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Paul Motian

The Old Country

CD 1

Everything I Love

I Fall In Love Too Easily

Straight No Chaser

All of You

Someday My Prince Will Come

Golden Earrings

How Long Has This Been Going On

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Dussmann

<div>&ldquo;The music has the dash and the unabashed lyricism of Keith Jarrett&rsquo;s best work,&rdquo; wrote&nbsp;Stereophile&nbsp;in 1994 of&nbsp;At The Deer Head Inn, the first selection of material from the pianist&rsquo;s spontaneous and in retrospect historic return to the Pennsylvanian venue of his early years.&nbsp;Gramophone&nbsp;spoke of &ldquo;spellbinding&rdquo; playing, and the&nbsp;Los Angeles Times&nbsp;hailed &ldquo;a compendium of grace&rdquo;. All attributes applicable also to this edition, featuring eight previously unreleased performances, which dives deeply into the magic of this special event, a one-night-only coming together of a Jarrett trio with Gary Peacock and Paul Motian. &nbsp;Keith Jarrett: &ldquo;It was like a reunion and a jam session at the same time.&rdquo; &nbsp;Songs featured are &ldquo;Everything I Love&rdquo;, &ldquo;I Fall In Love Too Easily, &ldquo;All of You&rdquo;, &ldquo;Someday My Prince Will Come&rdquo;, &ldquo;Golden Earrings&rdquo;, &ldquo;How Long Has This Been Going On&rdquo; and a wonderful bluesy account of the Nat Adderley tune that gives the album its name. An attentive and amazed audience hangs on every note.</div>
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<div>The album is also released on vinyl, as part of the limited 4-LP box set&nbsp;At The Deer Head Inn &ndash; The Complete Recordings.</div>

Eine Sternstunde dreier Meister

Das Live-Album &ldquo;At The Deer Head Inn&rdquo; von Keith Jarrett, Gary Peacock und Paul Motian wurde 1994 als Meisterwerk gefeiert. Zum 30-j&auml;hrigen Jubil&auml;um erscheint nun ein zweites Album mit bislang unver&ouml;ffentlichten Aufnahmen des historischen Konzertes.

Das Live-Album "At The Dear Head Inn", das Keith Jarrett am 16. September 1992 mit Gary Peacock und Paul Motian im Deer Head Inn eingespielt hat, nimmt unter all den Aufnahmen, die der Pianist der Auseinandersetzung mit Jazzstandards und dem "Great American Songbook" gewidmet hat, eine Sonderstellung ein. Mit "The Old Country" erscheint nun ein weiteres Tondokument von demselben Konzert, das ebenfalls in mehrfacher Hinsicht von gro&szlig;er historischer Bedeutung ist.
Idyllisch in den Pocono Mountains am Delaware Water Gap in Pennsylvania gelegen, bietet das Deer Head Inn neben &Uuml;bernachtungsm&ouml;glichkeiten schon seit 1950 kontinuierlich Live-Musik und ist damit einer der &auml;ltesten Jazzclubs der USA. 1961 gab der Club dem damals 16-j&auml;hrigen Keith Jarrett die Gelegenheit, zum ersten Mal mit einem eigenen Trio vor Publikum aufzutreten. Als die Besitzer Bob und Fay Lehr 1992 in den Ruhestand gingen und die Leitung an ihre Tochter Dona und ihren Schwiegersohn Christopher Solliday &uuml;bergaben, bot Keith Jarrett an, erneut dort aufzutreten, um das anhaltende Engagement des Clubs f&uuml;r den Jazz zu w&uuml;rdigen.
Wenig &uuml;berraschend spielte Keith Jarrett mit Gary Peacock und Paul Motian vor ausverkauftem Haus. Die Veranstaltung war nicht beworben worden, aber die Nachricht von dem bevorstehenden Konzert verbreitete sich durch Mundpropaganda wie ein Lauffeuer.&nbsp;The Morning Call, die Lokalzeitung von Jarretts Heimatstadt Allentown, berichtete sp&auml;ter:&nbsp;"Von den 130 Leuten im Club mussten 30 stehen. Und drau&szlig;en auf der Veranda dr&auml;ngten sich weitere 50 oder 60 Leute".
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Das spontan organisierte Konzert bot damals die einzige Gelegenheit, Jarrett in dieser Konstellation live zu erleben. Der Bassist Gary Peacock war zu dieser Zeit ein engagiertes Mitglied von Jarretts sogenanntem Standards Trio, das durch Jack DeJohnette vervollst&auml;ndigt wurde. Schlagzeuger Paul Motian wiederum hatte den Pianisten 1967 zusammen mit Charlie Haden bei der Einspielung seines allerersten Soloalbums&nbsp;"Life Between the Exit Signs" begleitet und war danach sechs Jahre lang Mitglied von Jarretts American Quartet, das unter anderem auf den ECM-Alben&nbsp;"The Survivors Suite" und "Eyes Of The Heart" zu h&ouml;ren ist. Doch seit der Aufl&ouml;sung dieser Gruppe im Jahr 1976 hatte Motian nicht mehr mit Jarrett zusammengearbeitet. "Ich war nicht nur seit 30 Jahren nicht mehr als Pianist im Deer Head aufgetreten, sondern hatte auch seit 16 Jahren nicht mehr mit Paul Motian zusammengearbeitet. Es war also wie eine Wiedervereinigung und zugleich eine Jamsession", schrieb Jarrett in den Liner Notes des Albums "At The Deer Head Inn", auf dem 1994 eine erste Auswahl des bei diesem historischen Auftritt mitgeschnittenen Materials ver&ouml;ffentlicht wurde.
Das&nbsp;"Deer Head Inn"-Projekt lie&szlig; noch eine weitere alte Freundschaft Jarretts wieder aufleben. Denn die Idee, das Konzert aufzuzeichnen, stammte von dem Schlagzeuger Bill Goodwin, der auf dem Cover auch als Produzent genannt wird. Goodwin hatte 1970 bei der Aufnahme des Albums "Gary Burton &amp; Keith Jarrett" f&uuml;r Atlantic mitgewirkt und war sp&auml;ter zum Quartett des Altsaxofonisten Phil Woods gesto&szlig;en, das viele Jahre lang regelm&auml;&szlig;ig im Deer Head Inn auftrat. Eigentlich wollte er das Konzert nur f&uuml;r Keiths pers&ouml;nliches Tonarchiv dokumentieren. Doch als der Pianist die Aufnahmen h&ouml;rte, war ihm sofort klar: "Das muss ver&ouml;ffentlicht werden... Ich glaube, dass man auf dieser Aufnahme gut h&ouml;ren kann, worum es im Jazz geht."
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Als&nbsp;"At The Deer Head Inn" 1994 ver&ouml;ffentlicht wurde, stimmte die Presse der Einsch&auml;tzung des Pianisten zu. "Die Musik hat den Schwung und die unerschrockene Gef&uuml;hlsbetontheit von Keith Jarretts besten Werken", schrieb Stereophile. Gramophone hob unterdessen das "fesselnde" Zusammenspiel hervor, w&auml;hrend die Los Angeles Times die Aufnahme als "ein Kompendium der Anmut" lobte.
Drei&szlig;ig Jahre nach der Ver&ouml;ffentlichung von "At The Deer Head Inn" hielten es Keith Jarrett und Manfred Eicher f&uuml;r an der Zeit, sich den kompletten Konzertmitschnitt noch einmal anzuh&ouml;ren. F&uuml;r das Album "The Old Country", dessen Untertitel "More From The Deer Head Inn" auf das Vorg&auml;ngeralbum verweist, w&auml;hlten sie acht bisher unver&ouml;ffentlichte St&uuml;cke aus. Das Repertoire umfasst mit "Everything I Love" und "All Of You" gleich zwei St&uuml;cke von Cole Porter, "Straight No Chaser" von Thelonious Monk, "I Fall In Love Too Easily" von Jule Styne, "Someday My Prince Will Come" von Frank Churchill, "How Long Has This Been Going On" von George Gershwin, "Golden Earrings" von Victor Young und "The Old Country" von Nat Adderley.
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Individualistinnen mit lyrischer Ader und Improvisationstalent

<span style="font-size: 11.0pt; font-family: 'Aptos',sans-serif; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: Calibri; mso-ansi-language: DE; mso-fareast-language: DE; mso-bidi-language: AR-SA;">Mit Annette Peacocks "An Acrobat&rsquo;s Heart" und Marilyn Crispells "Amaryllis" erschienen bei ECM vor rund 25 Jahren zwei au&szlig;ergew&ouml;hnliche Alben, die heute als Klassiker gelten. Nun erscheinen beide in der &ldquo;Luminessence&rdquo;-Reihe erstmals auf Vinyl.

Diese LP und weitere der Luminessence Serie und von ECM finden Sie im <a href="https://store.jazzecho.de/p30-i2868" target="_blank" rel="noopener">JazzEcho-Store</a>.
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Annette Peacock - An Acrobat&rsquo;s Heart
Ein hinrei&szlig;end sch&ouml;nes Album von einer der geheimnisvollsten und faszinierendsten Figuren am Rande des Jazz, die sich seit fast sechs Jahrzehnten erfolgreich jeder Kategorisierung entzieht. Obwohl sie mit ihren bezaubernden Kompositionen bereits einige der allerersten ECM-Alben* gepr&auml;gt hatte, war &ldquo;An Acrobat&rsquo;s Heart&ldquo; im Jahr 2000 das erste eigene Album der Songschreiberin, S&auml;ngerin und Pianistin Annette Peacock f&uuml;r das Label von Manfred Eicher. Mit ihrer unverwechselbaren, oft etwas lakonischen Stimme und ihrem subtilen, schn&ouml;rkellosen Klavierspiel pr&auml;sentiert Peacock hier f&uuml;nfzehn neue Eigenkompositionen, wunderbar unterst&uuml;tzt vom gefeierten Cikada String Quartet. Den Ansto&szlig; zu diesem Album hatte Manfred Eicher bereits vier Jahre zuvor gegeben, als er Annette bat, St&uuml;cke f&uuml;r Streichquartett zu schreiben. &ldquo;Ich mochte schon immer ihren sehr pers&ouml;nlichen Schreibstil&rdquo;, sagt der Produzent, &ldquo;und die Einfachheit und Klarheit ihrer Songs. Manchmal hatte ich das Gef&uuml;hl, dass sie die Essenz eines Ausdrucks genau getroffen hat.&rdquo; Auf &ldquo;An Acrobat&rsquo;s Heart&rdquo; ist Annette Peacock dies auf besonders beeindruckende Weise gelungen. &ldquo;&lsquo;An Acrobat&rsquo;s Heart&rsquo; ist eine fast bruchlose Folge von Songs, die nur ihrer eigenen Spur folgen, der Entwicklung der verschiedenen Textsequenzen und nicht der plumpen Mechanik von Strophe und Refrain&rdquo;, schrieb Stephan Hentz damals in der Neuen Z&uuml;rcher Zeitung. &ldquo;Annette Peacocks Musik lebt von der Schwebung der wie hingestreuten einzelnen T&ouml;ne, vom Kontrast zwischen dem Ton und der Stille, die ihm erst Kontur gibt, von der Pr&auml;zision, mit der sie die verschiedenen Klangebenen verwebt und miteinander zum Schwingen bringt.&rdquo;
&nbsp;* Es handelt sich um &ldquo;Paul Bley with Gary Peacock&rdquo; (ECM 1003), &ldquo;Ballads&rdquo; (ECM 1010) und &ldquo;Open, To Love&rdquo; (ECM 1023) von Annettes damaligem Ehemann Paul Bley.
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&nbsp;Marilyn Crispell, Gary Peacock &amp; Paul Motian - Amaryllis
Die amerikanische Pianistin und Komponistin Marilyn Crispell, derzeit Mitglied von <a href="https://www.jazzecho.de/joe-lovano" target="_blank" rel="noopener">Joe Lovanos</a> gefeiertem Trio Tapestry, z&auml;hlt seit den 1980er Jahren zu den kreativsten Vertreterinnen des modernen Free Jazz und der Neuen Improvisationsmusik. Ihr Solo-Deb&uuml;t bei ECM Records gab sie 1997 mit dem Album &ldquo;Nothing Ever Was, Anyway&rdquo;, das ausschlie&szlig;lich Songs von Annette Peacock enth&auml;lt und seinerzeit auf vielen Jahresbestenlisten ganz oben stand. Mit denselben Musikern, mit denen sie ihr Deb&uuml;t eingespielt hatte (Bassist Gary Peacock und Schlagzeuger Paul Motian), ging Crispell vier Jahre sp&auml;ter erneut f&uuml;r ECM ins Aufnahmestudio, um das Nachfolgealbum &ldquo;Amaryllis&rdquo; einzuspielen. Auf dem Programm stehen diesmal abwechselnd nachdenkliche, ber&uuml;hrende, fr&ouml;hliche und zutiefst aufw&uuml;hlende Eigenkompositionen der Pianistin und ihrer beiden Spielpartner, darunter bekannte St&uuml;cke wie Crispells &ldquo;Rounds&rdquo;, Gary Peacocks &ldquo;Requiem&rdquo; und &ldquo;December Wings&rdquo; sowie Paul Motians &ldquo;Conception Vessel&rdquo;, die fast schon Klassiker des neuen Jazz sind. Es gibt auch eine Reihe von erstaunlich wirkungsvollen frei improvisierten Balladen. &ldquo;Atemberaubend, wie die zierliche Pianistin konzentriert Ton an Ton setzt, den zarten Kl&auml;ngen ausreichend Raum und Zeit l&auml;sst&rdquo;, notierte Sven Thielmann in Stereoplay. &ldquo;Souver&auml;n webt Gary Peacock seine Basslinien ein, und Paul Motian schafft jenseits aller Beats einigende Strukturen. So ger&auml;t Amaryllis zu einem beeindruckenden Manifest musikalischer Freiheiten: In blindem Verstehen entfaltet sich ein mild changierendes Feuerwerk brillanter Ideen, die bei aller Ernsthaftigkeit doch herrlich unbeschwert erklingen.&rdquo;

Paul Bley, Gary Peacock & Paul Motian - drei Jazzlegenden in Höchstform

"When Will The Blues Leave" enth&auml;lt einen 1999 aufgezeichneten Konzertmitschnitt des Paul Bley Trios, das 35 Jahre zuvor neue Standards im freien Spiel setzte.&nbsp;

"Wenn Musik ein Gespr&auml;ch ist, dann werden Fragen aufkommen, denn in Gespr&auml;chen gibt es viele Fragen. Fragen f&uuml;hren zu Antworten, die wiederum zu mehr Fragen f&uuml;hren. Das ist es, was die Musik vorantreibt: die Fragen und die Antworten auf sie." (Paul Bley)
"When Will The Blues Leave" ist eine bisher unver&ouml;ffentlichte Aufnahme, die zwanzig Jahre lang in den Archiven von ECM Records schlummerte. Die Musik dieses Albums zeugt von dem besonderen Verst&auml;ndnis zwischen drei gro&szlig;e Improvisatoren. Unter kreativen Musikern gilt das bahnbrechende Trio von Paul Bley mit Gary Peacock und Paul Motian seit langem als eine der einflussreichsten Gruppen der "Free"-&Auml;ra. Und dass, obwohl es nur wenige Aufnahmen von ihm gibt. Eine 1963 gemachte Session des Trios war Teil des Albums "Paul Bley With Gary Peacock", das ECM 1970 ver&ouml;ffentlichte. Eine weitere Aufnahme von 1964, auf der zu dem Trio noch der Saxophonist John Gilmore stie&szlig;, erschien Mitte der 70er Jahre unter dem Titel "Turning Point" auf Bleys eigenem Label IAI Records. Dar&uuml;ber hinaus erschien &uuml;ber die Jahre hinweg noch eine Reihe von Aufnahmen, die den Pianisten entweder mit Motian oder mit Peacock pr&auml;sentierten. Und dann gibt es auch Alben, auf denen der Schlagzeuger und der Bassist in anderen Kontexten zusammenspielen. Dennoch dauerte es bis 1998, bis sich alle drei Protagonisten f&uuml;r die ECM-Aufnahme "Not Two, Not One" endlich wieder zusammen in einem Aufnahmestudio einfanden. Nach der Ver&ouml;ffentlichung des Albums ging das wiederveinte Trio mit dem Programm dies- und jenseits des Atlantiks auf Tournee. Im Rahmen dieser Tournee wurde im M&auml;rz 1999 in der Aula Magna di Trevano im schweizerischen Lugano das Konzert aufgezeichnet, das auf "When Will The Blues Leave" nun endlich die &Ouml;ffentlichkeit erblickt. Das Trio lief an diesem Abend zu Hochform auf. Das Album selbst ist nicht nur Dokument eines fantastischen Auftritts, sondern eine der besten Trio-Einspielungen von Paul Bley &uuml;berhaupt.
Zum Auftakt spielte das Trio die Bley-Komposition "Mazatlan", die der Pianist erstmals 1965 auf seinem Album "Touching" vorgestellt hatte. Mit ihr wird der H&ouml;rer in die schlagfertige Welt des Trios eingef&uuml;hrt, in der drei unabh&auml;ngige Geister die Palette ihrer Ausdrucksmittel voll auskosten. "Das Sch&ouml;ne daran, einen Schlagzeuger wie Paul Motian zu haben, war, dass man die Freiheit hatte, jedwede Richtung einzuschlagen", hatte Bley bekanntlich einmal gesagt. "Er spielte keine Begleitung. Also musste man sich nicht sorgen: 'Wird der Schlagzeuger mir folgen k&ouml;nnen, wenn ich nach links abbiege?' Denn Motian hatte von vornherein nicht die Absicht, einem zu folgen." Sowohl Motian als auch Peacock nehmen in "Mazatlan" viel Raum in Anspruch, und Bley erkundet auf charakteristische Weise mit explosiven Clustern die tieferen Register des Klaviers. Die Flamme in "Flame" brennt konstant, wobei Bley und Peacock das entwickeln, was man als parallele Selbstgespr&auml;che bezeichnen k&ouml;nnte. "Told You So" erinnert an Bleys Liebe zum Blues, die auch bei der Fragmentierung seiner Themen konstant durchscheint.
Ornette Colemans energiegeladenes "When Will The Blues Leave", das hier in einem flotten Tempo gespielt wird, ist ein St&uuml;ck, das Bley 1958 in sein Repertoire aufnahm, als der Komponist (zusammen mit Don Cherry, Charlie Haden und Billy Higgins) Mitglied von Pauls legend&auml;rem Quintett im Hillcrest Club in Los Angeles war. Man kann es auch auf dem zeitlosen "Footloose"-Album und auf "Paul Bley With Gary Peacock" h&ouml;ren. Das letztgenannte Album enth&auml;lt auch Peacocks Komposition "Moor", zu der der Bassist mehrfach zur&uuml;ckgekehrt ist und die er stets auf andere Weise spielte (bei ECM gibt es u.a. auf "Voice From The Past - Paradigm" eine Quartett-Version mit Jan Garbarek, Tomasz Stanko und Jack DeJohnette sowie auf "Now This" eine aktuelle Trio-Interpretation mit Marc Copland und Joey Baron). Hier beginnt "Moor" als robustes Basssolo, das Motians Schlagzeug und Bleys Klavier allm&auml;hlich in seine Umlaufbahn zieht.
Diese Musiker neigten nie dazu, etwas zweimal auf die gleiche Weise zu spielen. Ein wunderbares Beispiel daf&uuml;r ist das St&uuml;ck "Dialogue Amour", dass sie ein Jahr zuvor auf "Not Two, Not One" vorgestellt hatten. Bei ihrem Auftritt in Lugano verwandeln sie es vollkommen, indem Peacock und Bley frei assoziieren, w&auml;hrend sich das St&uuml;ck entfaltet. An einem Punkt wirft Paul Zitate aus Charlie Parkers "Ornithology" ein (der Altsaxophonist war einer der vielen Giganten, mit denen Bley im Laufe seiner Karriere gespielt hat).
Bei seinen ersten Kollaborationen Anfang der 1960er Jahre hatte das Trio den Schwerpunkt daraufgelegt, eigene Kompositionen als Tor zum freien Spiel zu nutzen. In den 1990er Jahren aber hatten sich alle drei Musiker bei verschiedenen Projekten auch wieder mit Jazzstandards auseinandergesetzt. Die letzte Nummer des Albums, Gershwins "I Loves You, Porgy", ist eine weitere faszinierende Performance, bei der sich Bley zun&auml;chst der romantischen Atmosph&auml;re des St&uuml;cks hingab, um dann - wie stets von dem Wunsch getrieben, die Musik zu erneuern - die Melodie zu zersplittern und zu abstrahieren.

ECM-Neuheiten im Mai - zwei Trios sehr unterschiedlicher Natur

Von Paul Bley, Gary Peacock und Paul Motian erscheint das 1999 entstandene Live-Album "When Will The Blues Leave" und von Michele Rabbia, Gianluca Petrella und Eivind Aarset das Studioalbum "Lost River".&nbsp;

Anfang der 1960er Jahre unterhielt Paul Bley ein historisches Trio mit Gary Peacock und Paul Motian, das es verstand, frei und doch ungemein melodisch zu spielen. Auf dem Album "Paul Bley With Gary Peacock" brachte das blutjunge ECM-Label 1970 Aufnahmen dieses Trios heraus, die bereits 1963 entstanden waren. 1998 feierten die Musiker auf dem gro&szlig;artigen Album "Not Two, Not One" nach geschlagenen 35 Jahre ihre Reunion als Trio. Ein Jahr sp&auml;ter gingen sie mit dem Programm des Albums dies- und jenseits des Atlantiks auf Tournee. Das Album "When Will The Blues Leave", das am 31. Mai bei ECM erscheint, ist das Dokument eines fantastischen Auftritts, den Bley, Peacock und Motian seinerzeit in der Aula Magna von Trevano in der Schweiz absolvierten. Neben vier St&uuml;cken von Paul Bley (u.a. das energiegeladene "Mazatlan") und Peacocks Evergreen "Moor" interpretierte das Trio an jenem Abend noch Gershwins Liebesballade "I Loves You, Porgy" und Ornette Colemans kantige Freebop-Nummer, die dem Album seinen Titel gab. Da es nur zwei &Uuml;berschneidungen im Repertoire gibt ("When Will The Blues Leave" und "Moor"), ist das Live-Album eine exzellente Erg&auml;nzung zu der 1999 erschienenen Studioeinspielung. Einstimmen kann man sich auf dieses Trio-Meisterwerk mit dem Titelst&uuml;ck, das ab sofort auf allen Streaming-Plattformen verf&uuml;gbar ist. Am 17. Mai wird man dort au&szlig;erdem auch schon in Bleys "Dialogue Amour" hineinh&ouml;ren k&ouml;nnen.
"Lost River" ist ein ungemein stimmungsvolles, post-ambientes, reich strukturiertes Klangereignis und zugleich eine der herausragenden genre&uuml;bergreifenden Aufnahmen der j&uuml;ngeren ECM-Geschichte. Schlagzeuger Michele Rabbia hat mit dem Gitarristen Eivind Aarset schon viele Duo-Konzerte gegeben und mit dem Posaunisten Gianlucca Petrella in anderen Kontexten zusammengearbeitet. Doch diese Aufnahme f&uuml;hrte die Musiker nun das erste Mal als Trio zusammen. Die Musik von "Lost River" nimmt immer wieder neue Formen an, ist gr&ouml;&szlig;tenteils spontan improvisiert und offenbart geheimnisvolle Details, die in atemberaubenden Klanglandschaften aufbl&uuml;hen. Rabbias Schlagzeugspiel, das durch den Einsatz elektronischer Mittel noch bereichert wird, ist hier ungeheuer kreativ und treibend. Eivind Aarsets flie&szlig;endes Gitarrenspiel wird H&ouml;rer begeistern, die Fans seines "Dream Logic"-Projekts und seiner Aufnahmen mit Nils Petter Molv&aelig;r, Tigran Hamasyan und Andy Sheppard sind. Die gro&szlig;e &Uuml;berraschung d&uuml;rfte aber sein, wie sich Gianluca Petrella als f&uuml;hrende Instrumentalstimme in Szene setzt. Vor allem, wenn man den Posaunisten bislang "nur" als gro&szlig;artigen Jazzsolisten an der Seite von Enrico Rava und Giovanni Guidi kannte. Seine breite Ausdruckspalette kommt in der von Manfred Eicher exzellent produzierten Aufnahme bestens zur Geltung. "Lost Rivers" wird ebenfalls am 31. Mai bei ECM erscheinen. Auf Streaming-Plattformen kann man sich aber schon jetzt den Opener "Nimbus" anh&ouml;ren.

Stets kreativ, nie offensichtlich - Ben Monders spannende Duette mit Paul Motian und Andrew Cyrille

Ben Monder gilt als einer der originellsten Gitarristen des 21. &nbsp;Jahrhunderts. Auf seinem brillanten ECM-Deb&uuml;talbum "Amorphae" best&auml;tigt er diesen Ruf.

Seit rund 30 Jahren versuchen Kritiker vergeblich, den Gitarristen Ben Monder stilistisch einzuordnen. Sie verglichen ihn in diesem Zeitraum bereits mit <a href="http://www.jazzecho.de/john-abercrombie" target="_self">John Abercrombie</a>, Bill Frisell oder Nels Cline, nur um ihr Urteil kurze Zeit sp&auml;ter wieder zu revidieren, weil Monder schon wieder eine neue Richtung eingeschlagen hatte. Einig sind sich die Fachleute nur, dass er einer der originellsten Gitarristen des 21. Jahrhunderts und ein wahres kreatives Genie ist. Seit rund 30 Jahren gilt Monder aber auch als ein typischer "guitarist&rsquo;s guitarist". Pat Metheny etwa schw&auml;rmte von seinen "gro&szlig;artigen Akkordgriffen" und seinem "einfach exzellenten Spiel". Das hatte sich wohl auch bis zur gerade verstorbenen Pop-Ikone David Bowie herumgesprochen, die einst mit der Pat Metheny Group den Hit "This Is Not America" eingespielt hatte. Bowie engagierte Monder f&uuml;r die Aufnahmen seines faszinierenden letzten Albums "Blackstar", das zum 69. Geburtstag des S&auml;ngers und zwei Tage vor seinem Tod erschien. Ein reiner Zufall will es, dass Ben Monder just jetzt auch sein sechstes Soloalbum "Amorphae" ver&ouml;ffentlicht, das zugleich sein ECM-Deb&uuml;talbum als Leader ist.
"Amorphae" sollte eigentlich ein Duo-Album mit dem Schlagzeuger Paul Motian werden, in dessen Band der Gitarrist 2004 seine erste Aufnahme f&uuml;r das M&uuml;nchener Label gemacht hatte. Doch kurz nach einer ersten Duo-Session, bei der zwei Nummern f&uuml;r dieses Album mitgeschnitten wurden (darunter eine abstrakte Interpretation des Musical-Hits "Oh, What A Beautiful Morning"), erkrankte Motian und verstarb, bevor die Sessions fortgesetzt werden konnten. So entschied sich Monder nach einiger Zeit, das angefangene Projekt mit einem anderen innovativen Schlagzeuger&nbsp;fortzuf&uuml;hren: Andrew Cyrille. "Was Paul und Andrew als Schlagzeuger gemein hatten, war - abgesehen vom unglaublichen Reichtum ihrer Erfahrung - ihre erstaunliche F&auml;higkeit zuzuh&ouml;ren", begr&uuml;ndet Monder seine Wahl. &ldquo;Sie boten ihren Spielpartnern den bestm&ouml;glichen Kontrapunkt, stets kreativ, nie offensichtlich - und sie wahrten immer die Balance zwischen der Zur&uuml;ckhaltung ihrer eigenen Stimme und der Reaktion auf die Stimmen anderer. Mit beiden war es ein Leichtes zu improvisieren. Bei ihnen hatte man das Gef&uuml;hl, dass einfach alles, was man spielte, passte."
Gemeinsam mit Monder schufen sie f&uuml;r "Amorphae" geradezu traumhafte Musik - frei flie&szlig;end und kaleidoskopisch, fast durchweg improvisiert und voller &Uuml;berraschungen. Zu Monder und Cyrille gesellte sich f&uuml;r zwei St&uuml;cke au&szlig;erdem noch der Keyboarder Pete Rende, der mit seinem Arsenal an Synthesizern "eine riesige klangliche Palette" bietet. Gerahmt werden die abenteuerlichen Duo- und Trio-Einspielungen von zwei Solost&uuml;cken Ben Monders, dem es mit diesem Album und nat&uuml;rlich auch seiner Mitwirkung an Bowies "Blackstar" endlich gelingen k&ouml;nnte, den Ruf des "guitarist&rsquo;s guitarist" hinter sich zu lassen.

All-Star-Gedenkkonzert für Paul Motian

Am 22. M&auml;rz findet im Peter Jay Sharp Theatre ein Gedenk-Konzert f&uuml;r den verstorbenen Jazz-Schlagzeuger Paul Motian statt.

In Gedenken an den legend&auml;ren Jazz-Schlagzeuger Paul Motian veranstalten Weggef&auml;hrten am 22. M&auml;rz ein Konzert im Peter Jay Sharp Theatre in New York. "Paul Motian war absolut einzigartig", meinte Keith Jarrett im November 2011, als er vom Tod des Schlagzeugers h&ouml;rte, der in den 1970er Jahren in seinem amerikanischen Quartett spielte. "Er war ein Schlagzeuger, wie Musiker ihn m&ouml;gen. Denn er besch&auml;ftigte sich mit Musik und nicht nur mit Rhythmen, und er kreierte stets seinen eigenen Sound... er konnte alles und mit jedem spielen." Am 25. M&auml;rz h&auml;tte Motian seinen 82. Geburtstag gefeiert.
<h3>Gedenkkonzert an Paul Motian unter der Kuration von Bill Frisell und Joe Lovano</h3>
Aus diesem Anlass wird am 22. M&auml;rz im Peter Jay Sharp Theatre des Symphony Space von Manhattan ein Gedenkkonzert veranstaltet. Unter der Kuration von Bill Frisell und Joe Lovano, Motians langj&auml;hrigen Trio-Partnern, werden etliche musikalische Weggef&auml;hrten der Schlagzeug-Legende die B&uuml;hne besteigen. Paul Motian zollen unter anderem Andrew Cyrille, Ben Monder, Ravi Coltrane, Billy Drewes, Jerome Harris, Chris Cheek, Ed Schuller, Marilyn Crispell, Gary Peacock, Bill McHenry, Greg Osby, Tim Berne, Jakob Bro, Joey Baron, Chris Cheek, Larry Grenadier, Masabumi Kikuchi, Petra Haden, Steve Cardenas, Tony Malaby und das Billy Hart Quartet mit Ethan Iverson, Ben Street und Mark Turner ihren Tribut. "Wir werden an diesem Abend einen der wahren Jazzmaster unserer Zeit feiern", verk&uuml;ndet Saxophonist Joe Lovano. "Als innovativer Schlagzeuger, Komponist, Partner und Bandleader hat Paul Motian uns alle inspiriert. Mit seiner Magie ermunterte er uns dazu, in unserer Musik so ehrlich und ausdrucksstark wie m&ouml;glich zu sein."

Paul Motian in die DownBeat Hall Of Fame aufgenommen

Rund sieben Monate nach seinem Tod am 22. November 2011 wurde der Schlagzeuger, Komponist und Bandleader Paul Motian in die DownBeat Hall Of Fame gew&auml;hlt.

Rund sieben Monate nach seinem Tod am 22. November 2011 wurde der Schlagzeuger, Komponist und Bandleader Paul Motian von einem Gremium internationaler Kritiker in die DownBeat Hall Of Fame gew&auml;hlt. In die Veterans Committee Hall of Fame zogen wiederum die beiden Saxophonisten Sonny Stitt (1924-1982) und Gene Ammons (1925-1974) ein. Aber nat&uuml;rlich wurde beim 60th Annual DownBeat Critics Poll nicht nur den Toten gehuldigt. Der ganz gro&szlig;e Gewinner war dieses Jahr Pianist Vijay Iyer, der gleich f&uuml;nfmal ausgezeichnet wurde: als Jazzk&uuml;nstler des Jahres, f&uuml;r das Jazzalbum des Jahres (&ldquo;Accelerando&rdquo;, erschienen auf Siggi Lochs deutschem ACT-Label), als bester Pianist und bester Komponist (in der Unterkategorie &ldquo;Rising Stars&rdquo;). Mit seinem Trio errang er zudem den Titel der besten Jazzgruppe. Zu den weiteren Preistr&auml;gern in den Hauptkategorien geh&ouml;ren u.a. Sonny Rollins (Tenorsax), Branford Marsalis (Sopransax) und Kurt Elling (Gesang). Manfred Eicher wurde wieder einmal zum Produzent des Jahres gek&uuml;rt, w&auml;hrend ECM den Titel &ldquo;Label des Jahres&rdquo; davontrug. In der Unterkategorie der so genannten &ldquo;Rising Stars&rdquo; setzten sich u.a. Gitarrist Julian Lage und Keyboarderin Hiromi durch.

The Old Country - Keith Jarrett, Paul Motian, Gary Peacock

When Will The Blues Leave

Paul Motian: Motian,Paul

Live At Birdland

Paul Motian: Lost In A Dream

Lost In A Dream

New York Days 0602517727151

New York Days

Time And Time Again 0602517011375

Time And Time Again

TATI 0602498701746

TATI

I Have The Room Above Her 0602498240568

I Have The Room Above Her

Conception Vessel 0602517758522

Conception Vessel

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