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Gary Peacock

Of Mist And Melting (Luminessence Serie LP)

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Dussmann

LP aus der "Luminessence" Serie.
&ldquo;Eine subtile Tour de Force&ldquo; &ndash; so lautete 1978 das Urteil des amerikanischen Billboard Magazins in Bezug auf Bill Connors&lsquo; Of Mist And Melting. Und Jahrzehnte sp&auml;ter best&auml;tigt eine wiederholte Auseinandersetzung mit dieser Musik nur, dass hier tats&auml;chlich besondere Geister am Werk waren, als die von Manfred Eicher produzierte Session mit Jan Garbarek, Gary Peacock, Jack DeJohnette und Connors im Dezember 1977 im Talent Studio in Oslo stattfand. Nach einer Phase elektrischer Fusion-Eskapaden in den fr&uuml;hen 70ern, stellte Connors&rsquo; Zeit bei ECM eine R&uuml;ckbesinnung auf den akustischen Kern seines Spiels dar: Der Gitarrist reduzierte seine Musik auf das Wesentliche im kammermusikalischen Gestus, getragen von nuanciertem Fingerspritzengef&uuml;hl an Nylon-Saiten. Im reflektiert-fesselnden Zusammenspiel mit Improvisations-Speerspitzen ihrer Zeit, pr&auml;sentiert der Gitarrist sechs Eigenkompositionen, die das Lyrisch-Konkrete mit weitl&auml;ufigen, spontan und offenen Strukturen verbinden &ndash; oder, wie es &nbsp;das englische Jazz Journal einige Jahre sp&auml;ter formulierte: &bdquo;Selten haben sich Elemente von &sbquo;Hot&lsquo; und &sbquo;Cool&lsquo; Jazz so eindrucksvoll kombiniert.&ldquo; Connors selbst wirkte beim H&ouml;ren des Albums im Jahr 2025 erstaunt dar&uuml;ber, wie sehr er sich w&auml;hrend seiner f&uuml;nfj&auml;hrigen Zusammenarbeit mit Manfred Eicher f&uuml;r ECM in die klassische Gitarre vertieft hatte. &bdquo;Es machte mich nostalgisch f&uuml;r diese Periode. Ich hatte ganz vergessen, wie viel Zeit ich dieser Gitarrenspielart gewidmet hatte&ldquo;, erinnerte sich Bill, fast &uuml;berrascht von dem, was er auf seiner eigenen Aufnahme h&ouml;rt. &bdquo;Obwohl es m&ouml;glicherweise nicht das war, was sich Manfred erwartet hatte, ist es genau das Album geworden, das wir beide wollten.&ldquo; &nbsp; Neu aufgelegt im Rahmen von ECM&rsquo;s Luminessence-Reihe, erscheint Of Mist And Melting in einer Tip-on-Gatefold-H&uuml;lle mit neuen Linernotes und Fotos aus dem Archiv.

Subtile Tour de Force

Mit "Of Mist and Melting" gelang dem amerikanischen Gitarristen Bill Connors 1978 ein &auml;u&szlig;erst dynamisches kammermusikalisches Meisterwerk. Nun erscheint es nach fast&nbsp; 50 Jahren in der "Luminessence"-Reihe von ECM Records wieder auf Vinyl.

Dieses Album auf LP und mehr von ECM-Records finden Sie in unserem&nbsp;<a href="https://eustore.everythingjazz.com/collections/ecm-records" target="_blank" rel="noopener">JazzEcho-Store</a>.
Das Branchenmagazin Billboard beschrieb das Album "<a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/bill-connors-jan-garbarek-gary-peacock-jack-dejohnette-of-mist-and-melting-115269?_pos=1&amp;_psq=of+mist+and&amp;_ss=e&amp;_v=1.0" target="_blank" rel="noopener">Of Mist and Melting</a>" des Gitarristen Bill Connors bei seiner Erstver&ouml;ffentlichung im Jahr 1978 als "eine subtile Tour de Force&rdquo;. Dass damals einige ganz besondere Geister am Werk waren, ist auch heute noch sofort sp&uuml;rbar, wenn man sich diese zeitlos wirkende Musik anh&ouml;rt. F&uuml;r die Aufnahmesession von "Of Mist And Melting&rdquo; hatte der Produzent Manfred Eicher Connors im Dezember 1977 im Talent Studio in Oslo mit dem Saxofonisten Jan Garbarek, dem Bassisten Gary Peacock und dem Schlagzeuger Jack DeJohnette zusammengebracht. Der in Los Angeles geborene und aufgewachsene Gitarrist hatte als Jugendlicher zun&auml;chst in Blues- und Rockbands gespielt, bevor er - vor allem inspiriert durch Django Reinhardt - zum Jazz wechselte. "Er hatte all das Feuer, die Kreativit&auml;t und die Energie, die man heute mit Rockmusik verbindet&rdquo;, sagte Connors 1974 in einem Interview mit dem Magazin Guitar Player. "Und seine Melodien waren von einer so erstaunlichen Reinheit, dass man einfach wusste, dass er sie v&ouml;llig instinktiv geschaffen hatte.&rdquo; In der Jazzwelt machte sich Bill Connors einen Namen, als er 1973 an der Aufnahme des Albums "Hymn of the Seventh Galaxy&rdquo; von Chick Coreas Fusion-Band Return to Forever mitwirkte - die erste Inkarnation von Return to Forever hatte bekanntlich 1972 ihr gleichnamiges Deb&uuml;talbum f&uuml;r ECM Records vorgelegt - und anschlie&szlig;end mit der Band durch Europa und Japan tourte. Noch im selben Jahr war er an der Einspielung des Albums "Love, Love&rdquo; des Posaunisten Julian Priester beteiligt, das 1974 von ECM Records ver&ouml;ffentlicht wurde. Nachdem Connors Aufnahmen des klassischen Gitarristen Julian Bream (der ebenfalls ein gro&szlig;er Django-Reinhardt-Fan war) entdeckt hatte, widmete er sich selbst intensiv dem Studium der akustischen Gitarre.&nbsp;
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Die Einfl&uuml;sse von Django Reinhardt und Julian Bream, aber auch des spanischen Klassikgitarristen Andr&eacute;s Segovia pr&auml;gten - bis zu einem gewissen Grad - auch die drei kammermusikalischen Alben, die Bill Connors in der zweiten H&auml;lfte der 1970er Jahre f&uuml;r ECM Records einspielte: "Theme to the Gaurdian&rdquo;, "Of Mist and Melting&rdquo; und "Swimming with a Hole in My Body&rdquo;. Auf "Of Mist and Melting&rdquo; entfaltet sich ein besonders reizvolles Zusammenspiel mit Jan Garbarek und dem ebenso filigranen wie dynamischen Rhythmusgespann Gary Peacock und Jack DeJohnette, das sp&auml;ter auch Keith Jarretts "Standards&rdquo;-Trio befl&uuml;geln sollte. Connors pr&auml;sentierte hier sechs Eigenkompositionen, die das Lyrisch-Konkrete mit weitl&auml;ufigen, spontanen und offenen Strukturen verbinden. Oder, um es mit den Worten des Kritikers Michael Tucker zu sagen, der das Album 1993 im britischen Jazz Journal rezensierte: "Selten wurden die Elemente von &lsquo;Hot&rsquo; und &lsquo;Cool&rsquo; Jazz so eindrucksvoll miteinander kombiniert.&rdquo; Als Bill Connors sich im vergangenen Jahr das Album anh&ouml;rte, war er selbst verbl&uuml;fft, wie intensiv er sich w&auml;hrend der f&uuml;nf Jahre, in denen er mit Manfred Eicher und ECM Records zusammenarbeitete, mit dem Spielen der klassischen Gitarre auseinandergesetzt hatte. "Es weckte nostalgische Erinnerungen an diese Jahre in mir. Ich hatte vergessen, wie viel Zeit ich investiert hatte, um diese Art von Gitarre zu spielen&rdquo;, sagte Connors, der von dem, was er auf seiner eigenen Aufnahme h&ouml;rte, offenbar &uuml;berrascht war. "Obwohl es m&ouml;glicherweise nicht immer das war, was sich Manfred urspr&uuml;nglich vorgestellt hatte, ist es genau das Album geworden, das wir beide uns gew&uuml;nscht hatten.&rdquo;
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In der "Luminessence&rdquo;-Reihe von ECM Records erscheint "Of Mist And Melting&rdquo; nun in einer Tip-on-Gatefold-H&uuml;lle mit neuen Linernotes und bisher unver&ouml;ffentlichten Fotos aus dem Archiv.

Perfekte Balance zwischen Intimität und Intensität

Mit "Oracle" schufen der Bassist Gary Peacock und der Gitarrist Ralph Towner vor etwas mehr als drei&szlig;ig Jahren ein durch und durch faszinierendes kammermusikalisches Duo-Album. Nun erscheint es in der "Luminessence"-Reihe erstmals auf Vinyl.

Das 1993 aufgenommene und 1994 ver&ouml;ffentlichte Album "Oracle" dokumentiert das erste Duo-Aufeinandertreffen des Kontrabassisten Gary Peacock und des Multiinstrumentalisten Ralph Towner, der hier ausschlie&szlig;lich an klassischer und zw&ouml;lfsaitiger Gitarre zu h&ouml;ren ist. Die beiden ECM-Legenden hatten bereits f&uuml;nf Jahre zuvor auf Towners ECM-Album "City of Eyes" im Quintett-Format miteinander gearbeitet. 1995 kehrten sie f&uuml;r eine zweite Duo-Session ins Studio zur&uuml;ck, die ECM 1998 unter dem Titel "A Closer View" ver&ouml;ffentlichte. Wie das britische Klassikmagazin Gramophone damals feststellte, erzeugten Peacock und Towner auf "Oracle" Musik von "intellektueller Intensit&auml;t", die zugleich "verf&uuml;hrerisch sch&ouml;n anzuh&ouml;ren" sei. Als Ausgangspunkt f&uuml;r ihre gr&ouml;&szlig;tenteils kammermusikalischen, mitunter aber auch &uuml;berraschend groovigen Dialoge dienen den beiden Protagonisten dabei neun Originale (sechs aus der Feder von Peacock, zwei aus der von Towner sowie das gemeinsam komponierte Titelst&uuml;ck), in denen sie komponierte Passagen und abenteuerliche Improvisationen nahtlos miteinander verbanden.
"&lsquo;Oracle&rsquo; z&auml;hlt zu Ralph Towners besten Einspielungen", meinte Manfred Schmidt in Stereo, als das Album 1994 erschien. "Aufgenommen hat er sie mit einem der herausragenden Bassisten im Jazz. Und der spielt hier noch melodi&ouml;ser und perkussiver als mit Keith Jarrett, l&auml;sst seinen Kontrabass Geschichten erz&auml;hlen, die zudem hervorragend aufgenommen wurden: man h&ouml;rt das Surrend er Saiten, die sich bewegenden Finger auf dem Griffbrett, die volumin&ouml;sen Resonanzen des gro&szlig;en Instrumentenk&ouml;rpers. Ebenso genial wurde Towners klassische Gitarre eingefangen. [...] Doch was w&auml;ren all diese technischen Raffinessen, wenn die Chemie zwischen den beiden Musikern nicht stimmen w&uuml;rde? Wie sich Towner und Peacock die Spielb&auml;lle zuwerfen, wie sie aufeinander reagieren, ist ebenso subtil wie umwerfend: Das Ergebnis ist die beste Jazz-Duo-Platte seit langem."
In Stereoplay schrieb Matthias Inhoffen wiederum: "Mit Ralph Towner findet Gary Peacock zu einem lebendigen, offenen, an filigranen Finessen reichen Dialog. Wie selten bei einer Duoaufnahme sind beide Parteien st&auml;ndig in Bewegung, lauschen dem anderen seine m&ouml;glichen n&auml;chsten Schritte ab, reagieren auf die feinste Andeutung, unterbreiten mit zur&uuml;ckhaltender Eleganz ihre eigenen Ansichten. Aktion und Reaktion sind bei dieser Kammerjazz-Et&uuml;de nur schwer zu trennen." In der "Luminessence"-Serie wird dieses von Manfred Eicher produzierte Meisterwerk nun zum ersten Mal in einem Tip-On-Gatefold-Cover mit Fotos der Aufnahmesession auf Vinyl ver&ouml;ffentlicht.

Eine Sternstunde dreier Meister

Das Live-Album &ldquo;At The Deer Head Inn&rdquo; von Keith Jarrett, Gary Peacock und Paul Motian wurde 1994 als Meisterwerk gefeiert. Zum 30-j&auml;hrigen Jubil&auml;um erscheint nun ein zweites Album mit bislang unver&ouml;ffentlichten Aufnahmen des historischen Konzertes.

Das Live-Album "At The Dear Head Inn", das Keith Jarrett am 16. September 1992 mit Gary Peacock und Paul Motian im Deer Head Inn eingespielt hat, nimmt unter all den Aufnahmen, die der Pianist der Auseinandersetzung mit Jazzstandards und dem "Great American Songbook" gewidmet hat, eine Sonderstellung ein. Mit "The Old Country" erscheint nun ein weiteres Tondokument von demselben Konzert, das ebenfalls in mehrfacher Hinsicht von gro&szlig;er historischer Bedeutung ist.
Idyllisch in den Pocono Mountains am Delaware Water Gap in Pennsylvania gelegen, bietet das Deer Head Inn neben &Uuml;bernachtungsm&ouml;glichkeiten schon seit 1950 kontinuierlich Live-Musik und ist damit einer der &auml;ltesten Jazzclubs der USA. 1961 gab der Club dem damals 16-j&auml;hrigen Keith Jarrett die Gelegenheit, zum ersten Mal mit einem eigenen Trio vor Publikum aufzutreten. Als die Besitzer Bob und Fay Lehr 1992 in den Ruhestand gingen und die Leitung an ihre Tochter Dona und ihren Schwiegersohn Christopher Solliday &uuml;bergaben, bot Keith Jarrett an, erneut dort aufzutreten, um das anhaltende Engagement des Clubs f&uuml;r den Jazz zu w&uuml;rdigen.
Wenig &uuml;berraschend spielte Keith Jarrett mit Gary Peacock und Paul Motian vor ausverkauftem Haus. Die Veranstaltung war nicht beworben worden, aber die Nachricht von dem bevorstehenden Konzert verbreitete sich durch Mundpropaganda wie ein Lauffeuer.&nbsp;The Morning Call, die Lokalzeitung von Jarretts Heimatstadt Allentown, berichtete sp&auml;ter:&nbsp;"Von den 130 Leuten im Club mussten 30 stehen. Und drau&szlig;en auf der Veranda dr&auml;ngten sich weitere 50 oder 60 Leute".
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Das spontan organisierte Konzert bot damals die einzige Gelegenheit, Jarrett in dieser Konstellation live zu erleben. Der Bassist Gary Peacock war zu dieser Zeit ein engagiertes Mitglied von Jarretts sogenanntem Standards Trio, das durch Jack DeJohnette vervollst&auml;ndigt wurde. Schlagzeuger Paul Motian wiederum hatte den Pianisten 1967 zusammen mit Charlie Haden bei der Einspielung seines allerersten Soloalbums&nbsp;"Life Between the Exit Signs" begleitet und war danach sechs Jahre lang Mitglied von Jarretts American Quartet, das unter anderem auf den ECM-Alben&nbsp;"The Survivors Suite" und "Eyes Of The Heart" zu h&ouml;ren ist. Doch seit der Aufl&ouml;sung dieser Gruppe im Jahr 1976 hatte Motian nicht mehr mit Jarrett zusammengearbeitet. "Ich war nicht nur seit 30 Jahren nicht mehr als Pianist im Deer Head aufgetreten, sondern hatte auch seit 16 Jahren nicht mehr mit Paul Motian zusammengearbeitet. Es war also wie eine Wiedervereinigung und zugleich eine Jamsession", schrieb Jarrett in den Liner Notes des Albums "At The Deer Head Inn", auf dem 1994 eine erste Auswahl des bei diesem historischen Auftritt mitgeschnittenen Materials ver&ouml;ffentlicht wurde.
Das&nbsp;"Deer Head Inn"-Projekt lie&szlig; noch eine weitere alte Freundschaft Jarretts wieder aufleben. Denn die Idee, das Konzert aufzuzeichnen, stammte von dem Schlagzeuger Bill Goodwin, der auf dem Cover auch als Produzent genannt wird. Goodwin hatte 1970 bei der Aufnahme des Albums "Gary Burton &amp; Keith Jarrett" f&uuml;r Atlantic mitgewirkt und war sp&auml;ter zum Quartett des Altsaxofonisten Phil Woods gesto&szlig;en, das viele Jahre lang regelm&auml;&szlig;ig im Deer Head Inn auftrat. Eigentlich wollte er das Konzert nur f&uuml;r Keiths pers&ouml;nliches Tonarchiv dokumentieren. Doch als der Pianist die Aufnahmen h&ouml;rte, war ihm sofort klar: "Das muss ver&ouml;ffentlicht werden... Ich glaube, dass man auf dieser Aufnahme gut h&ouml;ren kann, worum es im Jazz geht."
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Als&nbsp;"At The Deer Head Inn" 1994 ver&ouml;ffentlicht wurde, stimmte die Presse der Einsch&auml;tzung des Pianisten zu. "Die Musik hat den Schwung und die unerschrockene Gef&uuml;hlsbetontheit von Keith Jarretts besten Werken", schrieb Stereophile. Gramophone hob unterdessen das "fesselnde" Zusammenspiel hervor, w&auml;hrend die Los Angeles Times die Aufnahme als "ein Kompendium der Anmut" lobte.
Drei&szlig;ig Jahre nach der Ver&ouml;ffentlichung von "At The Deer Head Inn" hielten es Keith Jarrett und Manfred Eicher f&uuml;r an der Zeit, sich den kompletten Konzertmitschnitt noch einmal anzuh&ouml;ren. F&uuml;r das Album "The Old Country", dessen Untertitel "More From The Deer Head Inn" auf das Vorg&auml;ngeralbum verweist, w&auml;hlten sie acht bisher unver&ouml;ffentlichte St&uuml;cke aus. Das Repertoire umfasst mit "Everything I Love" und "All Of You" gleich zwei St&uuml;cke von Cole Porter, "Straight No Chaser" von Thelonious Monk, "I Fall In Love Too Easily" von Jule Styne, "Someday My Prince Will Come" von Frank Churchill, "How Long Has This Been Going On" von George Gershwin, "Golden Earrings" von Victor Young und "The Old Country" von Nat Adderley.
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Nachruf auf Gary Peacock

Im Alter von 85 Jahren verstarb am 4. September der Bassist Gary Peacock, der durch Aufnahmen mit Bill Evans, Paul Bley und nat&uuml;rlich Keith Jarretts "Standards"-Trio Ruhm erntete.

Rund 65 Jahre lang war Gary Peacock mit seinem Kontrabass einer der verl&auml;sslichsten Pulsgeber des Jazz. Und ein halbes Jahrhundert lang war seine Karriere als Aufnahmek&uuml;nstler eng mit ECM Records verbunden. Seine ersten Einspielungen f&uuml;r das damals noch blutjunge Label von Manfred Eicher erschienen 1970 und waren erst die dritte ECM-Produktion. Das Album trug den Titel "Paul Bley With Gary Peacock" und enthielt Trio-Aufnahmen mit den Schlagzeugern Paul Motian und Billy Elgart aus den Jahren 1963 und 1968.&nbsp; Es war der Auftakt zu einer langen, engen Freundschaft zwischen dem amerikanischen Bassisten und dem deutschen Produzenten und einer ausgedehnten Zusammenarbeit mit ECM.
"Ich habe einen lebenslangen Freund verloren", sagt Manfred Eicher, der selbst ein klassisch geschulter Kontrabassist ist, "und einen Musiker, den ich seit dem ersten Mal, als ich ihn h&ouml;rte, sehr bewundert habe. Wir waren so froh und stolz, ihn schon so fr&uuml;h in unserem Programm pr&auml;sentieren zu k&ouml;nnen. Zusammen mit Scott LaFaro, Steve Swallow und Charlie Haden war Gary einer der Bassisten, die ich am meisten sch&auml;tzte, und ich liebte sein Spiel auf Albert Aylers 'Spiritual Unity' und Bill Evans' 'Trio '64'. Wir begannen eine engere Zusammenarbeit mit 'Tales Of Another', im R&uuml;ckblick ein einflussreiches Album. Es legte den Grundstein f&uuml;r eine der langlebigsten Gruppen im Jazz..." Gemeint ist damit nat&uuml;rlich das "Standards"-Trio mit Keith Jarrett und Jack DeJohnette, das mehr als drei&szlig;ig Jahre (von 1983 bis 2014) Bestand hatte.
Der 1935 in Burley/Idaho geborene Gary Peacock spielte Schlagzeug, Vibraphon und Klavier, bevor er sich mit zwanzig Jahren f&uuml;r den Kontrabass entschied, das Instrument, mit dem er tiefe Spuren in der Jazzgeschichte hinterlassen sollte. Zum Bassspielen fand er w&auml;hrend seiner Stationierung bei der US-Armee in Deutschland. Nach seiner Entlassung aus der Armee blieb er noch einige Zeit in Deutschland, um dort mit Gr&ouml;&szlig;en wie Hans Koller, Tony Scott, Bud Shank und Atilla Zoller zu spielen. Anfang der 1960er Jahre war Peacocks phantasievoller, wacher und elegant singender Bass im gesamten Spektrum des kreativen Jazz in New York zu h&ouml;ren - er spielte in den Trios von Paul Bley und Bill Evans sowie in Bands von Tony Williams, Lowell Davidson und Albert Ayler. Gary war felsenfest davon &uuml;berzeugt, dass Kreativit&auml;t nicht durch ein Idiom oder einen Stil begrenzt oder definiert werden k&ouml;nne. Der Sinn des Musizierens bestand f&uuml;r ihn darin, die Freiheiten, die jeder Kontext offenbart, aufzufinden und ihnen zu folgen, eine Denkweise, die ihn zum idealen Bassisten f&uuml;r das Trio mit Keith Jarrett und Jack DeJohnette machte, wo er ebenso gerne die Akkordwechsel von Jazzstandards f&uuml;r neue Impulse nutzte oder die Sicherheit von Liedformen ganz aufgab. b
Das Trio mit Jarrett und DeJohnette war urspr&uuml;nglich 1977 f&uuml;r Garys ECM-Solodeb&uuml;t "Tales Of Another" zusammengestellt worden. Dieses Album, das ausschlie&szlig;lich St&uuml;cke des Bassisten bot, war quasi Garys "Comeback-Album", aufgenommen nach einem l&auml;ngeren Aufenthalt in Japan. Dort hatte er in Masabumi Kikuchi einen weiteren wichtigen Verb&uuml;ndeten kennengelernt und war in die &ouml;stliche Kultur eingetaucht. Peacock war aber nicht nur ein unvergleichlicher Improvisator - niemand war mehr darauf bedacht, im gegenw&auml;rtigen Moment zu spielen -, sondern auch ein Komponist auffallend origineller Melodien. Einige von ihnen - etwa "Moor", "Vignette", "Gaya", "December Greenwings" und "Requiem" - hatten pr&auml;gnante Themen, die Haikus glichen, und wurden von Peacock w&auml;hrend seines langen k&uuml;nstlerischen Lebens immer wieder aufgegriffen, aber auch von zahlreichen anderen Musikern vertont.
Garys ECM-Aufnahmen als Leader wurden meist in Oslo produziert und umfassen die Alben "December Poems" (gr&ouml;&szlig;tenteils Solobass plus zwei Duette mit Jan Garbarek), "Voice From The Past - Paradigm" (mit Garbarek, Tomasz Stanko und Jack DeJohnette) und "Guamba" (mit Garbarek, Palle Mikkelborg und Peter Erskine), sowie Duo-Alben mit Ralph Towner ("A Closer View" und "Oracle") und gemeinsame Aufnahmen mit John Surman, Paul Bley und Tony Oxley ("Adventure Playground" und "In The Evenings Out There"). Auf dem in New York produzierten Album "Shift In The Wind" pr&auml;sentierte sich Gary 1980 im Trio mit Art Lande und Eliot Zigmund.
In den 1990er Jahren f&uuml;hrte Gary f&uuml;r das in New York aufgenommene Album "Not Two, Not One" eine Reunion des Paul Bley Trios mit Paul Motian herbei. Im Anschluss daran unternahm das Trio Tourneen, bei denen in der Schweiz der Konzertmitschnitt "When Will The Blues Leave" entstand. Die Zusammenarbeit mit Marilyn Crispell - mit der er ebenfalls eine langw&auml;hrende musikalische Partnerschaft unterhielt - begann mit dem Album "Nothing Ever Was, Anyway", auf dem die beiden mit Paul Motian die Musik von Garys Ex-Frau Annette Peacock erkundeten. In seinen letzten Lebensjahren widmete sich Gary Peacock mit Begeisterung seinem Trio mit Marc Copland und Joey Baron und genoss besonders die Art und Weise, wie der Klang seines Basses und der Klang der Gruppe auf dem Album "Tangents" in der Akustik des Studios in Lugano ineinandergriffen und mitschwangen.
Seine stilistische Vielf&auml;ltigkeit bewies Gary Peacock auch bei Aufnahmen mit Bud Shank und Laurindo Almeida, Ravi Shankar, Albert Ayler, Tony Williams, Don Ellis, Bill Evans, Clare Fischer, Don Pullen, Toninho Horta und dem TrioTethered Moo, dass er &uuml;ber zehn Jahre lang mit Masabumi Kikuchi und Paul Motian bildete.

Paul Bley, Gary Peacock & Paul Motian - drei Jazzlegenden in Höchstform

"When Will The Blues Leave" enth&auml;lt einen 1999 aufgezeichneten Konzertmitschnitt des Paul Bley Trios, das 35 Jahre zuvor neue Standards im freien Spiel setzte.&nbsp;

"Wenn Musik ein Gespr&auml;ch ist, dann werden Fragen aufkommen, denn in Gespr&auml;chen gibt es viele Fragen. Fragen f&uuml;hren zu Antworten, die wiederum zu mehr Fragen f&uuml;hren. Das ist es, was die Musik vorantreibt: die Fragen und die Antworten auf sie." (Paul Bley)
"When Will The Blues Leave" ist eine bisher unver&ouml;ffentlichte Aufnahme, die zwanzig Jahre lang in den Archiven von ECM Records schlummerte. Die Musik dieses Albums zeugt von dem besonderen Verst&auml;ndnis zwischen drei gro&szlig;e Improvisatoren. Unter kreativen Musikern gilt das bahnbrechende Trio von Paul Bley mit Gary Peacock und Paul Motian seit langem als eine der einflussreichsten Gruppen der "Free"-&Auml;ra. Und dass, obwohl es nur wenige Aufnahmen von ihm gibt. Eine 1963 gemachte Session des Trios war Teil des Albums "Paul Bley With Gary Peacock", das ECM 1970 ver&ouml;ffentlichte. Eine weitere Aufnahme von 1964, auf der zu dem Trio noch der Saxophonist John Gilmore stie&szlig;, erschien Mitte der 70er Jahre unter dem Titel "Turning Point" auf Bleys eigenem Label IAI Records. Dar&uuml;ber hinaus erschien &uuml;ber die Jahre hinweg noch eine Reihe von Aufnahmen, die den Pianisten entweder mit Motian oder mit Peacock pr&auml;sentierten. Und dann gibt es auch Alben, auf denen der Schlagzeuger und der Bassist in anderen Kontexten zusammenspielen. Dennoch dauerte es bis 1998, bis sich alle drei Protagonisten f&uuml;r die ECM-Aufnahme "Not Two, Not One" endlich wieder zusammen in einem Aufnahmestudio einfanden. Nach der Ver&ouml;ffentlichung des Albums ging das wiederveinte Trio mit dem Programm dies- und jenseits des Atlantiks auf Tournee. Im Rahmen dieser Tournee wurde im M&auml;rz 1999 in der Aula Magna di Trevano im schweizerischen Lugano das Konzert aufgezeichnet, das auf "When Will The Blues Leave" nun endlich die &Ouml;ffentlichkeit erblickt. Das Trio lief an diesem Abend zu Hochform auf. Das Album selbst ist nicht nur Dokument eines fantastischen Auftritts, sondern eine der besten Trio-Einspielungen von Paul Bley &uuml;berhaupt.
Zum Auftakt spielte das Trio die Bley-Komposition "Mazatlan", die der Pianist erstmals 1965 auf seinem Album "Touching" vorgestellt hatte. Mit ihr wird der H&ouml;rer in die schlagfertige Welt des Trios eingef&uuml;hrt, in der drei unabh&auml;ngige Geister die Palette ihrer Ausdrucksmittel voll auskosten. "Das Sch&ouml;ne daran, einen Schlagzeuger wie Paul Motian zu haben, war, dass man die Freiheit hatte, jedwede Richtung einzuschlagen", hatte Bley bekanntlich einmal gesagt. "Er spielte keine Begleitung. Also musste man sich nicht sorgen: 'Wird der Schlagzeuger mir folgen k&ouml;nnen, wenn ich nach links abbiege?' Denn Motian hatte von vornherein nicht die Absicht, einem zu folgen." Sowohl Motian als auch Peacock nehmen in "Mazatlan" viel Raum in Anspruch, und Bley erkundet auf charakteristische Weise mit explosiven Clustern die tieferen Register des Klaviers. Die Flamme in "Flame" brennt konstant, wobei Bley und Peacock das entwickeln, was man als parallele Selbstgespr&auml;che bezeichnen k&ouml;nnte. "Told You So" erinnert an Bleys Liebe zum Blues, die auch bei der Fragmentierung seiner Themen konstant durchscheint.
Ornette Colemans energiegeladenes "When Will The Blues Leave", das hier in einem flotten Tempo gespielt wird, ist ein St&uuml;ck, das Bley 1958 in sein Repertoire aufnahm, als der Komponist (zusammen mit Don Cherry, Charlie Haden und Billy Higgins) Mitglied von Pauls legend&auml;rem Quintett im Hillcrest Club in Los Angeles war. Man kann es auch auf dem zeitlosen "Footloose"-Album und auf "Paul Bley With Gary Peacock" h&ouml;ren. Das letztgenannte Album enth&auml;lt auch Peacocks Komposition "Moor", zu der der Bassist mehrfach zur&uuml;ckgekehrt ist und die er stets auf andere Weise spielte (bei ECM gibt es u.a. auf "Voice From The Past - Paradigm" eine Quartett-Version mit Jan Garbarek, Tomasz Stanko und Jack DeJohnette sowie auf "Now This" eine aktuelle Trio-Interpretation mit Marc Copland und Joey Baron). Hier beginnt "Moor" als robustes Basssolo, das Motians Schlagzeug und Bleys Klavier allm&auml;hlich in seine Umlaufbahn zieht.
Diese Musiker neigten nie dazu, etwas zweimal auf die gleiche Weise zu spielen. Ein wunderbares Beispiel daf&uuml;r ist das St&uuml;ck "Dialogue Amour", dass sie ein Jahr zuvor auf "Not Two, Not One" vorgestellt hatten. Bei ihrem Auftritt in Lugano verwandeln sie es vollkommen, indem Peacock und Bley frei assoziieren, w&auml;hrend sich das St&uuml;ck entfaltet. An einem Punkt wirft Paul Zitate aus Charlie Parkers "Ornithology" ein (der Altsaxophonist war einer der vielen Giganten, mit denen Bley im Laufe seiner Karriere gespielt hat).
Bei seinen ersten Kollaborationen Anfang der 1960er Jahre hatte das Trio den Schwerpunkt daraufgelegt, eigene Kompositionen als Tor zum freien Spiel zu nutzen. In den 1990er Jahren aber hatten sich alle drei Musiker bei verschiedenen Projekten auch wieder mit Jazzstandards auseinandergesetzt. Die letzte Nummer des Albums, Gershwins "I Loves You, Porgy", ist eine weitere faszinierende Performance, bei der sich Bley zun&auml;chst der romantischen Atmosph&auml;re des St&uuml;cks hingab, um dann - wie stets von dem Wunsch getrieben, die Musik zu erneuern - die Melodie zu zersplittern und zu abstrahieren.

ECM-Neuheiten im Mai - zwei Trios sehr unterschiedlicher Natur

Von Paul Bley, Gary Peacock und Paul Motian erscheint das 1999 entstandene Live-Album "When Will The Blues Leave" und von Michele Rabbia, Gianluca Petrella und Eivind Aarset das Studioalbum "Lost River".&nbsp;

Anfang der 1960er Jahre unterhielt Paul Bley ein historisches Trio mit Gary Peacock und Paul Motian, das es verstand, frei und doch ungemein melodisch zu spielen. Auf dem Album "Paul Bley With Gary Peacock" brachte das blutjunge ECM-Label 1970 Aufnahmen dieses Trios heraus, die bereits 1963 entstanden waren. 1998 feierten die Musiker auf dem gro&szlig;artigen Album "Not Two, Not One" nach geschlagenen 35 Jahre ihre Reunion als Trio. Ein Jahr sp&auml;ter gingen sie mit dem Programm des Albums dies- und jenseits des Atlantiks auf Tournee. Das Album "When Will The Blues Leave", das am 31. Mai bei ECM erscheint, ist das Dokument eines fantastischen Auftritts, den Bley, Peacock und Motian seinerzeit in der Aula Magna von Trevano in der Schweiz absolvierten. Neben vier St&uuml;cken von Paul Bley (u.a. das energiegeladene "Mazatlan") und Peacocks Evergreen "Moor" interpretierte das Trio an jenem Abend noch Gershwins Liebesballade "I Loves You, Porgy" und Ornette Colemans kantige Freebop-Nummer, die dem Album seinen Titel gab. Da es nur zwei &Uuml;berschneidungen im Repertoire gibt ("When Will The Blues Leave" und "Moor"), ist das Live-Album eine exzellente Erg&auml;nzung zu der 1999 erschienenen Studioeinspielung. Einstimmen kann man sich auf dieses Trio-Meisterwerk mit dem Titelst&uuml;ck, das ab sofort auf allen Streaming-Plattformen verf&uuml;gbar ist. Am 17. Mai wird man dort au&szlig;erdem auch schon in Bleys "Dialogue Amour" hineinh&ouml;ren k&ouml;nnen.
"Lost River" ist ein ungemein stimmungsvolles, post-ambientes, reich strukturiertes Klangereignis und zugleich eine der herausragenden genre&uuml;bergreifenden Aufnahmen der j&uuml;ngeren ECM-Geschichte. Schlagzeuger Michele Rabbia hat mit dem Gitarristen Eivind Aarset schon viele Duo-Konzerte gegeben und mit dem Posaunisten Gianlucca Petrella in anderen Kontexten zusammengearbeitet. Doch diese Aufnahme f&uuml;hrte die Musiker nun das erste Mal als Trio zusammen. Die Musik von "Lost River" nimmt immer wieder neue Formen an, ist gr&ouml;&szlig;tenteils spontan improvisiert und offenbart geheimnisvolle Details, die in atemberaubenden Klanglandschaften aufbl&uuml;hen. Rabbias Schlagzeugspiel, das durch den Einsatz elektronischer Mittel noch bereichert wird, ist hier ungeheuer kreativ und treibend. Eivind Aarsets flie&szlig;endes Gitarrenspiel wird H&ouml;rer begeistern, die Fans seines "Dream Logic"-Projekts und seiner Aufnahmen mit Nils Petter Molv&aelig;r, Tigran Hamasyan und Andy Sheppard sind. Die gro&szlig;e &Uuml;berraschung d&uuml;rfte aber sein, wie sich Gianluca Petrella als f&uuml;hrende Instrumentalstimme in Szene setzt. Vor allem, wenn man den Posaunisten bislang "nur" als gro&szlig;artigen Jazzsolisten an der Seite von Enrico Rava und Giovanni Guidi kannte. Seine breite Ausdruckspalette kommt in der von Manfred Eicher exzellent produzierten Aufnahme bestens zur Geltung. "Lost Rivers" wird ebenfalls am 31. Mai bei ECM erscheinen. Auf Streaming-Plattformen kann man sich aber schon jetzt den Opener "Nimbus" anh&ouml;ren.

Keith Jarrett, Gary Peacock & Jack DeJohnette - Vorstoß zu der Seele der Songs

20 Jahre nach seiner Aufzeichnung erscheint auf dem Doppelalbum "After The Fall" endlich&nbsp; das Konzert, mit dem das Standards-Trio 1998 eine zweij&auml;hrige Spielpause beendete.

Im Laufe ihrer rund drei&szlig;ig Jahre umspannenden gemeinsamen Geschichte haben&nbsp;Keith Jarrett,&nbsp;Gary Peacock&nbsp;und&nbsp;Jack DeJohnette&nbsp;- allgemein bekannt als&nbsp;"das&nbsp;Standards-Trio"&nbsp;- viele herausragende Aufnahmen gemacht. Und das Doppelalbum&nbsp;"After The Fall", das vor begeisternden Darbietungen und dynamischen Interaktionen geradezu &uuml;bersprudelt, muss man sicherlich zu den allerbesten Einspielungen des Trios z&auml;hlen. Auf der Jazz-Website&nbsp;All About Jazz&nbsp;gab&nbsp;Karl Ackermann&nbsp;dem Album die H&ouml;chstwertung von f&uuml;nf Sternen und kam zu dem Schluss:&nbsp;"After The Fall"&nbsp;erinnert einen noch einmal daran, dass - und wie - das heute nicht mehr existierende Ensemble das Klaviertrio neu definiert hat. Ein exzellentes und sehr empfehlenswertes Album."
"Ich war erstaunt zu h&ouml;ren, wie gut die Musik funktioniert", sagt&nbsp;Keith Jarrett&nbsp;selbst.&nbsp;"F&uuml;r mich ist es nicht nur ein historisches Dokument, sondern ein wirklich gro&szlig;artiges Konzert." Diese im November 1998 in Newark/New Jersey mitgeschnittene Auff&uuml;hrung markierte Jarretts R&uuml;ckkehr auf die B&uuml;hne nach einer zweij&auml;hrigen Pause. Tats&auml;chlich war dieses Konzert das erste, das Jarrett seit den italienischen Soloauftritten von&nbsp;1996 gespielt hatte, die 2016 unter dem Titel "A Multitude of Angels"&nbsp;herausgekommen sind. In der Diskographie des Trios reiht es sich chronologisch vor der Aufnahme von "Whisper Not" ein, die im Sommer 1999 aufgezeichnet wurde, und ist somit der Vorbote der bemerkenswerten zweiten Periode dieses Trios, in der es neue Freiheiten sowohl innerhalb als auch au&szlig;erhalb der Welt der Jazzstandards zu finden schien.&nbsp;
"Wir machen uns keine Gedanken um Konzepte, Theorien oder Imagepflege", verriet&nbsp;Gary Peacock&nbsp;der Jazz Times vor einigen Jahren.&nbsp;"Das ist alles v&ouml;llig unwichtig. Was bleibt, ist also: alles. Es l&auml;sst die Musik &uuml;brig.&nbsp; Wenn du einmal an einem Punkt angelangt bist, an dem du nicht mehr das Gef&uuml;hl hast, eine Erkl&auml;rung abgeben zu m&uuml;ssen, betrittst du einen Raum von enormer Freiheit."
Mit seinen Improvisationspartnern Peacock und DeJohnette gleitet und segelt Jarrett durch die Klassiker des&nbsp;"Great American Songbook", darunter&nbsp;"The Masquerade Is Over",&nbsp;"Autumn Leaves",&nbsp;"When I Fall In Love"&nbsp;und&nbsp;"I&rsquo;ll See You Again"; gemeinsam kreieren sie ihre eigene Musik im Rahmen dieser famili&auml;ren Formen.&nbsp;Pete La Rocas&nbsp;"One For Majid", das im 21. Jahrhundert zu einem festen Bestandteil des Konzert-Repertoires des Trios werden sollte, wird spritzig interpretiert und bereitet den Boden f&uuml;r eine &uuml;berraschend ausgelassene, groovende Version von&nbsp;"Santa Claus Is Coming To Town", eine alte Kamelle, die fr&uuml;her auch schon&nbsp;Paul Bley&nbsp;und&nbsp;Bill Evans&nbsp;inspiriert hatte. Dem lebhaften Weihnachtslied wiederum folgt mit&nbsp;"Moment&rsquo;s Notice"&nbsp;eine f&uuml;r Jarrett seltene Auseinandersetzung mit einem&nbsp;Coltrane-Thema, bei der das Trio neue energetische H&ouml;hen erreicht.
Es gibt auch atemberaubende Interpretationen von geheiligten Bebop-Nummern wie&nbsp;Charlie Parkers&nbsp;"Scrapple From The Apple",&nbsp;Bud Powells&nbsp;"Bouncin&rsquo; With Bud"&nbsp;und&nbsp;Sonny Rollins'&nbsp;&rsquo;"Doxy". Besonders berauschend ist die Version von&nbsp;"Scrapple From The Apple". Die Noten perlen hier in schwindelerregender Weise aus Jarretts rechter Hand, w&auml;hrend DeJohnette sie magisch auf seinen Becken akzentuiert, bevor das St&uuml;ck in einen rasanten Austausch zwischen Klavier und Schlagzeug m&uuml;ndet. In seinem Begleittext &auml;u&szlig;ert sich Jarrett zur Auswahl des Materials f&uuml;r dieses&nbsp;"experimentelle"&nbsp;Comeback-Konzert:&nbsp;"Ich sagte den Jungs im Trio, dass Bebop zu spielen f&uuml;r mich die beste Idee sein k&ouml;nnte, obwohl das eine gro&szlig;artige Technik erforderte. Ich hatte nicht erwartet, dass ich so hart spielen m&uuml;sste, wie ich es manchmal tat..."
Balladen werden ebenfalls mit sehr viel Einf&uuml;hlungsverem&ouml;gen gespielt.&nbsp; Paul Desmonds&nbsp;"Late Lament"&nbsp;ger&auml;t zu einer tiefgr&uuml;ndigen Meditation, wobei&nbsp;Gary Peacock&nbsp;Jarretts asketische Ausweitung der Melodie wunderbar untermalt.&nbsp;"When I Fall In Love", von dem Trio oft als Zugabe gespielt, klingt hier so bewegend wie eh und je.
"Diese Songs besitzen eine Seele, die man finden kann", meinte Keith Jarrett einmal. Und dass das Trio diese Seele auf&nbsp;"After The Fall"&nbsp;wiederholt gefunden hat, ist wirklich unbestreitbar.

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