Nova-Albums &ldquo;Jazz Samba&rdquo;, kehrte <a href="https://www.jazzecho.de/stangetz/biografie" target="_blank" rel="noopener">Stan Getz</a> f&uuml;r das Album <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/stan-getz-big-band-bossa-nova-115281" target="_blank" rel="noopener">"Big Band Bossa Nova"</a> ins Studio zur&uuml;ck, um sich dem neuen Stil aus Brasilien aus einer g&auml;nzlich anderen Perspektive anzun&auml;hern - n&auml;mlich mit einem vollbesetzten Jazzorchester, das von dem hochgelobten, damals erst 28-j&auml;hrigen Gary McFarland arrangiert und geleitet wurde. Bei der Instrumentierung der Big Band hatte McFarland die geniale Idee, den konventionellen Saxofonsatz durch w&auml;rmer klingende Klarinetten und Fl&ouml;ten zu ersetzen. Zudem kombinierte er&nbsp; die instrumentalen Klangfarben frei miteinander, um Getz&rsquo; Tenorsaxofon so mit einer sich st&auml;ndig wandelnden Soundpalette zu untermalen. Als Solisten traten au&szlig;erdem der Gitarrist Jim Hall, der Pianist Hank Jones, der Trompeter Doc Severinsen und der Posaunist Bob Brookmeyer hervor. 
Neben einer neuen Version des beschwingten &ldquo;Samba de Uma Nota S&oacute;&rdquo;, den er schon auf &ldquo;Jazz Samba&rdquo; so einfallsreich interpretiert hatte, pr&auml;sentierte der Tenorsaxofonist drei weitere Bossa-Nova-Klassiker: &ldquo;Manh&atilde; de Carnaval&rdquo; von Luiz Bonf&aacute;, Chega de Saudade&rdquo; von Ant&ocirc;nio Carlos Jobim und &ldquo;Bim Bom&rdquo; von Jo&atilde;o Gilberto. Gary McFarland steuerte zum Repertoire vier Bossa-St&uuml;cke aus eigener Feder bei. Der Kritiker Don DeMichael verlieh der Platte damals im Magazin DownBeat die Bestnote von f&uuml;nf Sternen und schrieb:&nbsp;&ldquo;Getz&rsquo; melodisches Talent war noch nie so offensichtlich; selbst die Art, wie er eine &lsquo;geradlinige&rsquo; Melodie spielt, ist meisterhaft. Nur wenige Jazzmusiker haben diese Gabe &hellip; und das hat damit zu tun, dass er auf seinem Instrument singt. Denn Getz spielt nicht einfach nur ein Solo, er singt es ...&rdquo;
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<h3 class="MsoNormal" style="text-align: left;">&nbsp;Shelly Manne -&nbsp;2-3-4</h3>
Obwohl Shelly Manne (1920-1984) oft auf seine Rolle&nbsp; in der West-Coast-Jazzszene reduziert wird, war er tats&auml;chlich einer der vielseitigsten amerikanischen Schlagzeuger. In seiner Karriere arbeitete er mit nahezu allen Gr&ouml;&szlig;en des Jazz in den unterschiedlichsten Kontexten zusammen - von Swing &uuml;ber Bebop bis hin zur Avantgarde. Aber man kann ihn auch auf Alben von Tom Waits und Frank Zappa h&ouml;ren. Seine Aufgeschlossenheit und Experimentierfreudigkeit bewies er 1962 mit dem Album <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/shelly-manne-2-3-4acoustic-sounds-117279" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;2-3-4&rdquo;</a>, seiner einzigen Aufnahme f&uuml;r Impulse! Records. Es verdankte seinen Titel der Tatsache, dass Manne sich hier im Duo-, Trio- und Quartett-Format pr&auml;sentierte. Dabei kam es zu einer Reunion mit zwei Musikern, mit denen er am Anfang seiner Karriere in den 1940er Jahren in New York zusammengespielt hatte: dem Tenorsaxofonisten Coleman Hawkins und dem Pianisten Hank Jones. Mit von der Partie waren au&szlig;erdem der Bassist George Duvivier sowie&nbsp; in einigen St&uuml;cken der Pianist und Vibrafonist Eddie Costa. 
Neben fantasievoll interpretierten bekannten Standards wie Billy Strayhorns &ldquo;Take the &lsquo;A&rsquo; Train&rdquo; und Ray Nobles &ldquo;Cherokee&rdquo; boten die Musiker auch zwei humorvoll betitelte Originale &ldquo;The Sicks of Us&rdquo; und &ldquo;Me and Some Drums&rdquo;. Letzteres spielte der Schlagzeuger im Duett mit Coleman Hawkins ein, der, bevor er zum Tenorsaxofon griff, die einzige auf Platte dokumentierte Kostprobe seiner Klavierk&uuml;nste gab. Im Magazin DownBeat erhielt das fantastische Album, das so einige &Uuml;berraschungen barg, 1962 die H&ouml;chstwertung von f&uuml;nf Sternen.
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Coltrane 100: Rück- und Ausblick auf Vinyl-Perlen

Zum 100. Geburtstag John Coltranes werden seine zentralen Alben in den LP-Reihen Verve Acoustic Sounds und Verve Vault neu aufgelegt &ndash; hochwertig produziert und analog remastert.

Anl&auml;sslich des 100. Geburtstags von <a href="https://www.jazzecho.de/johncoltrane/biografie" target="_blank" rel="noopener">John Coltrane</a> hat Verve, zu dessen Katalog auch die Aufnahmen des legend&auml;ren <a href="https://www.jazzecho.de/labels/impulse-490" target="_blank" rel="noopener">Impulse!-Labels</a> geh&ouml;ren, eine Reihe bedeutender Impulse!-Alben des Saxofonisten auf Vinyl ver&ouml;ffentlicht. Die Wiederauflagen erscheinen sowohl in der audiophilen Verve Acoustic Sounds Serie als auch in der neuen Verve Vault Serie und verbinden hochwertige analoge Fertigung mit originalgetreu reproduzierten historischen Albumcovern. Hier finden Sie einen &Uuml;berblick der bereits erschienenen und einen Ausblick auf kommende Alben.
Die <a href="https://www.jazzecho.de/verve-acoustic-sounds-series" target="_blank" rel="noopener">Verve Acoustic Sounds Serie</a>, die in Zusammenarbeit mit dem US-Spezialisten Acoustic Sounds entsteht, richtet sich an audiophile Vinyl-Liebhaber. S&auml;mtliche Titel werden vollst&auml;ndig analog vom Masterband bis zur 180-Gramm-Pressung bei Quality Record Pressings in den USA gefertigt. Laminierte Tip-on-Gatefold-H&uuml;llen und hochwertige Innenh&uuml;llen unterstreichen den Premium-Anspruch der Reihe.
Mit der <a href="https://www.jazzecho.de/verve-vault" target="_blank" rel="noopener">Verve Vault Serie </a>hat Verve zugleich eine neue, preislich attraktiver positionierte LP-Reihe ins Leben gerufen. Trotz des moderaten Preises wird auch hier gro&szlig;er Wert auf Qualit&auml;t gelegt: S&auml;mtliche Titel werden von Ryan K. Smith bei Sterling Sound direkt von den analogen Originalb&auml;ndern neu geschnitten und gemastert und anschlie&szlig;end bei Optimal auf 180-Gramm-Vinyl gepresst.
Den Auftakt der Ver&ouml;ffentlichungen bildete im August 2025 <a href="https://www.jazzecho.de/verve-acoustic-sounds-series/diskografie/the-john-coltrane-quartet-plays-acoustic-sounds-1189261" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;The John Coltrane Quartet Plays&ldquo;</a>. Das Album entstand wenige Monate nach dem epochalen Album &bdquo;A Love Supreme&ldquo; und zeigt das klassische Quartett mit McCoy Tyner, Jimmy Garrison und Elvin Jones in einer Phase des musikalischen Umbruchs. Zwischen dem &uuml;berraschend zug&auml;nglichen Titel &bdquo;Chim Chim Cher-ee&ldquo;, einer ber&uuml;hrenden Interpretation von &bdquo;Nature Boy&ldquo; sowie den intensiven Eigenkompositionen &bdquo;Bras&iacute;lia&ldquo; und &bdquo;Song Of Praise&ldquo; verabschiedet sich Coltrane hier von der vertrauten Quartett&auml;sthetik, bevor er neue musikalische Wege einschl&auml;gt.
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Im April 2026 folgte mit <a href="https://www.jazzecho.de/johncoltrane/diskografie/john-coltrane-africabrass-acoustic-sounds-1292300" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Africa/Brass&ldquo; </a>Coltranes erstes Album f&uuml;r Impulse! Records. Gemeinsam mit einem bis zu siebzehnk&ouml;pfigem Ensemble verbindet der Saxofonist hier orchestrale Klangfarben mit modalen Improvisationen. Das monumentale Titelst&uuml;ck, die lyrische Interpretation von &bdquo;Greensleeves&ldquo; und &bdquo;Blues Minor&ldquo; markieren den Beginn jener k&uuml;nstlerischen Entwicklung, die seine Musik in den folgenden Jahren immer weiter &ouml;ffnen sollte.
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Mit <a href="https://www.jazzecho.de/verve-vault/diskografie/john-coltrane-ascension-i-ii-verve-vault-1292736" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Ascension I &amp; II&ldquo;</a> erschien im Juni ein erstes Coltrane-Werk in der neuen Verve Vault Serie. Das monumentale Free-Jazz-Werk, aufgenommen im Juni 1965 mit einem zehnk&ouml;pfigen Ensemble um Freddie Hubbard, Archie Shepp, Pharoah Sanders und John Tchicai, z&auml;hlt zu den radikalsten und einflussreichsten Alben der Jazzgeschichte. Erstmals erscheinen hier beide damals eingespielten Fassungen gemeinsam auf einem Doppelalbum &ndash; sowohl der urspr&uuml;nglich ver&ouml;ffentlichte zweite Take als auch die von Coltrane bevorzugte erste Version.
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Ebenfalls im Juni erschien in der Acoustic Sounds Serie <a href="https://www.jazzecho.de/verve-acoustic-sounds-series/diskografie/john-coltrane-impressions-acoustic-sounds-1292634" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Impressions&ldquo;</a>, das Live- und Studioaufnahmen aus den Jahren 1961 bis 1963 vereint. Die legend&auml;ren Mitschnitte aus dem Village Vanguard mit Eric Dolphy stehen neben den Studiotiteln &bdquo;After The Rain&ldquo; und &bdquo;Up &rsquo;Gainst The Wall&ldquo; und dokumentieren eindrucksvoll die rasante Entwicklung von Coltranes modaler Spielweise sowie die au&szlig;ergew&ouml;hnliche Interaktion seines Quartetts.
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Weitere Ver&ouml;ffentlichungen werden folgen, bereits angek&uuml;ndigt ist das am 14. August in der Verve Vault Serie erscheinende Album <a href="https://www.jazzecho.de/verve-vault/diskografie/john-coltrane-meditations-verve-vault-1293667" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Meditations&ldquo;</a>.
Innerhalb seiner beiden LP-Reihen w&uuml;rdigt das Verve-Label den 100. Geburtstag John Coltranes indem es einige der wichtigsten Stationen seines Schaffens auf Impulse! Records in herausragender analoger Qualit&auml;t erneut zug&auml;nglich macht &ndash; vom klassischen Quartett bis zu den vision&auml;ren Free-Jazz-Experimenten seiner letzten Schaffensphase.

Linda Sikhakhane kündigt neues Blue-Note-Album an

<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%; font-family: 'Aptos',sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: Aptos; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: 'Times New Roman'; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-ansi-language: DE; mso-fareast-language: EN-US; mso-bidi-language: AR-SA;">Am 4. September erscheint &bdquo;L I N D A&ldquo;, das neue Album des s&uuml;dafrikanischen Saxofonisten Linda Sikhakhane. Produziert wurde es von Pianist und Mentor Nduduzo Makhathini.

Der s&uuml;dafrikanische Saxofonist und Komponist<a href="https://www.bluenote.com/artist/linda-sikhakhane/" target="_blank" rel="noopener"> Linda Sikhakhane</a> ver&ouml;ffentlicht am 4. September mit seinem bislang f&uuml;nften Studioalbum <a href="https://www.jazzecho.de/linda-sikhakhane/diskografie/l-i-n-d-a-1295013" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;L I N D A&ldquo;</a> seine bislang pers&ouml;nlichste Produktion und verbindet darauf spirituelle Reflexionen mit der Tradition des s&uuml;dafrikanischen Jazz sowie zeitgen&ouml;ssischen Einfl&uuml;ssen aus Hip-Hop, Neo-Soul und Amapiano. Damit begeht er einen musikalisch &auml;hnlichen Weg wie sein Mentor, Pianist <a href="https://www.jazzecho.de/nduduzo-makhathini/biografie" target="_blank" rel="noopener">Nduduzo Makhathini</a>, der das Album produzierte.
Linda Sikhakhane erforscht Identit&auml;t und Lebenssinn
Mit &bdquo;L I N D A&ldquo; nimmt Sikhakhane seinen eigenen Namen als Ausgangspunkt f&uuml;r eine musikalische Auseinandersetzung mit Identit&auml;t und Gemeinschaft. Der in Umlazi geborene afrikanische Musiker, dessen famili&auml;re Wurzeln in KwaNongoma liegen, verbindet pers&ouml;nliche Erfahrungen mit kultureller Erinnerung und versteht Selbstfindung als einen Prozess, der stets im Austausch mit anderen entsteht.
Musikalische G&auml;ste: Omagugu, Zuluboy, Thabo Sikhakhane und Nduduzo Makhathini
Den Auftakt macht die Vorabsingle <a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/02Wod8VLumZiz6Qlr1vynH?si=c2rgTxQaSkK5tdSNs7RWKg" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Days Begin To Sing&ldquo;</a>, eine von S&auml;ngerin Omagugu interpretierte Hymne auf innere Bestimmung und transzendente Liebe. Rapper&nbsp;Zuluboy vertieft auf dem Albumtrack &bdquo;Ilanga&ldquo; die zentrale Botschaft des Albums mit einer poetischen Suche nach Orientierung und Hoffnung.
Auch famili&auml;re Beziehungen pr&auml;gen das Album. Auf &bdquo;Uzalo&ldquo; ist Sikhakhanes j&uuml;ngerer Bruder, der Trompeter Thabo Sikhakhane, zu h&ouml;ren. Das St&uuml;ck widmet sich den Themen Abstammung und generations&uuml;bergreifender Verbundenheit. Auf &bdquo;Izibusiso&ldquo; ist der aufstrebende S&auml;nger Ovuyonke mit einer Komposition von Nduduzo Makhathini zu h&ouml;ren, die eine Br&uuml;cke zwischen verschiedenen Generationen s&uuml;dafrikanischer Jazzmusiker schl&auml;gt.
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S&uuml;dafrikanischer Jazz trifft Hip-Hop, Neo-Soul und Amapiano
Wie schon auf seinem Blue-Note-Vorg&auml;ngeralbum&nbsp;<a href="https://www.jazzecho.de/linda-sikhakhane/diskografie/iladi-996347" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;iLadi&ldquo;</a> erweitert Linda Sikhakhane auf&nbsp;&bdquo;L I N D A&ldquo; die Sprache des s&uuml;dafrikanischen Jazz mit Hip-Hop, Mzansi, Neo-Soul und Amapiano, ohne seine musikalischen Wurzeln aus den Augen zu verlieren. So entsteht ein Album, das gleicherma&szlig;en von kulturellem Erbe wie musikalischer Neugier gepr&auml;gt ist. Das Album erscheint am 4. September auf CD und digital.

Charles Lloyd erinnert an Zakir Hussain

Das gerade erschienene Charles-Lloyd-Album &bdquo;Sangam &amp; Friends&ldquo; ist ein musikalisches Verm&auml;chtnis zwischen Jazz und indischer Klassik.

Manche Alben sind weit mehr als eine Sammlung von Aufnahmen. Sie erz&auml;hlen von Freundschaft, gegenseitigem Respekt und einer gemeinsamen musikalischen Vision.<a href="https://www.jazzecho.de/charleslloyd/diskografie/sangam-friends-lp-1293450" target="_blank" rel="noopener"> &bdquo;Sangam &amp; Friends&ldquo;</a> geh&ouml;rt in diese Kategorie. Mehr als zwanzig Jahre verband den amerikanischen Saxofonisten <a href="https://www.jazzecho.de/charleslloyd/biografie" target="_blank" rel="noopener">Charles Lloyd</a> und den indischen Tabla-Meister <a href="https://zakirhussain.com/zakir/" target="_blank" rel="noopener">Zakir Hussain</a> eine au&szlig;ergew&ouml;hnliche k&uuml;nstlerische Partnerschaft. Nach Hussains Tod im Dezember 2024 erscheint nun ein Album, das nicht nur bislang unver&ouml;ffentlichte Studioaufnahmen ans Licht bringt, sondern zugleich das Verm&auml;chtnis eines der bedeutendsten Perkussionisten unserer Zeit w&uuml;rdigt. Exklusiv im JazzEcho-Store ist es als <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/charles-lloyd-sangam-friends-118209" target="_blank" rel="noopener">limitierte gelbe LP</a>&nbsp;erh&auml;ltlich, auch mit <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/charles-lloyd/products/charles-lloyd-sangam-friends-119330" target="_blank" rel="noopener">handsignierter Art Card</a> und in starker Limitierung mit einer zus&auml;tzlichen&nbsp;<a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/charles-lloyd/products/charles-lloyd-sangam-friends-119335" target="_blank" rel="noopener">Whitelabel-Variante&nbsp;des Albums</a>.
<h3 class="MsoNoSpacing">Dialog zwischen Jazz und Weltmusik</h3>
Charles Lloyd z&auml;hlt zu den wenigen Musikern, die den modernen Jazz &uuml;ber Jahrzehnte hinweg immer wieder neu definiert haben. Seine Karriere ist gepr&auml;gt von stilistischer Offenheit, spiritueller Tiefe und einer ungebrochenen Neugier auf andere Kulturen und musikalische Traditionen.
Nach seinem Wechsel von ECM zu Blue Note Records im Jahr 2015 entstand dort eine weitere Reihe bemerkenswerter Produktionen, die Lloyd als einen der gro&szlig;en Elder Statesmen des zeitgen&ouml;ssischen Jazz best&auml;tigen. Elf Alben ver&ouml;ffentlichte er seither bei Blue Note &ndash; jedes davon Ausdruck einer k&uuml;nstlerischen Haltung, die Begegnung stets &uuml;ber Abgrenzung stellt. Ein besonderer H&ouml;hepunkt dieser Schaffensphase war <a href="https://www.jazzecho.de/charleslloyd/diskografie/trios-sacred-thread-lp-807221" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Trio: Sacred Thread&ldquo; </a>(2022), auf dem Lloyd erneut mit Zakir Hussain zusammentraf.
<h3 class="MsoNoSpacing">Das Sangam-Trio schrieb Jazzgeschichte</h3>
Die Geschichte von Sangam begann bereits 2001 mit den ersten gemeinsamen Auftritten von Charles Lloyd und Zakir Hussain. Drei Jahre sp&auml;ter komplettierte Schlagzeuger Eric Harland das Ensemble. Das 2006 bei ECM ver&ouml;ffentlichte Album <a href="https://www.jazzecho.de/charleslloyd/diskografie/sangam-95995" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Sangam&ldquo;</a> entwickelte sich rasch zu einem Meilenstein jener Musik, die sich jeder stilistischen Schublade entzieht. Statt Jazz und indische Klassik lediglich miteinander zu verschmelzen, entstand ein musikalischer Dialog auf Augenh&ouml;he. Improvisation, Rhythmus und Spiritualit&auml;t begegneten sich mit bemerkenswerter Selbstverst&auml;ndlichkeit. Obwohl das Trio in den folgenden Jahren regelm&auml;&szlig;ig auf Tournee ging, blieb ein weiteres Studioalbum aus.
Mit Zakir Hussains Tod schien dieses Kapitel endg&uuml;ltig abgeschlossen. Umso bewegender wirkt nun die Ver&ouml;ffentlichung von &bdquo;Sangam &amp; Friends&ldquo;. Das Album basiert auf bislang unver&ouml;ffentlichten Aufnahmen, die bereits 2009 in Mumbai entstanden, jedoch nie zu einem Album komplettiert wurden.
<h3 class="MsoNoSpacing">Die Mumbai-Sessions vereinen herausragende Musiker der indischen Klassik</h3>
Aufgenommen wurden die St&uuml;cke unmittelbar nach dem traditionellen &bdquo;Abbaji&ldquo;-Konzert, mit dem Zakir Hussain allj&auml;hrlich seinen Vater Alla Rakha ehrte. Der legend&auml;re Tabla-Spieler geh&ouml;rte zu den wichtigsten Botschaftern der nordindischen klassischen Musik und pr&auml;gte Generationen von Musikerinnen und Musikern.
F&uuml;r Charles Lloyd schloss sich damit ein pers&ouml;nlicher Kreis. Bereits Ende der 1950er-Jahre hatte er Alla Rakha w&auml;hrend seines Studiums an der University of Southern California kennengelernt. Sp&auml;ter erinnerte sich Lloyd daran, durch diese Begegnung erstmals &bdquo;den Ruf von Mother India&ldquo; vernommen zu haben.
Entsprechend hochkar&auml;tig war die Besetzung der Sessions. Mitwirkende wie der karnatische S&auml;nger Vijay Prakash, Bansuri-Meister Rakesh Chaurasia, Sarangi-Virtuose Sabir Khan, Keyboarder Ranjit Barot und Sitar-Spieler Niladri Kumar erweitern den Klangkosmos des Sangam-Trios um weitere Facetten der indischen Musiktradition. Gemeinsam entsteht eine faszinierende Klanglandschaft, in der kulturelle Grenzen ihre Bedeutung verlieren.
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<h3 class="MsoNoSpacing">Die besondere Atmosph&auml;re in Mumbai</h3>
Wie intensiv diese Tage erlebt wurden, schildert Produzentin Dorothy Darr in den Liner Notes des Albums eindrucksvoll: &bdquo;Indien zum ersten Mal zu erleben, war eine intensive und gro&szlig;artige Erfahrung. Mumbai ist ein Gewimmel von Menschen, mit vielschichtigen Kl&auml;ngen, pr&auml;chtigen Farben und exotischen Aromen. Es hat uns auf jeder Ebene tief bewegt.&ldquo;
Besonders das &bdquo;Abbaji&ldquo;-Konzert habe laut Darr nachhaltige Spuren hinterlassen. Die expressiven Kl&auml;nge der Sarangi, die schwebenden Melodien der Bansuri, der charakteristische Ton der Sitar und die menschliche Stimme seien anschlie&szlig;end mit ins Nirvana Studio genommen worden, als Inspiration f&uuml;r eine Musik, die sich frei zwischen den Traditionen bewegt.
<h3 class="MsoNoSpacing">Archivaufnahmen vervollst&auml;ndigen Album &bdquo;Sangam &amp; Friends&ldquo;</h3>
Der Gro&szlig;teil des Albums entstand an nur einem Tag im Februar 2009. Eine sp&auml;tere Fortsetzung der Sessions war zwar geplant, lie&szlig; sich jedoch nie realisieren. F&uuml;r die nun ver&ouml;ffentlichte Fassung erg&auml;nzten Charles Lloyd und Blue Note Records das Material nun behutsam um ausgew&auml;hlte Archivaufnahmen.
Dazu geh&ouml;rt das lebensfrohe &bdquo;Jai Ganga&ldquo;, ebenso wie &bdquo;Sam On The Ganges&ldquo;. Letzterer Titel greift Charles Lloyds Komposition &bdquo;Sombrero Sam&ldquo; auf, die bereits 1966 auf dem Album &bdquo;Dream Weaver&ldquo; mit Keith Jarrett, Cecil McBee und Jack DeJohnette erschien. Die Neuinterpretation verbindet Vergangenheit und Gegenwart auf ebenso elegante wie spielerische Weise.
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Verve Acoustic Sounds Serie - Überflieger an der Trompete

Auf seinem ersten Album f&uuml;r Impulse! Records konnte Trompeter Freddie Hubbard laut eigener Aussage 1962 zum ersten Mal sein ganzes Potenzial entfalten: als Solist mit einer Wunschband, Komponist und Arrangeur.

Mit der Verve Acoustic Sounds Serie bietet Verve Vinyl-Fans in Zusammenarbeit mit dem bekannten amerikanischen Acoustic-Sounds-Label seine erste audiophile LP-Serie. Die Fertigung erfolgt mit rein analogen Produktionsschritten vom Erste-Generation-Masterband bis zur 180g-Pressung bei Quality Record Pressings in den USA. Den luxuri&ouml;sen Rahmen bieten laminierte Tip-On-Gatefold-Sleeves und wattierte Innenh&uuml;llen. Auch Alben von Verve-Schwesterlabels wie Impulse!, Mercury und Emarcy finden sich in der hochwertigen Serie wieder.
Wenngleich der Trompeter <a href="https://freddiehubbardmusic.com/" target="_blank" rel="noopener">Freddie Hubbard</a> zuvor bereits vier gefeierte Alben bei Blue Note Records ver&ouml;ffentlicht hatte, betrachtete er <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/freddie-hubbard-the-artistry-of-freddie-hubbard-acoustic-sounds-117276" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;The Artistry of Freddie Hubbard&rdquo;</a> als das Album, mit dem ihm der pers&ouml;nliche Durchbruch gelang. Als er es im Juni 1962 f&uuml;r Impulse! Records einspielte, befand er sich in einer entscheidenden fr&uuml;hen Phase seiner Karriere. Das Album, das stilistisch zwischen Bebop und Hard Bop angesiedelt ist, r&uuml;ckte Hubbards technische Brillanz, seinen warmen Ton und sein rhythmisches Gesp&uuml;r in den Fokus. Zudem arrangierte er auch zum ersten Mal alle St&uuml;cke eines Albums selbst. 
Bei der Auswahl der Mitmusiker und des Repertoires lie&szlig; ihm der Produzent Bob Thiele freie Hand. Neben drei eigenen Kompositionen arrangierte er f&uuml;r sein agiles Sextett zwei Klassiker: &ldquo;Caravan&rdquo; von Duke Ellington und Juan Tizol sowie &ldquo;Summertime&rdquo; von den Gershwin-Br&uuml;dern und&nbsp;DuBose Heyward. &ldquo;Ich hatte das Gef&uuml;hl, endlich die Jungs beisammen zu haben, die ich schon immer wollte&rdquo;, erinnerte er sich Jahre sp&auml;ter. &ldquo;Die Jungs&rdquo; waren der Tenorsaxofonist John Gilmore, der Pianist Tommy Flanagan, der Bassist Art Davis, der Schlagzeuger Louis Hayes und der gro&szlig;artige Posaunist Curtis Fuller, der seinerzeit auch mit Hubbard in Art Blakeys Jazz Messengers zusammenspielte. &ldquo;Das sind einige wirklich vielversprechende junge Talente, die ein klassisches Format neu beleben&rdquo;, kann man in der AllMusic-Rezension des Albums lesen, das dort vier von f&uuml;nf Sternen erhielt. &ldquo;Hubbards Soli zeigen, warum er der meistdiskutierte junge Trompeter jener Zeit war.&rdquo;
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Zweimal Jordan Rakei: Songsammlung „Between Us“ als EP erschienen & neues Album vorbestellbar

<span style="font-size: 12.0pt; line-height: 115%; font-family: 'Aptos',sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: Aptos; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: 'Times New Roman'; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-ansi-language: DE; mso-fareast-language: EN-US; mso-bidi-language: AR-SA;">Jordan Rakei schl&auml;gt das n&auml;chste Kapitel seiner Karriere auf: Die EP &bdquo;Between Us&ldquo; ist ab sofort auch als physische Ver&ouml;ffentlichung erh&auml;ltlich, gleichzeitig startet der Vorverkauf seines neuen Albums &bdquo;A Safe Place To Be Wild&ldquo;.

Nach dem Erfolg seines gefeierten f&uuml;nften Studioalbums <a href="https://www.jazzecho.de/jordan-rakei/diskografie/the-loop-986668">&bdquo;The Loop&ldquo;</a> (2024) richtet <a href="https://www.jazzecho.de/jordan-rakei" target="_blank" rel="noopener">Jordan Rakei </a>den Blick nach vorn. Mit der EP <a href="https://www.jazzecho.de/jordan-rakei/diskografie/between-us-d2c-excl-ep-1292821" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Between Us&ldquo;</a> und dem f&uuml;r den Herbst 2026 angek&uuml;ndigten Album <a href="https://www.jazzecho.de/jordan-rakei/diskografie/a-safe-place-to-be-wild-black-lp-1294999" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;A Safe Place To Be Wild&ldquo; </a>setzt der neuseel&auml;ndisch-britische Multiinstrumentalist, S&auml;nger und Produzent seine kreative Reise konsequent fort. Fans k&ouml;nnen die bislang nur digital erschienene EP ab sofort exklusiv im JazzEcho-Store auch als physische Edition erwerben, besonders attraktiv ist die Variante <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/jordan-rakei-between-us-117702" target="_blank" rel="noopener">inklusive handsignierter Artcard</a>. Gleichzeitig ist Jordan Rakeis neues Album &bdquo;A Safe Place To Be Wild&ldquo; ab sofort vorbestellbar, von dem die erste Single <a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/32mATjC51wowHBVY5rNlwC?si=UAspwDUxShuRTR8lIIBRmQ" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Enemies&ldquo; </a>bereits einen Vorgeschmack liefert.
<h3 class="MsoNormal">&bdquo;Between Us&ldquo; f&auml;ngt den Moment ein</h3>
Mit der EP &bdquo;Between Us&ldquo; kn&uuml;pft Jordan Rakei unmittelbar an die k&uuml;nstlerische Entwicklung an, die er mit &bdquo;The Loop&ldquo; begonnen hat. Die f&uuml;nf Tracks entstanden w&auml;hrend seiner Zeit als erster Artist in Residence der legend&auml;ren Abbey Road Studios und basieren auf einem ungew&ouml;hnlichen Konzept: Jeder Song entstand im Rahmen einer eint&auml;gigen Writing-Session mit einem eingeladenen Gastk&uuml;nstler oder einer Gastk&uuml;nstlerin.
Zu den Kollaborationspartnern z&auml;hlen Soul-S&auml;nger Jalen Ngonda, JUNGLE-Mitgr&uuml;nder Tom McFarland, Ezra-Collective-Bandleader Femi Koleoso, der franz&ouml;sische Multiinstrumentalist FKJ sowie Saxofonistin Nubya Garcia. Das Ergebnis ist eine Sammlung spontaner, unmittelbarer Aufnahmen, die den kreativen Austausch in den Mittelpunkt stellen.
Die EP ist ab sofort auch als physische Edition <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/jordan-rakei" target="_blank" rel="noopener">exklusiv im JazzEcho-Store</a> erh&auml;ltlich.
<h3 class="MsoNormal">Neues Album k&uuml;ndigt kreativen Neuanfang an</h3>
Parallel hat Jordan Rakei sein sechstes Studioalbums &bdquo;A Safe Place To Be Wild&ldquo; angek&uuml;ndigt, das am 30. Oktober 2026 erscheinen wird. Zehn Jahre nach seinem Deb&uuml;t &bdquo;Cloak&ldquo; beschreibt der K&uuml;nstler das Werk als Beginn eines neuen Kapitels &ndash; pers&ouml;nlicher, freier und experimentierfreudiger als je zuvor.
&bdquo;A Safe Place To Be Wild&ldquo; kann ab sofort vorbestellt werden. Speziell die beiden limitierten Formate mit handsignierter Artcard (<a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/jordan-rakei/products/jordan-rakei-a-safe-place-to-be-wild-119652" target="_blank" rel="noopener">farbiges Vinyl</a> und <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/jordan-rakei/products/jordan-rakei-a-safe-place-to-be-wild-119659" target="_blank" rel="noopener">CD</a>) k&ouml;nnten schon bald vergriffen sein. Zus&auml;tzlich erscheint das Album auch als&nbsp;<a href="https://www.hhv.de/records/artikel/jordan-rakei-a-safe-place-to-be-wild-hhv-gsa-exclusive-red-vinyl-edition-1432132" target="_blank" rel="noopener">rote LP exklusiv bei HHV</a>.
Statt festen Konzepten oder Erwartungen zu folgen, lie&szlig; Rakei Intuition und Spielfreude den Ton angeben. Entstanden ist ein Album, das Neo-Soul, Jazz, R&amp;B, Elektronik und orchestrale Elemente ebenso selbstverst&auml;ndlich verbindet wie intime Songtexte &uuml;ber Familie, Liebe, Selbstzweifel und pers&ouml;nliche Entwicklung.
&bdquo;Ich habe ohne Regeln gearbeitet, einfach ausprobiert und mich bewusst in das Unbekannte begeben&ldquo;, erkl&auml;rt Rakei. &bdquo;Es f&uuml;hlt sich an wie Kapitel II meiner Karriere.&ldquo;
<h3 class="MsoNormal">&bdquo;Enemies&ldquo; gibt ersten Vorgeschmack</h3>
Mit &bdquo;Enemies&ldquo; ist die erste Single aus&nbsp;&bdquo;A Safe Place To Be Wild&ldquo; erschienen. Der Song verbindet selbstbewusste Energie mit einem klaren Blick nach vorn und handelt davon, sich von alten Konflikten zu l&ouml;sen und negative Erfahrungen in neue St&auml;rke zu verwandeln.
&bdquo;Es ist ein Song dar&uuml;ber, sich nichts mehr gefallen zu lassen und alte Dynamiken in positive Energie zu verwandeln&ldquo;, sagt Rakei. &bdquo;Gewidmet ist er allen Feinden meiner Vergangenheit.&ldquo;
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Jordan Rakeis&nbsp;A SAFE PLACE TO BE WILD TOUR wird ihn 2027 auch in unsere Gefilde bringen:
29. M&auml;rz 2027 &ndash; Hamburg - Gro&szlig;e Freiheit
31. M&auml;rz 2027 &ndash; Berlin - Huxleys
04. April 2027 &ndash; Wien (A) -&nbsp;&nbsp;Arena
06. April 2027 &ndash; Z&uuml;rich (CH) - Kaufleuten
14. April 2027 &ndash; K&ouml;ln - Stadthalle

Blue Note Classic Vinyl Serie - Young Lions mit All-Star-Unterstützung

Wer wissen m&ouml;chte, weshalb der Hard Bop Anfang der 1960er Jahre so popul&auml;r war, findet die Antwort auf zwei mitrei&szlig;enden Alben der Trompeter Freddie Hubbard und Lee Morgan.

Die Blue Note Classic Vinyl Serie macht die klassischen Alben des Labels zum attraktiven Preis dauerhaft verf&uuml;gbar. Die ersten Folgen erschienen bereits 2019 zum achtzigsten Labeljubil&auml;um unter dem Serientitel Blue Note 80. Gemastert werden die LPs von Kevin Gray bei Cohearent Audio in den USA, gepresst in 180g bei Optimal in Deutschland. Original-Coverdesign und cellophanierte Innenh&uuml;llen geh&ouml;ren bei dieser Serie zum guten Ton.
<h3 class="MsoNormal">Freddie Hubbard - Goin&rsquo; Up</h3>
Auf seinem zweiten Blue-Note-Album <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/blue-note-classic-vinyl-series/products/freddie-hubbard-goin-up-117251" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Goin&rsquo; Up&rdquo;</a> l&ouml;ste Freddie Hubbard das Versprechen ein, das er nur f&uuml;nf Monate zuvor auf seinem Deb&uuml;talbum <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/freddie-hubbard-open-sesame?_pos=1&amp;_psq=open&amp;_psid=ac230bc11&amp;_ss=e&amp;_v=1.0" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Open Sesame&rdquo;</a> gegeben hatte. &ldquo;Goin&rsquo; Up&rdquo; machte mehr als deutlich, weshalb der damals 22-J&auml;hrige zu Beginn der 1960er Jahre zu den aufregendsten neuen Trompetern der Jazzszene geh&ouml;rte. Dies spiegelte sich auch in der hochkar&auml;tigen Besetzung wider, mit der er im November 1960 die Aufnahmen in Rudy Van Gelders Studio in Englewood Cliffs machte: Hank Mobley am Tenorsaxofon mit McCoy Tyner am Klavier, Paul Chambers am Bass und Philly Joe Jones am Schlagzeug&nbsp; - allesamt Musiker, die in dieser Zeit mit Miles Davis und/oder John Coltrane spielten. Hubbard er&ouml;ffnet das Set mit drei energiegeladenen Hard-Bop-Nummern von Kenny Dorham (&ldquo;Asiatic Raes&rdquo; und &ldquo;Karioka&rdquo;) und Hank Mobley (&ldquo;A Peck A Sec&rdquo;) sowie dem coolen, mehr laid-back gespielten St&uuml;ck &ldquo;The Changing Scene&rdquo;, das ebenfalls aus der Feder des Tenorsaxofonisten stammt. Danach drosselt die Band das Tempo f&uuml;r die exquisite Ballade &ldquo;I Wish I Knew&rdquo; von Bill Smith, bevor sie das Album mit Hubbards schwungvollem &ldquo;Blues for Brenda&rdquo; zum Abschluss bringt.
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<h3 class="MsoNormal">Lee Morgan - Lee-Way</h3>
Zwischen November 1956 und Februar 1958 hatte der emsige und ideenreiche Trompeter Lee Morgan sieben Alben f&uuml;r Blue Note eingespielt. Dann legte er eine mehr als zweij&auml;hrige Pause ein, um sich auf seine neue Arbeit mit Art Blakeys Jazz Messengers zu konzentrieren. Erst am 28. April 1960 kehrte Morgan schlie&szlig;lich ins Studio von Rudy Van Gelder in Englewood Cliffs zur&uuml;ck, um mit <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/blue-note-classic-vinyl-series/products/lee-morgan-lee-way-117248" target="_blank" rel="noopener">&ldquo;Lee-Way&rdquo;</a>&nbsp;ein neues Soloalbum f&uuml;r Blue Note einzuspielen. Im Schlepptau hatte er den damaligen Messengers-Pianisten Bobby Timmons und sogar den Schlagzeug-Maestro Art Blakey selbst. Komplettiert wurde das Spitzenquintett durch den Altsaxofonisten Jackie McLean, einen ehemaligen Jazz Messenger, und den Bassisten Paul Chambers. Was an diesem Tag entstand, war eine Hard-Bop-Aufnahme der Extraklasse. Das Programm bestand aus vier St&uuml;cken mit Laufzeiten zwischen acht und zw&ouml;lf Minuten, die allen Musikern viel Raum boten, um sich frei zu entfalten und ihre Ideen zu verwirklichen. Neben zwei wunderbaren Kompositionen des Trompeters Cal Massey (&ldquo;These Are Soulful Days&rdquo; und &ldquo;Nakatini Suite&rdquo;) und einer von Jackie McLean (&ldquo;Midtown Blues&rdquo;) pr&auml;sentierte Morgan mit &ldquo;The Lion and the Wolf&rdquo; eine selbst verfasste, mitrei&szlig;ende Hommage an die beiden Blue-Note-Gr&uuml;nder Alfred Lion und Francis Wolff.
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Der perfekte Einstieg in die Welt des Jazz-Vinyl

Mit den Blue Note Essentials startet das legend&auml;re Label eine preiswerte Vinyl-Reihe f&uuml;r Einsteiger. Die ersten f&uuml;nf LPs vereinen Klassiker von Art Blakey, Chet Baker, Herbie Hancock, Horace Silver und Lee Morgan zum attraktiven Preis.

Kaum ein Label hat die Geschichte des modernen Jazz so nachhaltig gepr&auml;gt wie <a href="https://www.jazzecho.de/labels/blue-note-6296" target="_blank" rel="noopener">Blue Note Records</a>. Seit der Gr&uuml;ndung im Jahr 1939 steht der Name f&uuml;r musikalische Innovation, kompromisslose Klangqualit&auml;t und ikonisches Design. Mit den <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/blue-note-essentials-series" target="_blank" rel="noopener">Blue Note Essentials</a> startet man dort nun eine neue Vinyl-Serie, die sich gezielt an ein Publikum richtet, das den Jazz f&uuml;r sich entdeckt und dabei nicht auf Qualit&auml;t verzichten m&ouml;chte.
Die Essentials-LPs werden auf Basis von Original-High-Res-Mastern gefertigt und auf 140-Gramm-Vinyl gepresst. Blue Note positioniert die Reihe bewusst als erschwingliche Alternative zu hochpreisigeren audiophilen Editionen. So bietet sich Vinylfans die realistische M&ouml;glichkeit, Top-Alben des Genres in ihre LP-Sammlungen aufzunehmen.
<h3 class="MsoNoSpacing">F&uuml;nf Meisterwerke zum Auftakt</h3>
Der Serienstart k&ouml;nnte kaum hochkar&auml;tiger ausfallen. Die ersten f&uuml;nf Ver&ouml;ffentlichungen z&auml;hlen allesamt zu den wichtigsten Alben der Jazzgeschichte. In B&auml;lde wird die Serie um sechs weitere Klassiker erweitert. Geplant sind Ver&ouml;ffentlichungen von Cannonball Adderley, Wayne Shorter, Eric Dolphy, Kenny Burrell, Grant Green und John Coltrane.
<h3 class="MsoNoSpacing">Art Blakey &amp; The Jazz Messengers &ndash; Moanin'</h3>
Wenn ein Album den Hard Bop in seiner reinsten Form verk&ouml;rpert, dann ist es <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/blue-note-essentials-series/products/art-blakey-the-jazz-messengers-moanin-115416" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Moanin'&ldquo;</a>. Die 1958 entstandene Aufnahme mit Art Blakey, Lee Morgan, Benny Golson, Bobby Timmons und Jymie Merritt vereint Gospel, Blues und Bebop zu jener explosiven Mischung, die den Sound der Jazz Messengers weltber&uuml;hmt machte.
Der von Bobby Timmons komponierte Titelsong entwickelte sich rasch zu einem Jazz-Klassiker. Ebenso geh&ouml;ren Benny Golsons Kompositionen &bdquo;Along Came Betty&ldquo; und &bdquo;Blues March&ldquo; l&auml;ngst zum festen Repertoire zahlloser Jazzer. Mehr als sechs Jahrzehnte sp&auml;ter hat &bdquo;Moanin'&ldquo; nichts von seiner mitrei&szlig;enden Energie eingeb&uuml;&szlig;t und gilt bis heute als Referenzaufnahme des Hard Bop.
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<h3 class="MsoNoSpacing">Chet Baker Sings</h3>
Kaum ein Jazzalbum verbindet Cool Jazz, Romantik und Intimit&auml;t so &uuml;berzeugend wie <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/blue-note-essentials-series/products/chet-baker-chet-baker-sings-115424" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Chet Baker Sings&ldquo;</a>. Die zwischen 1954 und 1956 entstandenen Aufnahmen dokumentieren den Trompeter und S&auml;nger auf dem H&ouml;hepunkt seiner Ausstrahlung.
Begleitet von wechselnden Quartetten um Pianist Russ Freeman interpretiert Baker Standards wie &bdquo;My Funny Valentine&ldquo;, &bdquo;That Old Feeling&ldquo; oder &bdquo;I Fall In Love Too Easily&ldquo; mit einer Zerbrechlichkeit, die bis heute nichts von ihrer Wirkung verloren hat. Seine zur&uuml;ckhaltende Stimme und das lyrische Trompetenspiel sorgen f&uuml;r eine zeitlosen Atmosph&auml;re, die dieses Album zu einem der beliebtesten Jazzklassiker &uuml;berhaupt gemacht hat.
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<h3 class="MsoNoSpacing">Herbie Hancock &ndash; Maiden Voyage</h3>
Mit <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/blue-note-essentials-series/products/herbie-hancock-maiden-voyage-115426" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Maiden Voyage&ldquo;</a>&nbsp;erreichte Herbie Hancock 1965 einen der kreativen H&ouml;hepunkte seiner Blue-Note-Jahre. Gemeinsam mit Freddie Hubbard, George Coleman sowie seinen Miles-Davis-Kollegen Ron Carter und Tony Williams entstand ein Album, das bis heute als Meilenstein des modernen Jazz gilt.
Alle f&uuml;nf St&uuml;cke stammen aus Hancocks Feder und kreisen thematisch um das Meer. Der schwebende Titelsong, das energiegeladene &bdquo;Eye of the Hurricane&ldquo; oder das lyrische &bdquo;Dolphin Dance&ldquo; entwickelten sich l&auml;ngst zu modernen Standards. Die Kompositionen verbinden harmonische Raffinesse mit au&szlig;ergew&ouml;hnlicher melodischer Sch&ouml;nheit und zeigen Hancock als vision&auml;ren Klangarchitekten.
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<h3 class="MsoNoSpacing">Horace Silver &ndash; Song For My Father</h3>
Nur wenige Jazzkompositionen sind so unverwechselbar wie <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/blue-note-essentials-series/products/horace-silver-song-for-my-father-115428" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Song For My Father&ldquo;</a>. Der markante Bossa-Groove des Titelst&uuml;cks machte Horace Silver endg&uuml;ltig zu einer der pr&auml;genden Figuren des Hard Bop.
Das Album entstand aus zwei unterschiedlichen Studiosessions der Jahre 1963 und 1964 und dokumentiert zugleich den personellen Wandel seines Quintetts. Inspiriert von den kapverdischen Wurzeln seines Vaters sowie Eindr&uuml;cken einer Brasilienreise schuf Silver ein Werk, das Soul, Blues und lateinamerikanische Einfl&uuml;sse auf unverwechselbare Weise miteinander verbindet. Bis heute z&auml;hlt &bdquo;Song For My Father&ldquo; zu den meistgespielten Kompositionen des modernen Jazz.
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<h3 class="MsoNoSpacing">Lee Morgan &ndash; The Sidewinder</h3>
<a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/blue-note-essentials-series/products/lee-morgan-the-sidewinder-115433" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;The Sidewinder&ldquo;</a> markierte 1964 sowohl Lee Morgans k&uuml;nstlerisches Comeback als auch seinen gr&ouml;&szlig;ten kommerziellen Erfolg. Nachdem pers&ouml;nliche Krisen seine Karriere zeitweise ausgebremst hatten, kehrte der Trompeter mit einem Album zur&uuml;ck, das ihn endg&uuml;ltig in die erste Liga des Jazz katapultierte.
Gemeinsam mit Joe Henderson, Barry Harris, Bob Cranshaw und Billy Higgins pr&auml;sentiert Morgan f&uuml;nf eigene Kompositionen voller Energie, Groove und Spielfreude. Der unwiderstehliche Titelsong entwickelte sich zu einem &Uuml;berraschungshit weit &uuml;ber die Jazzszene hinaus und machte &bdquo;The Sidewinder&ldquo; zu einem der kommerziell erfolgreichsten Blue-Note-Alben aller Zeiten.
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Wieder auf Vinyl - Meisterwerke der Brazil-Musik - Teil 2

Das Bossa-Nova-Fieber war noch nicht abgeklungen, als sich in Brasilien schon der n&auml;chste Exportschlager entwickelte: die M&uacute;sica Popular Brasileira, kurz: MPB. Zwei weitere Klassiker erscheinen nun auf Vinyl.

Die 1960er und fr&uuml;hen 1970er Jahre standen in Brasilien musikalisch ganz im Zeichen gro&szlig;er j&auml;hrlicher Songfestivals, die live im Radio und Fernsehen &uuml;bertragen wurden und sich beim Publikum immenser Beliebtheit erfreuten. Die Festivals, die zugleich Wettbewerbe waren, brachten eine Flut neuer, au&szlig;ergew&ouml;hnlich talentierter K&uuml;nstler und K&uuml;nstlerinnen hervor. Viele von ihnen legten mit ihren Auftritten den Grundstein f&uuml;r eine beachtliche internationale Karriere. Nun werden f&uuml;nf legend&auml;re MPB-Alben in einer Sonderedition auf teils farbigem Vinyl neu herausgebracht. Jedes der Alben gilt als Meilenstein der lebendigen und facettenreichen brasilianischen Musik. Drei Alben sind vor kurzem erschienen: Gal Costa &amp; Caetano Veloso - <a href="https://www.jazzecho.de/various-artists-jazz/diskografie/caetano-veloso-gal-costa-domingo-lp-1292224" target="_blank" rel="noopener">"Domingo"</a>, Elis Regina - <a href="https://www.jazzecho.de/various-artists-jazz/diskografie/elis-regina-elis-lp-1292221" target="_blank" rel="noopener">"Elis"</a> und Caetano Veloso - <a href="https://www.jazzecho.de/various-artists-jazz/diskografie/caetano-veloso-transa-col-lp-1292225" target="_blank" rel="noopener">"Transa"</a>, jetzt kommen zwei weitere Meisterwerke hinzu.
Gilberto Gil - Louva&ccedil;&atilde;o
Dem aus Bahia stammenden S&auml;nger, Songwriter und Gitarristen Gilberto Gil gelang im Jahr 1966 der gro&szlig;e Durchbruch, als er in der von Elis Regina und Jair Rodrigues moderierten und &auml;u&szlig;erst beliebten Fernsehshow &ldquo;O Fino da Bossa&rdquo; mit seinen eigenen Songs vor nationalem Publikum auftreten durfte. Im darauffolgenden Jahr ver&ouml;ffentlichte das Philips-Label das Deb&uuml;talbum des damals 25-J&auml;hrigen unter dem Titel &ldquo;Louva&ccedil;&atilde;o&rdquo; . Darauf pr&auml;sentierte sich Gilberto Gil laut AllMusic als einer der &ldquo;brillantesten jungen Interpreten und Komponisten Brasiliens&rdquo;.&nbsp;In den Liedern, die er teils ganz allein, teils mit jungen Kollegen wie Caetano Veloso, Torquato Neto, Capinan, Geraldo Vandr&eacute; und Edy Star geschrieben hatte, offenbarte Gil seine Wurzeln in der Musik des brasilianischen Nordostens. W&auml;hrend viele seiner Zeitgenossen ihre Inspiration seinerzeit vor allem aus der Bossa Nova und dem Samba sch&ouml;pften, war Gilberto Gils Musik auch stark von Bai&atilde;o, Forr&oacute;, traditionellen Karnevalsm&auml;rschen und Balladen aus den 1950er Jahren beeinflusst. Zu den Klassikern des Repertoires z&auml;hlen unter anderem die St&uuml;cke&ldquo;Louva&ccedil;&atilde;o&rdquo;, &ldquo;Beira-Mar&rdquo;, &ldquo;Ensaio Geral&rdquo;, &ldquo;Roda&rdquo;, &ldquo;Viramundo&rdquo; und &ldquo;Prociss&atilde;o&rdquo;. Rund 60 Jahre nach seiner Erstver&ouml;ffentlichung, erscheint &ldquo;Louva&ccedil;&atilde;o&rdquo; nun in einer prachtvollen Neuauflage auf rotem Vinyl.
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Chico Buarque - Vida
&ldquo;Vida&rdquo; war das elfte Studioalbum von Chico Buarque und wurde im Jahr 1980 bei Philips Records ver&ouml;ffentlicht. Es markierte eine wichtige &Uuml;bergangsphase in der Karriere des aus Rio de Janeiro stammenden S&auml;ngers, Songwriters und Gitarristen. Der damals 36-J&auml;hrige offenbarte auf dem Album eine neue k&uuml;nstlerische Reife, die bei Kritikern und Fans gro&szlig;en Anklang fand. In den 1960er und 1970er war Buarque mit seinen politischen und sozialkritischen Liedern immer wieder ins Fadenkreuz der Milit&auml;rdiktatur geraten und hatte einige Zeit im italienischen Exil verbringen m&uuml;ssen. Auf &ldquo;Vida&rdquo; begann er, pers&ouml;nlichere und poetischere Themen in seinen Kompositionen zur Sprache zu bringen und soziale Fragen auf subtilere Weise zu behandeln. Passend dazu wurden die Songs von dem Pianisten und Arrangeur Francis Hime mit sparsamen orchestralen Arrangements versehen, die mit Minimalismus und zeitgen&ouml;ssischer brasilianischer Popmusik flirteten. Lieder wie &ldquo;Morena de Angola&rdquo;, &ldquo;Bastidores&rdquo; und &ldquo;Deixe a Menina&rdquo; geh&ouml;ren zu den markantesten Titeln des Repertoires. Zwei St&uuml;cke des Albums hatte Chico Buarque gemeinsam mit prominenten Partnern f&uuml;r international gefeierte brasilianische Kinofilme geschrieben: &ldquo;Bye, Bye Brasil&rdquo; gemeinsam mit Roberto&nbsp;Menescal f&uuml;r den gleichnamigen Film von for&nbsp;Cac&aacute;&nbsp;Diegues, der 1980 beim Filmfestival von Cannes f&uuml;r die Palme d&rsquo;Or nominiert war, sowie&nbsp; &ldquo;Eu Te Amo&rdquo; mit Ant&ocirc;nio Carlos Jobim f&uuml;r den gleichnamigen Film von Arnaldo Jabor. F&uuml;r letzteren Titel schrieb Tom Jobim auch das Arrangement und begleitet Buarque am Klavier. Der Klassiker &ldquo;Vida&rdquo; erscheint nun in einer Neuauflage auf gr&uuml;nem Vinyl.
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Mick Goodrick - eine Session vierer Meisterimprovisatoren

1978 nahm der Gitarrist Mick Goodrick mit "In Pas(s)ing" sein einziges ECM-Album unter eigenem Namen auf. Nun ist dieser Klassiker, der laut John Scofield nichts von seiner Aktualit&auml;t eingeb&uuml;&szlig;t hat, in der "Luminessence"-Reihe wieder auf Vinyl erschienen.

Der im November 2022 im Alter von 77 Jahren verstorbene Mick Goodrick war ein subtiler Meister der Gitarre und ein zur&uuml;ckhaltender, aber fantasievoller Komponist. In seiner f&uuml;nf Jahrzehnte umspannenden Karriere ver&ouml;ffentlichte er gerade mal ein halbes Dutzend Alben unter seinem Namen. An diese traurige Tatsache wurde man erst k&uuml;rzlich schmerzlich erinnert, als ECM Records unter dem Titel "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/feebles-fables-ferns-1283662">Feebles, Fables and Ferns</a>" bisher unver&ouml;ffentlichte Duo-Aufnahmen von Goodrick zusammen mit Fred Hersch aus dem Jahr 1988 herausbrachte. F&uuml;r das M&uuml;nchner Label hatte der damals 33-J&auml;hrige bereits im November 1978 im Talent Studio in Oslo sein erstaunliches, von&nbsp;Manfred Eicher produziertes Deb&uuml;talbum "In Pas(s)ing" eingespielt, das in der&nbsp;<a href="https://www.jazzecho.de/luminessence-series-ecm">Luminessence</a>-LP-Serie nun erstmals wieder auf Vinyl erscheint.&nbsp;
Der Albumtitel ist eine verschmitzte Anspielung auf den M&uuml;nchner Stadtteil Pasing, in dem ECM Records zu jener Zeit seine B&uuml;ros hatte. In einer Rezension des Albums pries das Magazin DownBeat Goodrick als&nbsp;"technisch einen der besten Musiker &uuml;berhaupt", w&auml;hrend Fred Hersch seinen Duo-Partner von 1988 voller&nbsp;Bewunderung den "Gitarrenfl&uuml;sterer" nannte. In einem Nachruf auf&nbsp;Goodrick bemerkte der Gitarrenkollege <a href="https://www.jazzecho.de/johnscofield/john-scofield-dave-holland-memories-of-home-2885">John Scofield</a> 2022 in der JazzTimes: "Als ich 1970 nach Boston zog um an der Berklee School zu studieren, war Mick der f&uuml;hrende Jazzgitarrist der Stadt. Ihn live in verschiedenen Formationen zu h&ouml;ren, war &auml;u&szlig;erst inspirierend. Er war der Innovativste auf der Jazzgitarre, die sich damals noch in einer Entwicklungsphase befand. [...] Ich lernte Mick n&auml;her kennen und sch&auml;tzte ihn als den gro&szlig;artigen Menschen, der er war. Ich durfte auch mit ihm spielen, was eine wertvolle Lernerfahrung war - ganz zu schweigen davon, dass es Spa&szlig; gemacht hat. Ich liebe sein ECM-Album &lsquo;In Pas(s)ing&rsquo;, ein besonderes Werk, das auch f&uuml;r heutige H&ouml;rer nichts von seiner Aktualit&auml;t verloren hat." F&uuml;r "In Pas(s)ing" wurde der Gitarrist, der auch ma&szlig;geblich zu&nbsp;Gary Burtons erfolgreicher Aufnahmeserie f&uuml;r ECM in den 1970er Jahren beigetragen&nbsp;hatte, von erstklassigen Musikern unterst&uuml;tzt: John Surman, der hier&nbsp;haupts&auml;chlich am Baritonsaxofon, aber auch an Sopransaxofon und Bassklarinette zu h&ouml;ren ist, dem Bassisten Eddie G&oacute;mez und&nbsp;Schlagzeuglegende <a href="https://www.jazzecho.de/jack-dejohnette">Jack DeJohnette</a>, der Goodrick sp&auml;ter in seine eigene&nbsp;Band Special Edition holte. In lockerem, lyrischem Zusammenspiel legen&nbsp;die vier Improvisatoren eine Session hin, die vor explosiver Spannung&nbsp;nur so knistert. Sie ist angereichert mit jeder Menge filigraner&nbsp;Interaktionen und Melodien, die auf subtile Weise einpr&auml;gsam sind. Der Melody Maker bezeichnete Goodrick in seiner Rezension des Albums aus dem&nbsp;Jahr 1979 als "Komponisten und Bandleader, der seiner Musik erlaubt, auf einem Fleck anmutig Pirouetten zu drehen", und f&uuml;hrte weiter aus: "Unter den aktuellen Gitarristen der ECM-Schule scheint er die beste Mischung aus traditionellen Tugenden und modernem Konzept zu besitzen. Modisch unaufdringlich, verleiht er der Musik dennoch seine eigene Handschrift:&nbsp;durch seinen coolen, singenden, verst&auml;rkten Ton, sein entschiedenes,&nbsp;aber sparsam eingesetztes Spiel bei der Begleitung und das wundersch&ouml;ne&nbsp;Zusammenspiel mit Surman." Auch die Mitmusiker Goodricks wurden in dem&nbsp;Artikel ausdr&uuml;cklich gew&uuml;rdig: "Dies ist auf jeden Fall eine der besten&nbsp;Aufnahmen Surmans seit Jahren. Nat&uuml;rlich sind G&oacute;mez und DeJohnette f&uuml;r&nbsp;den Erfolg der Platte von entscheidender Bedeutung - das Momentum, das&nbsp;sie erzeugen, ist beinahe &uuml;bernat&uuml;rlich diskret, aber absolut real." In der&nbsp;<a href="https://www.jazzecho.de/luminessence-series-ecm">Luminessence</a>-Serie von ECM Records erscheint "In Pas(s)ing" nun&nbsp;in einer hochwertigen Tip-on-Gatefold-H&uuml;lle mit neuen Linernotes von Joel Harrison und&nbsp;bisher unver&ouml;ffentlichten Archivfotos.
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Morgan Freeman und der Blues: vom Mississippi-Delta zur Abbey Road

Mit &bdquo;Morgan Freeman&rsquo;s Symphonic Blues Experience&ldquo; ver&ouml;ffentlicht der Oscar-Preistr&auml;ger digital ein Herzensprojekt mit Taj Mahal, Keb&rsquo; Mo&rsquo;, Shemekia Copeland und dem Chineke! Orchestra. Die CD folgt am 25. September, die LP am 16. Oktober.&nbsp;

&bdquo;Ich habe den Blues zum ersten Mal auf der Veranda meiner Gro&szlig;mutter im Mississippi-Delta geh&ouml;rt, und er hat mich nie wieder verlassen.&ldquo; Wenn <a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Morgan_Freeman" target="_blank" rel="noopener">Morgan Freeman</a> &uuml;ber den Blues spricht, geht es nicht um eine neu entdeckte Leidenschaft. Die Musik begleitet den Schauspieler seit seiner Kindheit. Mit <a href="https://open.spotify.com/intl-de/album/2pCUARTi6tBF0hMZtTz5ox?si=JSG86lUgRmWRmPZZX26fug" target="_blank" rel="noopener">&bdquo;Morgan Freeman&rsquo;s Symphonic Blues Experience&ldquo;</a>, das heute digital erscheint, macht der Oscar-Preistr&auml;ger diese lebenslange Verbindung nun zum Ausgangspunkt einer musikalischen Reise durch rund ein Jahrhundert Bluesgeschichte. Die CD des Albums folgt am 25. September, die LP am 16. Oktober.
<h3 class="MsoNormal">Morgan Freeman erz&auml;hlt 100 Jahre Bluesgeschichte</h3>
Wer dabei ein &uuml;berraschendes Gesangsdeb&uuml;t des Hollywood-Stars erwartet, wird allerdings entt&auml;uscht &ndash; oder vielleicht beruhigt. Freeman versteht sich bei dem Projekt vor allem als Produzent, Initiator und Erz&auml;hler. Seine unverwechselbare Stimme er&ouml;ffnet das Album zu Blind Willie Johnsons &bdquo;Dark Was the Night, Cold Was the Ground&ldquo;; die musikalische Hauptrolle &uuml;berl&auml;sst er einigen der profiliertesten Bluesmusikerinnen und -musiker der Gegenwart.
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Die zw&ouml;lf St&uuml;cke schlagen einen gro&szlig;en historischen Bogen: von Blind Willie Johnson und Robert Johnson &uuml;ber Son House, Elmore James und B.B. King bis zu &bdquo;I Lied To You&ldquo; aus dem Soundtrack von &bdquo;Sinners&ldquo;. Klassiker werden dabei nicht museal konserviert, sondern mit neuen Arrangements in einen gr&ouml;&szlig;eren Klangraum versetzt.
<h3 class="MsoNormal">Taj Mahal, Keb&rsquo; Mo&rsquo; und Shemekia Copeland treffen auf ein sensationelles Orchester</h3>
F&uuml;r das Projekt hat Freeman eine Besetzung zusammengebracht, die sich wie ein kleines Who&rsquo;s who des heutigen Blues liest. Taj Mahal &uuml;bernimmt Son Houses &bdquo;Death Letter Blues&ldquo;, Keb&rsquo; Mo&rsquo; widmet sich &bdquo;Cadillac Assembly Line&ldquo;, Alvin Youngblood Hart ist bei &bdquo;The Thrill Is Gone&ldquo; zu h&ouml;ren. Dazu kommen unter anderem Shemekia Copeland, James &bdquo;Super Chikan&ldquo; Johnson, Anthony &bdquo;Big A&ldquo; Sherrod, Keith Johnson, Adrienne &bdquo;Lady Adrena&ldquo; Ervin sowie Musikerinnen und Musiker aus dem Umfeld von Freemans Ground Zero Blues Club in Clarksdale, Mississippi.
Den entscheidenden klanglichen Kontrapunkt liefert das <a href="https://www.chineke.org/" target="_blank" rel="noopener">Chineke! Orchestra</a>. Das 2015 von Chi-chi Nwanoku gegr&uuml;ndete Ensemble gilt als Europas erstes professionelles Orchester mit mehrheitlich Schwarzen und ethnisch diversen Musikerinnen und Musikern. Seine Orchesterparts f&uuml;r Freemans Projekt entstanden in den Abbey Road Studios in London, w&auml;hrend weitere Aufnahmen in Lawrence &bdquo;Boo&ldquo; Mitchells traditionsreichen Royal Studios in Memphis eingespielt wurden.
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<h3 class="MsoNormal">Vom Mississippi-Delta zur Abbey Road</h3>
Gerade diese Verbindung macht die Idee hinter &bdquo;Morgan Freeman&rsquo;s Symphonic Blues Experience&ldquo; interessant. Hier soll der Blues nicht durch ein Sinfonieorchester &bdquo;veredelt&ldquo; werden. Vielmehr treffen zwei Klangwelten aufeinander, wobei die Geschichte und Ausdruckskraft des Blues das Zentrum bilden.
F&uuml;r Freeman ist diese Geschichte untrennbar mit der afroamerikanischen Erfahrung verbunden. Der Blues, sagt er, wurzele in Geschichten, die von Westafrika in den amerikanischen S&uuml;den getragen wurden, und sei zum Zeugnis eines ungebrochenen menschlichen Geistes geworden. Entsprechend versteht er das Album nicht allein als musikalisches Projekt, sondern auch als Erinnerung an die Menschen und Lebenswelten, aus denen diese Musik hervorgegangen ist.
So ungew&ouml;hnlich die Kombination aus Hollywood-Star, Delta Blues und Sinfonieorchester zun&auml;chst wirken mag: F&uuml;r Freeman f&uuml;hrt sie letztendlich zur&uuml;ck zu einem sehr pers&ouml;nlichen Ausgangspunkt &ndash; jener Veranda seiner Gro&szlig;mutter im Mississippi-Delta, auf der er den Blues erstmals h&ouml;rte. Seine &bdquo;Symphonic Blues Experience&ldquo; ist keine nostalgische R&uuml;ckschau, sondern eine Br&uuml;cke zwischen Geschichte und Gegenwart, Memphis und London, Juke Joint und Konzertsaal. Oder, wie Freeman selbst die Idee auf den Punkt bringt: Die Verh&auml;ltnisse im Delta m&ouml;gen sich ver&auml;ndern, seine Seele bleibt.
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Jazz Musik: Album-Rezensionen