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Paul Bley

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Musik von seltener Frische und Klarheit

<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;"><strong><span lang="PT" style="font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: PT;">Mit seinem Solo-Piano-Album "Open, To Love", das jetzt von ECM in der Reihe "Luminessence" auf Vinyl wiederver&ouml;ffentlicht wird, schuf der Kanadier Paul Bley vor &uuml;ber 50 Jahren ein absolutes Meisterwerk dieses Genres.</span></strong></p>

<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;"><strong>Diese LP und weitere der Luminessence Serie und von ECM finden Sie im <a href="https://store.jazzecho.de/collections/luminessence-vinyl-serie" target="_blank" rel="noopener">JazzEcho-Store</a>.</strong></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;"><span lang="PT" style="font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: PT;">Nach <strong>Chick Coreas</strong> "<strong>Piano Improvisations</strong>" und <strong>Keith Jarretts</strong> "<strong>Facing You</strong>", war <strong>Paul Bleys</strong> "<strong>Open, To Love</strong>" das dritte fabelhafte Kapitel in ECMs leise revolution&auml;rem Solo-Piano-Manifest. Die Musik des Albums - zugleich frei und doch bet&ouml;rend lyrisch - hat nichts von ihrer Bedeutung verloren und beeinflusst bis heute Improvisatoren. In den Liner Notes dieser "Luminessence"-Vinyl-Edition schreibt Bleys Biograf <strong>Greg Buium</strong>: "Nach mehr als f&uuml;nfzig Jahren ist &lsquo;<strong>Open, To Love</strong>&rsquo; immer noch ein unverg&auml;ngliches Juwel, f&uuml;r immer in der Gegenwart verankert, und eines der gro&szlig;en Meisterwerke in ECMs unermesslichem Katalog." Auf dem Album, das <strong>Manfred Eicher </strong>im September 1972 in Oslo produzierte, verkn&uuml;pft der kanadische Pianist auf brillante Weise drei Materialstr&auml;nge zu einem dramatischen und emotional beeindruckenden Erz&auml;hlbogen. Das Repertoire umfasst Songs von <strong>Carla Bley</strong> ("Closer", "Ida Lupino" und "Seven") und<strong> Annette Peacock</strong> ("Open To Love" und "Nothing Ever Was, Anyway") sowie zwei St&uuml;cke von <strong>Paul Bley</strong>, in denen er Jazzstandards abwandelt und neu konfiguriert. In "Harlem" und "Started" fragmentiert Bley motivisches Material von "I Remember Harlem" und "I Can&rsquo;t Get Started" (zwei St&uuml;cke, die er in den Bebop-Jahren gespielt hatte), bis die Musik einen surrealistischen, traumhaften Charakter annimmt, der sich perfekt mit neuen Visionen des freien Balladenspiels verbindet.</span></p>
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<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;"><span lang="PT" style="font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: PT;">"Auf sich allein gestellt ist [Paul] Bley noch d&uuml;sterer und introspektiver, aber die Musik ist von einer seltenen Frische und Klarheit, und gew&auml;hrt einem vielleicht den bisher tiefsten Einblick in seine Denkweise", bemerkte Richard Williams 1973 im <em>Melody Maker</em>, der "Open, To Love" damals zum "Album des Monats" k&uuml;rte. "[Die ersten drei St&uuml;cke] entfalten sich langsam, ungebrochen in der Stimmung, und vermitteln eine Sch&ouml;nheit, die zweifellos jeden ansprechen sollte. Seine eleganten Melodien, die er mit seiner Respekt gebietenden Technik manchmal wie Rauchringe aufl&ouml;st, gehen fast unmerklich in die n&auml;chste &uuml;ber. Die Akzentverschiebungen und Richtungswechsel sind ungemein subtil, und sein feiner Anschlag zeichnet sie mit kristalliner Klarheit. Praktisch alle seine Alben sind wichtige Dokumente eines bemerkenswerten Geistes, und dieses ist eines der besten."</span></p>
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<p class="MsoNormal" style="text-align: justify; text-justify: inter-ideograph;"><span lang="PT" style="font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: PT;">Als 2008 zum 40-j&auml;hrigen Jubil&auml;um von ECM Records die CD-Edition dieses Albums in der Reihe "Touchstones" erschien, schrieb Johannes Anders im <em>Schweizer Tages-Anzeiger</em>: "Wer Bley mit all seiner introvertierten Spannung, Klangsch&ouml;nheit und meditativen Dichte richtig oder wieder neu kennenlernen m&ouml;chte, zudem in ausgezeichneter Aufnahmetechnik und auf einem ad&auml;quaten, erstklassigen Instrument, dem sei seine einzigartige und wohl auch beste Solo-LP &lsquo;<strong>Open, To Love</strong>&rsquo; ans Herz gelegt."</span></p>

Paul Bley, Gary Peacock & Paul Motian - drei Jazzlegenden in Höchstform

<p>"When Will The Blues Leave" enth&auml;lt einen 1999 aufgezeichneten Konzertmitschnitt des Paul Bley Trios, das 35 Jahre zuvor neue Standards im freien Spiel setzte.&nbsp;</p>

<p id="ext-gen685">"Wenn Musik ein Gespr&auml;ch ist, dann werden Fragen aufkommen, denn in Gespr&auml;chen gibt es viele Fragen. Fragen f&uuml;hren zu Antworten, die wiederum zu mehr Fragen f&uuml;hren. Das ist es, was die Musik vorantreibt: die Fragen und die Antworten auf sie." (Paul Bley)</p>
<p id="ext-gen687">"When Will The Blues Leave" ist eine bisher unver&ouml;ffentlichte Aufnahme, die zwanzig Jahre lang in den Archiven von <strong>ECM Records</strong> schlummerte. Die Musik dieses Albums zeugt von dem besonderen Verst&auml;ndnis zwischen drei gro&szlig;e Improvisatoren. Unter kreativen Musikern gilt das bahnbrechende Trio von <strong>Paul Bley</strong> mit <strong>Gary Peacock</strong> und <strong>Paul Motian</strong> seit langem als eine der einflussreichsten Gruppen der "Free"-&Auml;ra. Und dass, obwohl es nur wenige Aufnahmen von ihm gibt. Eine 1963 gemachte Session des Trios war Teil des Albums "Paul Bley With Gary Peacock", das ECM 1970 ver&ouml;ffentlichte. Eine weitere Aufnahme von 1964, auf der zu dem Trio noch der Saxophonist <strong>John Gilmore</strong> stie&szlig;, erschien Mitte der 70er Jahre unter dem Titel "Turning Point" auf Bleys eigenem Label IAI Records. Dar&uuml;ber hinaus erschien &uuml;ber die Jahre hinweg noch eine Reihe von Aufnahmen, die den Pianisten entweder mit Motian oder mit Peacock pr&auml;sentierten. Und dann gibt es auch Alben, auf denen der Schlagzeuger und der Bassist in anderen Kontexten zusammenspielen. Dennoch dauerte es bis 1998, bis sich alle drei Protagonisten f&uuml;r die ECM-Aufnahme "Not Two, Not One" endlich wieder zusammen in einem Aufnahmestudio einfanden. Nach der Ver&ouml;ffentlichung des Albums ging das wiederveinte Trio mit dem Programm dies- und jenseits des Atlantiks auf Tournee. Im Rahmen dieser Tournee wurde im M&auml;rz 1999 in der Aula Magna di Trevano im schweizerischen Lugano das Konzert aufgezeichnet, das auf "When Will The Blues Leave" nun endlich die &Ouml;ffentlichkeit erblickt. Das Trio lief an diesem Abend zu Hochform auf. Das Album selbst ist nicht nur Dokument eines fantastischen Auftritts, sondern eine der besten Trio-Einspielungen von <strong>Paul Bley</strong> &uuml;berhaupt.</p>
<p id="ext-gen689">Zum Auftakt spielte das Trio die Bley-Komposition "Mazatlan", die der Pianist erstmals 1965 auf seinem Album "Touching" vorgestellt hatte. Mit ihr wird der H&ouml;rer in die schlagfertige Welt des Trios eingef&uuml;hrt, in der drei unabh&auml;ngige Geister die Palette ihrer Ausdrucksmittel voll auskosten. "Das Sch&ouml;ne daran, einen Schlagzeuger wie <strong>Paul Motian</strong> zu haben, war, dass man die Freiheit hatte, jedwede Richtung einzuschlagen", hatte Bley bekanntlich einmal gesagt. "Er spielte keine Begleitung. Also musste man sich nicht sorgen: 'Wird der Schlagzeuger mir folgen k&ouml;nnen, wenn ich nach links abbiege?' Denn Motian hatte von vornherein nicht die Absicht, einem zu folgen." Sowohl Motian als auch Peacock nehmen in "Mazatlan" viel Raum in Anspruch, und Bley erkundet auf charakteristische Weise mit explosiven Clustern die tieferen Register des Klaviers. Die Flamme in "Flame" brennt konstant, wobei Bley und Peacock das entwickeln, was man als parallele Selbstgespr&auml;che bezeichnen k&ouml;nnte. "Told You So" erinnert an Bleys Liebe zum Blues, die auch bei der Fragmentierung seiner Themen konstant durchscheint.</p>
<p id="ext-gen691"><strong>Ornette Colemans</strong> energiegeladenes "When Will The Blues Leave", das hier in einem flotten Tempo gespielt wird, ist ein St&uuml;ck, das Bley 1958 in sein Repertoire aufnahm, als der Komponist (zusammen mit <strong>Don Cherry</strong>, <strong>Charlie Haden</strong> und <strong>Billy Higgins</strong>) Mitglied von Pauls legend&auml;rem Quintett im Hillcrest Club in Los Angeles war. Man kann es auch auf dem zeitlosen "Footloose"-Album und auf "<strong>Paul Bley</strong> With <strong>Gary Peacock</strong>" h&ouml;ren. Das letztgenannte Album enth&auml;lt auch Peacocks Komposition "Moor", zu der der Bassist mehrfach zur&uuml;ckgekehrt ist und die er stets auf andere Weise spielte (bei ECM gibt es u.a. auf "Voice From The Past - Paradigm" eine Quartett-Version mit <strong>Jan Garbarek</strong>, <strong>Tomasz Stanko</strong> und <strong>Jack DeJohnette</strong> sowie auf "Now This" eine aktuelle Trio-Interpretation mit <strong>Marc Copland</strong> und <strong>Joey Baron</strong>). Hier beginnt "Moor" als robustes Basssolo, das Motians Schlagzeug und Bleys Klavier allm&auml;hlich in seine Umlaufbahn zieht.</p>
<p id="ext-gen693">Diese Musiker neigten nie dazu, etwas zweimal auf die gleiche Weise zu spielen. Ein wunderbares Beispiel daf&uuml;r ist das St&uuml;ck "Dialogue Amour", dass sie ein Jahr zuvor auf "Not Two, Not One" vorgestellt hatten. Bei ihrem Auftritt in Lugano verwandeln sie es vollkommen, indem Peacock und Bley frei assoziieren, w&auml;hrend sich das St&uuml;ck entfaltet. An einem Punkt wirft Paul Zitate aus <strong>Charlie Parker</strong>s "Ornithology" ein (der Altsaxophonist war einer der vielen Giganten, mit denen Bley im Laufe seiner Karriere gespielt hat).</p>
<p id="ext-gen695">Bei seinen ersten Kollaborationen Anfang der 1960er Jahre hatte das Trio den Schwerpunkt daraufgelegt, eigene Kompositionen als Tor zum freien Spiel zu nutzen. In den 1990er Jahren aber hatten sich alle drei Musiker bei verschiedenen Projekten auch wieder mit Jazzstandards auseinandergesetzt. Die letzte Nummer des Albums, Gershwins "I Loves You, Porgy", ist eine weitere faszinierende Performance, bei der sich Bley zun&auml;chst der romantischen Atmosph&auml;re des St&uuml;cks hingab, um dann - wie stets von dem Wunsch getrieben, die Musik zu erneuern - die Melodie zu zersplittern und zu abstrahieren.</p>

ECM-Neuheiten im Mai - zwei Trios sehr unterschiedlicher Natur

<p>Von Paul Bley, Gary Peacock und Paul Motian erscheint das 1999 entstandene Live-Album "When Will The Blues Leave" und von Michele Rabbia, Gianluca Petrella und Eivind Aarset das Studioalbum "Lost River".&nbsp;</p>

<p id="ext-gen3624">Anfang der 1960er Jahre unterhielt <strong>Paul Bley</strong> ein historisches Trio mit <strong>Gary Peacock</strong> und <strong>Paul Motian</strong>, das es verstand, frei und doch ungemein melodisch zu spielen. Auf dem Album "Paul Bley With Gary Peacock" brachte das blutjunge <strong>ECM</strong>-Label 1970 Aufnahmen dieses Trios heraus, die bereits 1963 entstanden waren. 1998 feierten die Musiker auf dem gro&szlig;artigen Album "Not Two, Not One" nach geschlagenen 35 Jahre ihre Reunion als Trio. Ein Jahr sp&auml;ter gingen sie mit dem Programm des Albums dies- und jenseits des Atlantiks auf Tournee. Das Album "When Will The Blues Leave", das am 31. Mai bei <strong>ECM</strong> erscheint, ist das Dokument eines fantastischen Auftritts, den Bley, Peacock und Motian seinerzeit in der Aula Magna von Trevano in der Schweiz absolvierten. Neben vier St&uuml;cken von <strong>Paul Bley</strong> (u.a. das energiegeladene "Mazatlan") und Peacocks Evergreen "Moor" interpretierte das Trio an jenem Abend noch Gershwins Liebesballade "I Loves You, Porgy" und <strong>Ornette Coleman</strong>s kantige Freebop-Nummer, die dem Album seinen Titel gab. Da es nur zwei &Uuml;berschneidungen im Repertoire gibt ("When Will The Blues Leave" und "Moor"), ist das Live-Album eine exzellente Erg&auml;nzung zu der 1999 erschienenen Studioeinspielung. Einstimmen kann man sich auf dieses Trio-Meisterwerk mit dem Titelst&uuml;ck, das ab sofort auf allen Streaming-Plattformen verf&uuml;gbar ist. Am 17. Mai wird man dort au&szlig;erdem auch schon in Bleys "Dialogue Amour" hineinh&ouml;ren k&ouml;nnen.</p>
<p id="ext-gen3623">"Lost River" ist ein ungemein stimmungsvolles, post-ambientes, reich strukturiertes Klangereignis und zugleich eine der herausragenden genre&uuml;bergreifenden Aufnahmen der j&uuml;ngeren ECM-Geschichte. Schlagzeuger <strong>Michele Rabbia</strong> hat mit dem Gitarristen <strong>Eivind Aarset</strong> schon viele Duo-Konzerte gegeben und mit dem Posaunisten <strong>Gianlucca Petrella</strong> in anderen Kontexten zusammengearbeitet. Doch diese Aufnahme f&uuml;hrte die Musiker nun das erste Mal als Trio zusammen. Die Musik von "Lost River" nimmt immer wieder neue Formen an, ist gr&ouml;&szlig;tenteils spontan improvisiert und offenbart geheimnisvolle Details, die in atemberaubenden Klanglandschaften aufbl&uuml;hen. Rabbias Schlagzeugspiel, das durch den Einsatz elektronischer Mittel noch bereichert wird, ist hier ungeheuer kreativ und treibend. <strong>Eivind Aarset</strong>s flie&szlig;endes Gitarrenspiel wird H&ouml;rer begeistern, die Fans seines "Dream Logic"-Projekts und seiner Aufnahmen mit <strong>Nils Petter Molv&aelig;r</strong>, <strong>Tigran Hamasyan</strong> und <strong>Andy Sheppard</strong> sind. Die gro&szlig;e &Uuml;berraschung d&uuml;rfte aber sein, wie sich <strong>Gianluca Petrella</strong> als f&uuml;hrende Instrumentalstimme in Szene setzt. Vor allem, wenn man den Posaunisten bislang "nur" als gro&szlig;artigen Jazzsolisten an der Seite von <strong>Enrico Rava</strong> und <strong>Giovanni Guidi</strong> kannte. Seine breite Ausdruckspalette kommt in der von <strong>Manfred Eicher</strong> exzellent produzierten Aufnahme bestens zur Geltung. "Lost Rivers" wird ebenfalls am 31. Mai bei <strong>ECM</strong> erscheinen. Auf Streaming-Plattformen kann man sich aber schon jetzt den Opener "Nimbus" anh&ouml;ren.</p>

Open, To Love - In Memoriam Paul Bley, 1932-2016

<p>Pianist Paul Bley, einer der kreativsten Improvisatoren in der Geschichte des modernen Jazz und einer der pr&auml;genden ECM-K&uuml;nstler, ist am 3. Januar 2016 im Alter von 83 Jahren verstorben.</p>

<p>Auf seiner k&uuml;nstlerischen Reise, die sich &uuml;ber sieben Dekaden erstreckte, war <strong>Paul Bley</strong> an fast allen stilistischen Umbr&uuml;chen und &Uuml;berg&auml;ngen des modernen Jazz beteiligt, wobei er bezeichnenderweise jeder Welle voraus war. Seine erste Band gr&uuml;ndete er mit 13 Jahren, und als 17-J&auml;hriger rief er den Montr&eacute;al Jazz Workshop ins Leben. Mit 20 spielte er mit <a href="http://www.jazzecho.de/charlie-parker/home" target="_self"><strong>Charlie Parker</strong></a>, und f&uuml;r sein erstes Album als Leader, <strong>&ldquo;Introducing Paul Bley&rdquo;</strong>, konnte er <strong>Charles Mingus</strong> und <strong>Art Blakey</strong> als Rhythmusgruppe gewinnen. <br /><br /> Paul war auch einer der ersten Musiker, die die musikalische Bedeutung von <strong>Ornette Coleman</strong> erkannten. Bei einer heute legend&auml;ren Gastspielresidenz im Hillcrest-Club von Los Angeles bestand Bleys Quintett 1958 aus Coleman, <strong>Don Cherry</strong>,<strong> Charlie Haden</strong> und <strong>Billy Higgins</strong>. 1961 befand sich Paul als Mitglied des Jimmy Giuffre Trios am leiseren Ende der Free-Revolution. Diese Gruppe mit Steve Swallow am Bass postulierte eine Art avantgardistischen Kammerjazz, der praktisch die Mustervorlage f&uuml;r die behutsame Improvisation der Zukunft war. &ldquo;In seiner Zeit mit Giuffre bediente sich Paul einer fast schon Webernschen Musik&auml;sthetik&rdquo;, sagte <strong>Manfred Eicher</strong> einmal. &ldquo;Er folgte einem fragmentarischen Ansatz des Prinzips der gut gew&auml;hlten Note oder des gut gew&auml;hlten Akkords. Seine Idee war, dass nur diese oder jene Note z&auml;hlt, was die Anzahl der Noten reduzierte und voraussetzte, dass man &uuml;ber diese Noten nachdachte, bevor man sie spielte - Paul Bley war darin der Meister.&rdquo; <br /><br /> Paul ermunterte <a href="http://www.jazzecho.de/carla-bley/home" target="_self"><strong>Carla Bley</strong></a> f&uuml;r das Giuffre-Ensemble zu komponieren und St&uuml;cke zum Repertoire der epochalen Alben (wie etwa &ldquo;Footloose&rdquo;) seines eigenen Trios mit Swallow und Pete LaRoca beizusteuern. Gegen Ende der 1960er Jahre, als die Musik langsamer und abstrakter wurde, war Annette Peacock zur festen Komponistin von Bleys Trio avanciert. Annettes Musik findet man auf <strong>&ldquo;Paul Bley With Gary Peacock&rdquo;</strong>, Pauls erstem ECM-Album, und dem Nachfolger <strong>&ldquo;Ballads&rdquo;</strong>. Der Klassiker <strong>&ldquo;Open, To Love&rdquo;</strong>, auf dem er sowohl Musik von Carla als auch Annette auff&uuml;hrte, pr&auml;sentierte Paul 1972 als fantasievollen und kreativen Solopianisten. Es war sein erstes reines Soloalbum. <br /><br /> Mitte der Achtziger Jahre tat sich Bley auf Manfred Eichers Initiative hin mit <strong>John Surman, Bill Frisell</strong> und <strong>Paul Motian</strong> zusammen, um<strong> &ldquo;Fragments&rdquo;</strong> einzuspielen. Eigentlich nur als Projekt f&uuml;r eine Produktion gedacht, ging die Band schon bald regelm&auml;&szlig;ig auf ausgedehnte Tournee. 1987 wurde mit derselben Besetzung das Album <strong>&ldquo;The Paul Bley Quartet&rdquo;</strong> aufgenommen. Und es gab auch noch weitere Zusammenarbeiten mit John Surman - sowie Gary Peacock und Tony Oxley - auf<strong> &ldquo;Adventure Playground&rdquo;</strong> und <strong>&ldquo;In The Evenings Out There&rdquo;</strong>. In der folgenden Dekade feierte das alte Paul Bley Trio mit Gary Peacock und Paul Motian Wiedervereinigung, um das Album <strong>&ldquo;Not Two, Not One&rdquo;</strong> einzuspielen. Eine frei improvisierte Session mit Evan Parker und Barre Phillips auf <strong>&ldquo;Time Will Tell&rdquo;</strong> m&uuml;ndete in die Gr&uuml;ndung einer weiteren Band, die auf dem Live-Album <strong>&ldquo;Sankt Gerold&rdquo;</strong> (aufgenommen in dem &ouml;sterreichischen Bergkloster gleichen Namens) dokumentiert wurde. <br /><br /> Pauls letzte Alben f&uuml;r <strong><a href="http://www.jazzecho.de/ecm-sounds/home" target="_self">ECM</a></strong> waren Soloaufnahmen, die in ziemlich unterschiedlichen Kontexten entstanden. Auf<strong> &ldquo;Solo In Mondsee&rdquo;</strong> spielt er ein B&ouml;sendorfer Imperial, das schon f&uuml;r unz&auml;hlige klassische Konzertvortr&auml;ge benutzt worden war.<strong> &ldquo;Play Blue: Oslo Concert&rdquo;</strong> wiederum ist eine Erinnerung an einen Auftritt beim Oslo Jazz Festival, den Bley mit einer kaleidoskopischen Dekonstruktion von<strong> &ldquo;Pent-Up House&rdquo;</strong> abschloss. Dieses St&uuml;ck hatte Paul einst in den 1960er Jahren schon zusammen mit seinem Komponisten Sony Rollins gespielt. &ldquo;Je mehr die Zeit voranschreitet&rdquo;, bekannte <strong>Paul Bley</strong> damals, &ldquo;desto autobiographischer werden die Alben.&rdquo;</p>

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Open, To Love (Luminessence Series)

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<p>Nach <strong>Chick Coreas "Piano Improvisations" </strong>und <strong>Keith Jarretts "Facing You"</strong> war <strong>Paul Bleys "Open, To Love" </strong>das dritte fabelhafte Kapitel in ECMs leise revolution&auml;rem Solo-Piano-Manifest, dessen Wirkung bis heute anh&auml;lt und Improvisatoren beeinflusst. &nbsp;In den Liner Notes dieser Luminessence-Vinyl-Edition schreibt Bley-Biograph Greg Buium: "Nach mehr als f&uuml;nfzig Jahren bleibt Open, To Love ein unverg&auml;ngliches Juwel, das f&uuml;r immer in der Gegenwart verankert ist und zu den gro&szlig;en Meisterwerken in ECMs riesigem Katalog geh&ouml;rt." Das von Manfred Eicher im September 1972 in Oslo produzierte Album des kanadischen Pianisten integriert auf brillante Weise drei Materialstr&auml;nge zu einem weitreichenden und emotional starken Erz&auml;hlbogen. &nbsp;Das Repertoire besteht aus Liedern von Carla Bley und Annette Peacock (Carlas "Closer", "Ida Lupino" und "Seven" und Annettes "Open To Love" und "Nothing Ever Was, Anyway") sowie zwei St&uuml;cken von Paul, die Jazz-Standards neu aufrollen und umgestalten. &nbsp;In "Harlem" und "Started" fragmentiert Bley motivisches Material aus "I Remember Harlem" und "I Can't Get Started", St&uuml;cke, die er in den Bebop-Jahren gespielt hatte, bis die Musik einen surrealistischen, traumhaften Charakter erh&auml;lt, der sich perfekt mit neuen Visionen freier Balladendichtung verbindet.</p>
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