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Im Rahmen der Reihe ECM New Series erscheinen in den kommenden Tage zwei ungewöhnliche CD-Premieren."Odradek" ist den Klavier- und Kammermusikwerken des

Im Rahmen der Reihe ECM New Series erscheinen in den kommenden Tage zwei ungewöhnliche CD-Premieren."Odradek" ist den Klavier- und Kammermusikwerken des israelischen Komponisten Gideon Lewensohn gewidmet. "Svete Tikhiy" dokumentiert die Schaffensphase der frühen neunziger Jahren des Uzbeken Alexander Knaifel und konzentriert sich auf dessen Vokal- und Quartett/Klavierwerke.

Enzo Favata: In Klänge gewandeter magischer Realismus

Auf "Ritornare", seinem Deb&uuml;talbum f&uuml;r ECM Records, schl&auml;gt der Saxofonist und Klarinettist Enzo Favata mit seinem 1999 gegr&uuml;ndeten Quintett Atlantico eine musikalische Br&uuml;cke zwischen seiner Heimat Sardinien und der italienischen Diaspora in S&uuml;damerika.&nbsp;

Mit seinem Quintett Atlantico erkundet der sardische Saxofonist und Klarinettist Enzo Favata einen musikalischen Raum, in dem seine mediterranen Wurzeln mit lateinamerikanischen Ankl&auml;ngen, afrikanischen Einfl&uuml;ssen, der Improvisation des Jazz und einer kammermusikalischen Dynamik verschmelzen. Wenngleich die Musik des Ensembles einer klaren k&uuml;nstlerischen Ausrichtung folgt, ist sie doch niemals vorhersehbar. Nun legt Enzo Favata, der in der Vergangenheit bereits mit ECM-Gr&ouml;&szlig;en wie Enrico Rava, Dino Saluzzi, Miroslav Vitou&scaron; und dem Art Ensemble of Chicago zusammenarbeitete, mit "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/ritornare-1295256" target="_blank" rel="noopener">Ritornare</a>" sein erstes Album bei ECM Records vor. Gemeinsam mit seinen langj&auml;hrigen Mitstreitern &ndash; dem Gitarristen Marcello Peghin, dem Bandoneonisten Daniel Di Bonaventura, dem Kontrabassisten Salvatore Maltana und dem Schlagzeuger UT Gandhi, der am 10. August im Alter von 66 Jahren &uuml;berraschend verstarb &ndash; erschafft er darauf eine faszinierende, farbenreiche akustische Klangwelt, die von den gemeinsamen Reisen der Protagonisten und ihrer Auseinandersetzung mit vielf&auml;ltigen Musikkulturen gepr&auml;gt ist.
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Der Name des Quintetts verweist auf die gro&szlig;en stilistischen, transatlantischen Br&uuml;cken, die die Musiker in ihren Kompositionen zwischen Sardinien &ndash; wo sie zu Hause sind &ndash; und S&uuml;damerika schlagen. In ihren Anfangsjahren zwischen 1999 und 2004 unternahm die Band mehrere ausgedehnte Tourneen durch den S&uuml;den des Kontinents. Seit Mitte des 19. Jahrhunderts hatten dort zahlreiche Emigranten aus dem Mezzogiorno eine neue Heimat gefunden und die Kultur der Region ma&szlig;geblich mitgepr&auml;gt. Von der Geschichte der Einwanderung der Italiener in S&uuml;damerika handelt auch die Musik des Quintetts Atlantico. "Einwanderung ist die Seele Italiens, die Seele Lateinamerikas&rdquo;, meint Favata. Als er im vergangenen Oktober mit dem Ensemble beim Baku Jazz Festival auftrat, schrieb Ian Patterson in seiner Konzertbesprechung f&uuml;r All About Jazz: "In Favatas Welt gilt &ndash; wie bei allen gro&szlig;artigen Gruppen &ndash; dass das Ganze mehr ist als die Summe seiner Teile." Dies trifft ganz sicher auch auf die Musik von "Ritornare" zu.
Ein kollektives kulturelles Ged&auml;chtnis verbindet Orte und Menschen, deren Wege sich rund um den Atlantik kreuzen, und schafft so eine neue Realit&auml;t. Der 1956 in Alghero auf Sardinien geborene Saxofonist und Klarinettist Enzo Favata ist seit langem von der F&uuml;lle der F&auml;den fasziniert, die dieses weitverzweigte Netz bilden. In seiner Musik entdeckt er die Orte, die er besucht hat, aus der Erinnerung wieder und kehrt ("ritornare&rdquo;) durch den Klang zu ihnen zur&uuml;ck. Es scheint, als h&auml;tte sich Favata das Motto zu eigen gemacht, das der kolumbianische Schriftsteller Gabriel Garc&iacute;a M&aacute;rquez 2002 seinen Memoiren voranstellte,: "Das Leben ist nicht das, was man gelebt hat, sondern das, woran man sich erinnert und wie man sich daran erinnert &ndash; um davon zu erz&auml;hlen."
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Wie seine gleichgesinnten Bandkollegen erkennt Favata den kulturellen Zusammenfluss in den Werken lateinamerikanischer Autoren wie Isabel Allende, Jorge Luis Borges oder Gabriel Garc&iacute;a M&aacute;rquez. Diese literarischen Referenzen sind f&uuml;r den Saxofonisten ebenso pr&auml;gend wie seine musikalischen Vorbilder. In seinen sanften akustischen Klanglandschaften strebt das Quintett Atlantico danach, Orte zu schaffen, die "zwischen Traum und Wirklichkeit schweben", wie Favata es beschreibt. Der magische Realismus pr&auml;gt den Geist der Gruppe ma&szlig;geblich.
Hier und jetzt, mehrere Jahrzehnte nachdem sie sich zum ersten Mal zusammengetan haben, schaffen Favata und seine Mitmusiker Dialoge innerhalb von Strukturen und Stimmungen, die beim ersten H&ouml;ren seltsam vertraut wirken und bei jedem weiteren H&ouml;ren immer mehr neue Details offenbaren. Der Zuh&ouml;rer wird langsam, aber stetig von dem entfernt, was er zu erkennen glaubte, und kehrt an einen unbekannten, doch beruhigenden Ort zur&uuml;ck. Und jedes Mal, wenn die Musiker versuchen, ihre Schritte zur&uuml;ckzuverfolgen, gelangen sie an einen neuen Ort und kehren dorthin zur&uuml;ck, wo sie noch nicht ganz gewesen sind.

Kammermusikalischer Jazz mit einem Hauch portugiesischer Saudade

"Salt Catchers" ist das erste eigene Album des englischen Saxofonisten Andy Sheppard seit acht Jahren. Neben acht neuen Eigenkompositionen stellt er darauf sein wunderbares neues Trio vor.

Der britische Saxofonist Andy Sheppard ist seit jeher daf&uuml;r bekannt, neue Herausforderungen zu suchen und in den unterschiedlichsten Besetzungen &ndash; vom Duo bis zur Big Band &ndash; aufzutreten. Sein erstes eigenes Album f&uuml;r ECM Records, "Movements in Colour", nahm er 2008 mit einem au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Quintett auf. Vier Jahre sp&auml;ter war er auf dem hochgelobten zweiten Werk "Trio Libero" im Zusammenspiel mit dem franz&ouml;sischen Bassisten Michel Benita und dem Schlagzeuger Seb Rochford zu h&ouml;ren. F&uuml;r die Alben "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/surrounded-by-sea-260809" target="_blank" rel="noopener">Surrounded By Sea</a>" (2015) und "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/romaria-420624" target="_blank" rel="noopener">Romaria</a>" (2018) wurde das Trio dann durch den norwegischen Gitarristen Eivind Aarset zum Quartett erweitert. Parallel dazu nahm er mit Carla Bley und Steve Swallow f&uuml;r ECM Records au&szlig;erdem noch eine international gefeierte Album-Trilogie auf: "<a href="https://www.jazzecho.de/carlabley/diskografie/trios-192144" target="_blank" rel="noopener">Trios</a>" (2013), "<a href="https://www.jazzecho.de/carlabley/diskografie/andando-el-tiempo-342521" target="_blank" rel="noopener">Andando el Tiempo</a>" (2016) und "<a href="https://www.jazzecho.de/carlabley/diskografie/life-goes-on-lp-582064" target="_blank" rel="noopener">Life Goes On</a>" (2020). Auf "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/andy-sheppard-trio-salt-catchers-1295329" target="_blank" rel="noopener">Salt Catchers</a>" schl&auml;gt Andy Sheppard nun zusammen mit der italienischen Pianistin Rita Marcotulli und einmal mehr Michel Benita am Bass ein neues musikalisches Kapitel auf. Wenngleich sich die drei schon seit &uuml;ber zwanzig Jahren kennen und auch schon &ouml;fter miteinander gespielt haben, pr&auml;sentieren sie sich hier zum ersten Mal zusammen im Trio-Format.
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Neben einem St&uuml;ck von Carla Bley pr&auml;sentiert Sheppard auf "Salt Catchers" acht neue Eigenkompositionen, die allesamt durch einnehmende melodische Sch&ouml;nheit und delikate Harmonien bestechen. Sheppards unverwechselbarer Klang auf dem Tenor- und dem Sopransaxofon sowie seine elegant phrasierten Melodielinien werden von Marcotulli und Benita au&szlig;erordentlich geschmackvoll und mit gro&szlig;em Einf&uuml;hlungsverm&ouml;gen erg&auml;nzt.
Das Projekt nahm seinen Anfang w&auml;hrend der Corona-Pandemie, als Sheppard, der erst kurz zuvor in die Gegend von Lissabon gezogen war, nicht auftreten konnte und pl&ouml;tzlich viel mehr Zeit zum Komponieren hatte. "Ich versp&uuml;rte damals den inneren Drang, Musik zu schreiben, die auf das Klavier zugeschnitten ist, und nicht, wie es bei meinen fr&uuml;heren Projekten oft der Fall war, auf die Gitarre.&rdquo; Der britische Saxofonist wollte einen neuen Weg einschlagen und Musik mit einem kammermusikalischem Charakter schaffen, "die aber gleichzeitig eine Klangwelt haben sollte, die ganz und gar mir entspricht."
Die Entscheidung, in einem schlagzeuglosen Trio zu spielen,&nbsp;"r&uuml;hrt nur zum Teil daher, dass ich meinen Schlagzeuger Seb Rochford an Patti Smith verloren hatte", sagt Sheppard mit einem verschmitzten L&auml;cheln. "Der eigentliche Grund ist, dass ich die ganz besondere Herausforderung, ohne Schlagzeugbegleitung zu spielen, in den Jahren, in denen ich mit Carla Bley und Steve Swallow auftrat, so sehr genossen habe. Und mir gef&auml;llt auch die Idee, etwas ganz Neues zu schaffen, das gleichzeitig mit diesen vielen sch&ouml;nen Erinnerungen an Carla und Steve verbunden ist."
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Wie sein britischer ECM-Kollege John Surman hat auch Andy Sheppard eine Vorliebe f&uuml;r folk-inspirierte St&uuml;cke entwickelt. Das ist teilweise auf seine Zusammenarbeit mit dem schottischen Singer-Songwriter John Martyn in den fr&uuml;hen 1990er Jahren zur&uuml;ckzuf&uuml;hren. "Schon davor, als ich noch ein Teenager war, hat mich (Martyns Klassiker) &sbquo;Solid Air&lsquo; stark beeinflusst. Damals passierten in der britischen Singer-Songwriter-Szene so viele inspirierende Dinge. Das mag einer der Gr&uuml;nde daf&uuml;r sein, warum ich die Idee liebe, auch bei meiner Arbeit als Jazzmusiker echte Songs zu schreiben, obwohl ich das ziemlich anspruchsvoll finde."
Sheppard meint, dass sich in die Musik von "Salt Catchers" dar&uuml;ber hinaus auch Einfl&uuml;sse seiner Wahlheimat Portugal eingeschlichen haben. Der Saxofonist erw&auml;hnt dabei explizit das ganz besondere portugiesische Ph&auml;nomen der "Saudade" &ndash; ein Gef&uuml;hl von Sehnsucht und bitters&uuml;&szlig;er Melancholie &ndash;, das die meisten St&uuml;cke des Albums auf subtile Weise durchzieht. "Ich war im Grunde schon immer ein Romantiker." Besonders deutlich wird dieser Einfluss in den beiden St&uuml;cken mit portugiesischem Titel &ndash; "Encantos" und "Salgados" &ndash; sowie im Titelst&uuml;ck des Albums, zu dem ihn ein Besuch der Salzfelder der Ria von Aveiro inspirierte.
Die einzige Fremdkomposition des Albums, "Lawns", stammt von der im Oktober 2023 verstorbenen Carla Bley und erschien erstmals 1987 auf ihrem Album "Sextet" (WATT/ECM). Sheppard geh&ouml;rte ab 1988 rund zwanzig Jahre lang zur Band der Pianistin. "Es ist ein St&uuml;ck, das wir im Trio mit Carla und Steve oft gespielt, aber nie aufgenommen haben. Manfred, der ein un&uuml;bertroffener Meister darin ist, die Reihenfolge der Titel festzulegen, fand die Idee, es aufzunehmen, ebenfalls gut &ndash; und ich denke, dass es nun wirklich ein wichtiger Bestandteil des Gesamtgef&uuml;ges des Albums ist."

Gespräche über das, was hinter der Musik liegt

Welche Geschichten erz&auml;hlt ein K&uuml;nstler durch die Musik? Welche Begegnungen und Erfahrungen pr&auml;gen K&uuml;nstler? All dem widmet sich der ECM Records Podcast, in dem Caroline Fontanieu und Friedrich Kunzmann mit K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstlern ins Gespr&auml;ch kommen.

Die j&uuml;ngsten Folgen f&uuml;hren in sehr unterschiedliche musikalische Welten. Ayumi Tanakas Trioalbum "<a href="https://open.spotify.com/episode/4wWf9N6aysQIr1OXBYXDM3?si=6c5193aa41974330" target="_blank" rel="noopener">Windflower</a>"&nbsp;f&uuml;hrt zu Gedanken &uuml;ber Natur, Universalit&auml;t und gemeinschaftliches Musizieren. Elina Duni und Rob Luft sprechen &uuml;ber die Rolle von Sprache und Tr&auml;umen auf ihrem Duoalbum "<a href="https://open.spotify.com/episode/3fvZsmpKtr3Z50iX9CBe42?si=b4d3ca2eaf294de3" target="_blank" rel="noopener">Reaching for the Moon</a>" und &uuml;ber die besondere Kommunikation zwischen Stimme und Gitarre. Joe Lovano erz&auml;hlt, wie sich im "<a href="https://open.spotify.com/episode/3YmbVOSspDlAtBptwYSEy9?si=8aaff3a83900414f" target="_blank" rel="noopener">Paramount Quartet</a>" aus Vertrauen, Verbindung und gemeinsamem Improvisieren eine eigene musikalische Sprache entwickelt. Fred Hersch blickt anl&auml;sslich von "<a href="https://open.spotify.com/episode/4mPIxd3Lm9WqWYDz8TvHfW?si=91f26e5e7917497b" target="_blank" rel="noopener">Feebles, Fables and Ferns</a>" auf eine Aufnahme aus dem Jahr 1988 zur&uuml;ck und spricht &uuml;ber Erinnerung und musikalischen Dialog. Steve Swallow wiederum n&auml;hert sich in der Folge zu "<a href="https://open.spotify.com/episode/0GIsoU4mWwwfvlhLOiv8iF?si=2fdce02faedf4bc1" target="_blank" rel="noopener">Winter Songs</a>" den Themen Trauer, Dankbarkeit und Zeit.
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Auch fr&uuml;here Aufnahmen werden im Podcast aus heutiger Perspektive neu betrachtet. Marilyn Crispell erinnert sich im Gespr&auml;ch &uuml;ber die Wiederver&ouml;ffentlichung von "<a href="https://open.spotify.com/episode/0p1bkhpZUZXCdjFU7WR0Tp?si=8bd507915da4484f" target="_blank" rel="noopener">Amaryllis</a>" an Paul Motian und Gary Peacock, Bennie Maupin verbindet "<a href="https://open.spotify.com/episode/0tgKyPXvVck9AkInLuX8jO?si=abbf3b251dee4105" target="_blank" rel="noopener">The Jewel in the Lotus</a>" mit Spiritualit&auml;t, Kunst und seiner musikalischen Vergangenheit.
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In mittlerweile &uuml;ber 70 Folgen er&ouml;ffnen die Gespr&auml;che immer neue Zug&auml;nge zu den Aufnahmen: &uuml;ber pers&ouml;nliche Erinnerungen, musikalische Beziehungen und die Gedanken, die eine Interpretation oder Zusammenarbeit pr&auml;gen. H&ouml;ren Sie doch mal rein!

Eine pianistische Sternstunde in der Ewigen Stadt

Jedes der Konzerte, die der Pianist Keith Jarrett 2016 auf seiner triumphalen letzten Europatournee gab, war ein einzigartiges musikalisches Ereignis. Am 6. November erscheint der f&uuml;nfte und letzte Konzertmitschnitt der Tournee unter dem Titel "Roma".

Als ECM Records in den 1970er Jahren die ersten Aufnahmen von Keith Jarretts vollst&auml;ndig improvisierten Pianosolokonzerten ver&ouml;ffentlichte, betraten der K&uuml;nstler und das Label absolutes Neuland. Die beiden Alben "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/keith-jarrett-solo-concerts-bremen-lausanne-luminessence-3lp-882536" target="_blank" rel="noopener">Solo Concerts: Bremen/Lausanne</a>" (1973), das in einer Box mit drei LPs erschien, und "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/the-koeln-concert-50th-anniversary-ltd-ed-2lp-1232397" target="_blank" rel="noopener">K&ouml;ln Concert</a>" (1975), das als Doppelalbum ver&ouml;ffentlicht wurde, waren sowohl in konzeptioneller als auch musikalischer Hinsicht bahnbrechend. Mehr noch: Sie erreichten und begeisterten auch ein Publikum, das sich bis dahin eher wenig &ndash; wenn &uuml;berhaupt &ndash; f&uuml;r Jazz und improvisierte Musik interessiert hatte. "Jazzmusiker haben in ihrem Schaffen schon immer gro&szlig;en Wert auf Improvisation gelegt&rdquo;, bemerkte der Musikhistoriker und -kritiker Ted Gioia, der selbst Jazzpianist ist, vor 20 Jahren in einem Artikel &uuml;ber Jarretts "essenzielle Aufnahmen&rdquo;. "Doch nur wenige haben diese Hinwendung zum spontanen Schaffen so weit getrieben wie Keith Jarrett in seinen Solokonzerten. Er war ein Pionier des (nach wie vor seltenen) Konzepts eines vollst&auml;ndig improvisierten Klavierabends, der ganz und gar von der Muse des Augenblicks inspiriert ist. Doch so spannend dieses Konzept auch ist, Jarretts Umsetzung dieser ehrgeizigen Idee ist noch beeindruckender."
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Jedes neue Soloalbum ein weiterer Meilenstein
In den folgenden beiden Jahrzehnten erschienen immer wieder neue, von Kritik und Publikum gefeierte Aufnahmen von Jarretts faszinierenden, improvisierten Solokonzerten, darunter die monumentale 10-LP-Box "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/sun-bear-concerts-10-lp-647394" target="_blank" rel="noopener">Sun Bear Concerts</a>" (1976), das Dreifachalbum "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/concerts-bregenz-muenchen-193897" target="_blank" rel="noopener">Concerts</a>" (1982) und "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/la-scala-70542">La Scala</a>" (1997). Bis eine Erkrankung am Chronischen Fatigue-Syndrom den Pianisten zu einer l&auml;ngeren Pause zwang. Erst 2002 betrat er in Japan wieder die B&uuml;hne f&uuml;r neue Solokonzerte, die 2005 von ECM Records auf der Doppel-CD "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/radiance-93550" target="_blank" rel="noopener">Radiance</a>" ver&ouml;ffentlicht wurden. In einem Interview mit Wolfgang Sandner von der Frankfurter Allgemeinen Zeitung &auml;u&szlig;erte Jarrett damals, dass nun jedes Solokonzert f&uuml;r ihn etwas ganz Besonderes sei, da ihm diese Krankheit bewusst gemacht habe, dass es sein letztes sein k&ouml;nnte. Deshalb setzte er sich das Ziel, bei seinen Solokonzerten vollkommener und konzentrierter zu spielen und nicht mehr "einfach drauflos", wie bei seinen ber&uuml;hmten fr&uuml;heren Aufnahmen.
Jarretts letzte Europa-Tournee im Sommer 2016: Ein Triumph sondergleichen!
Seitdem legte Keith Jarrett bei jedem weiteren improvisierten Solokonzert die Messlatte f&uuml;r sich selbst h&ouml;her. Als er im Sommer 2016 zu seiner Solotournee durch Europa aufbrach, ahnte er noch nicht, dass es seine letzte sein w&uuml;rde. Die Tournee begann am 3. Juli mit einem Auftritt in Budapest und f&uuml;hrte im Drei-Tage-Rhythmus weiter &uuml;ber Bordeaux, Wien und Rom nach M&uuml;nchen. Bei den Konzerten &uuml;berraschte Jarrett mit Improvisationen, die er spontan zu Suiten formte. Dabei folgte er jedes Mal einer anderen Dramaturgie und zeigte sich erfindungsreicher denn je. Als erstes erschien 2019 &ndash; noch bevor bekannt wurde, dass der Pianist 2018 zwei Schlaganf&auml;lle erlitten hatte und nie mehr auftreten w&uuml;rde &ndash; das abschlie&szlig;ende Konzert der Tournee unter dem Titel "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/munich-2016-lp-567108" target="_blank" rel="noopener">M&uuml;nchen 2016</a>". Es folgten das "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/budapest-concert-lp-614224" target="_blank" rel="noopener">Budapest Concert</a>" (2020), das "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/bordeaux-concert-2lp-776589" target="_blank" rel="noopener">Bordeaux Concert</a>" (2022) und "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/new-vienna-2lp-1148196" target="_blank" rel="noopener">New Vienna</a>" (2025). In der internationalen Presse riefen s&auml;mtliche Alben ein gewaltiges Echo hervor und wurden durchweg als neue Meisterwerke des Pianisten gefeiert. Nun erscheint am 6. November anl&auml;sslich des zehnj&auml;hrigen Jubil&auml;ums von Jarretts finaler Solotournee durch Europa der f&uuml;nfte und letzte, schlicht "Roma&rdquo; betitelte Konzertmitschnitt auf Doppel-Vinyl und einer einzelnen CD. Die Musik, die Keith Jarrett am 12. Juli im Saal Santa Cecilia im Parco della Musica in Rom bot, sticht selbst innerhalb dieser au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Konzertreihe deutlich hervor. Und das will wirklich etwas hei&szlig;en!

Ein Opus magnum von seltener Vielfalt und Schönheit

Das 1998 bei ECM Records ver&ouml;ffentlichte Album "Rites" gilt als eines der Meisterwerke des norwegischen Saxofonisten Jan Garbarek. Im Oktober erscheint es in der Luminessence Serie erstmals als Doppel-Vinyl.

Diese 2LP jetzt exklusiv im <a href="https://xmef507ztypzs3db-67448766516.shopifypreview.com/products_preview?preview_key=7ebbc2da75ce206579e0aa50cf3a60fa" target="_blank" rel="noopener">JazzEcho-Store</a> vorbestellen!
Der Titel des Albums weckt nat&uuml;rlich Assoziationen an Initiationsriten und Rituale, an etwas Archaisches und Magisches, aber auch an &Uuml;bergangsriten. Dies spiegelt sich auch in den St&uuml;cken wider, die der Saxofonist f&uuml;r das Repertoire zusammenstellte. Sie handeln von entscheidenden Episoden und Einfl&uuml;ssen in seinem eigenen Leben und dem seiner musikalischen Weggef&auml;hrten. Das St&uuml;ck "Malinye" (vom zweiten ECM-Album des Trios Codona) ist eine liebevolle Hommage an seinen Komponisten, den im Jahr 1995 verstorbenen Trompeter Don Cherry. Mit ihm hatte Garbarek, als er 17 Jahre alt war, das erste Mal 1964 in Oslo zusammengespielt. Zu den H&ouml;hepunkten des Albums geh&ouml;ren auch die spannenden Neuinterpretationen der beiden Garbarek-Klassiker "It&rsquo;s OK to listen to the gray voice" (vom gleichnamigen Album aus dem Jahr 1985) und "So mild the wind, so meek the water" (von dem 1987 erschienenen Soloalbum "<a href="https://www.jazzecho.de/jangarbarek/diskografie/all-those-born-with-wings-71309" target="_blank" rel="noopener">All Those Born with Wings</a>"). Auf "<a href="https://xmef507ztypzs3db-67448766516.shopifypreview.com/products_preview?preview_key=7ebbc2da75ce206579e0aa50cf3a60fa" target="_blank" rel="noopener">Rites</a>" gibt es zahlreiche Verweise auf die verschiedenen Musikrichtungen aus aller Welt - von Norwegen bis Indien -, mit denen sich Garbarek auf seinen eigenen Alben oder als Gast anderer K&uuml;nstler eingehend auseinandergesetzt hat. "We Are The Stars" ist die Vertonung eines Gedichts amerikanischer Ureinwohner. Das St&uuml;ck wird von jungen Mitgliedern des norwegischen Chors S&oslash;lvguttene gesungen, w&auml;hrend Garbareks Sopransaxofon die Stimmen umkreist. Eine der &Uuml;berraschungen des Albums ist das St&uuml;ck "The moon over Mtatsminda", das von dem georgischen Komponisten Jansug Kakhidze selbst gesungen wird und zusammen mit dem Tiflis-Sinfonieorchester aufgenommen wurde. Neben den Musikern von Jan Garbareks damaliger Tour-Band - dem Pianisten und Keyboarder Rainer Br&uuml;ninghaus, dem Bassisten Eberhard Weber sowie der Schlagzeugerin und Perkussionistin Marilyn Mazur - ist auf "Rites" als Gast au&szlig;erdem Bugge Wesseltoft zu h&ouml;ren. Der norwegische Keyboarder &uuml;berrascht in der Don-Cherry-Hommage als Akkordeonist und bereichert dar&uuml;ber hinaus auch mehrere St&uuml;cke mit elektronischen Klangfarben. Mit "Rites" legte Jan Garbarek 1998 zweifellos eines seiner vielschichtigsten Alben vor, auf dem er mit seiner subtilen Saxofonkunst zudem neue H&ouml;hen erreichte.
"&lsquo;Rites&rsquo; wirkt wie eine Garbarek-Retrospektive", schrieb Titus Arnu seinerzeit in der S&uuml;ddeutschen Zeitung &uuml;ber dieses Meisterwerk. "Dabei greift der Musiker nicht einfach alte Themen auf, sondern er fasst sie zusammen und entwickelt sie weiter. Es ist keine Nostalgie, sondern ein Blick zur&uuml;ck nach vorn. &lsquo;Rites&rsquo; greift eine Vielzahl von Eindr&uuml;cken auf, die Garbarek auf seinen Reisen gesammelt hat. So entsteht ein breites Klangpanorama aus Fragmenten norwegischer Volkslieder und arabischen Ankl&auml;ngen. (...) Garbarek ist vor allem ein fantastischer Zuh&ouml;rer. Er verzichtet auf musikalische Pointen, um das Gesamtgef&uuml;ge nicht zu st&ouml;ren."
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Ayumi Tanaka: Improvisationsmusik, die zugleich abstrakt und äußerst lyrisch ist

Auf ihrem ersten gemeinsamen Album "Windflower" r&uuml;cken die Pianistin Ayumi Tanaka, der Bassist Thomas Morgan und der Schlagzeuger Thomas Str&oslash;nen die Spontaneit&auml;t und die Kunst der freien Ballade in den Mittelpunkt.

"Sparsam, subtil und ebenso sehr von Stille wie von Klang bestimmt, entsteht ihre Musik durch geschickte, fl&uuml;chtige Pinselstriche", schrieb das BBC Music Magazine vor f&uuml;nf Jahren &uuml;ber Ayumi Tanakas ECM-Deb&uuml;talbum "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/subaqueous-silence-677100" target="_blank" rel="noopener">Subaqueous Silence</a>". Auf "Windflower" stellt die japanische Pianistin nun ein neues internationales Trio mit dem US-amerikanischen Bassisten Thomas Morgan und dem norwegischen Schlagzeuger Thomas Str&oslash;nen vor. Dabei best&auml;tigt Tanaka einmal mehr die Kraft ihres musikalischen Ansatzes, bei dem Intensit&auml;t durch Zur&uuml;ckhaltung und Konzentration vermittelt wird. W&auml;hrend sie f&uuml;r "Subaqueous Silence" karge und poetische St&uuml;cke komponiert hatte, die eine Richtung f&uuml;r freie, kreative Interpretation vorgaben, wurde der Gro&szlig;teil der Musik von "Windflower" von Ayumi Tanaka und ihren beiden Partnern erst im Moment des Zusammenspiels im Studio gemeinsam geformt. Dabei verweben sie geschickt abstrakte und lyrische Ideen, deren Fluss und Energie von Kammermusik und Jazz sowie von Einfl&uuml;ssen aus Ost, West und Nord gepr&auml;gt sind. Nur eines der neun St&uuml;cke, Ayumi Tanakas "La Source", wurde bereits vor der Aufnahmesession komponiert und f&uuml;r diese locker &uuml;berarbeitet.&nbsp;
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Das auch als Anemone bekannte zarte Windr&ouml;schen (engl. "Wildflower"), symbolisiert in vielen Kulturen die Verg&auml;nglichkeit der Sch&ouml;nheit und die Notwendigkeit, den Augenblick zu erfassen und ihn wertzusch&auml;tzen. Im Mittelpunkt des Albums stehen Spontaneit&auml;t und freie Balladenkunst. F&uuml;r Ayumi und ihre beiden Mitmusiker ist das Ziel wichtiger als der Weg, auf dem sie dorthin gelangen. "Ich m&ouml;chte Musik komponieren, die wie eine Improvisation klingt", sagte sie einmal, "und Musik improvisieren, die so klingt, als w&auml;re sie geschrieben worden &hellip;" Ihr musikalischer Werdegang spiegelt diese beiden Ans&auml;tze wieder: In ihrer Heimat Japan spielte sie vor allem klassische Musik und zeitgen&ouml;ssische Kompositionen. Im Jahr 2011 zog sie nach Oslo, um an der Norwegischen Musikhochschule bei Misha Alperin, der ihr Mentor wurde, sowie Helge Lien und Anders Jormin Jazz zu studieren und die "nordischen" Wege zur jazzigen Ausdruckskraft zu erkunden.
Ihre Originalit&auml;t demonstrierte Ayumi Tanaka bei ECM zun&auml;chst bei Projekten des Schlagzeugers Thomas Str&oslash;nen: Einerseits als Mitglied seines Ensembles Time Is A Blind Guide auf den Alben "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/lucus-lp-418698" target="_blank" rel="noopener">Lucus</a>" und "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/off-stillness-1219680" target="_blank" rel="noopener">Off Stillness</a>", andererseits in einem experimentellen Trio mit Str&oslash;nen und der Klarinettistin und S&auml;ngerin Marthe Lea auf dem 2018 erschienenen Album "<a href="https://www.jazzecho.de/thomas-stronen/diskografie/bayou-lp-647681" target="_blank" rel="noopener">Bayou</a>". Ihr erstes eigenes Album f&uuml;r ECM Records, "Subaqueous Silence",&nbsp;wurde in der internationalen Presse &uuml;berschw&auml;nglich gelobt. "Selbst im reichen ECM-&OElig;uvre grandioser Piano-Alben setzt die Zartheit der in Oslo lebenden Japanerin Ayumi Tanaka neue Ma&szlig;st&auml;be f&uuml;r delikateste Interaktionen", schrieb Sven Thielmann in Stereo. "Frei nach Ren&eacute; Magritte: Das ist kein Klaviertrio. Sondern ein Wunderwerk filigranst ziselierter Klanggespinste von rarer K&ouml;stlichkeit."
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Seit Thomas Morgan im Jahr 2008 als Mitglied des John Abercrombie Quartet seinen Einstand bei ECM Records gab, war der Bassist in unterschiedlichen Konstellationen bei dem Label zu h&ouml;ren. Besonders hervorzuheben ist dabei das 2012 erschienene Album "Sunrise" des Pianisten Masabumi Kikuchi, an dem auch der Schlagzeuger Paul Motian mitwirkte. Dar&uuml;ber hinaus war Morgan an Aufnahmen der Gitarristen Bill Frisell und Jakob Bro, der Pianisten Craig Taborn und Giovanni Guidi sowie des New York Quartet des Trompeters Tomasz Stańko beteiligt. Wie vor ihm Charlie Haden oder Gary Peacock versteht er es, in jeder Improvisationssituation das Wesentliche zu erfassen und selbst dazu beizutragen - &auml;u&szlig;erst unterst&uuml;tzend, aber auch mit einer starken eigenen Stimme.Die Art und Weise, wie Morgan in "Tree of Stars" eine melodische Basslinie durch die sanft schimmernde Phrasierung des Klaviers webt, geh&ouml;rt zu den H&ouml;hepunkten dieses Albums.
Zu Thomas Str&oslash;nens j&uuml;ngsten ECM-Ver&ouml;ffentlichungen z&auml;hlt das Album&nbsp;"Relations", auf dem er in Duetten mit Chris Potter, Craig Taborn, Sinikka Langeland und Jorge Rossy neue Verbindungen erkundet. Au&szlig;erdem ist er auf John Surman 2024 erschienenen Album "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/words-unspoken-952604" target="_blank" rel="noopener">Words Unspoken</a>" zu h&ouml;ren. Str&oslash;nens Zusammenarbeit mit ECM reicht bis ins Jahr 2005 zur&uuml;ck. Sie begann mit dem Ensemble Parish, zu dessen Mitgliedern Bobo Stenson und Fredrik Ljungkvist geh&ouml;rten. Anschlie&szlig;end entwickelte der Schlagzeuger in der Gruppe Food gemeinsam mit seinem musikalischen Partner Iain Ballamy neue Ans&auml;tze f&uuml;r vielschichtige, improvisierte Perkussion. Auf "Windflower" er&ouml;ffnet das klare Rhythmusmuster von Str&oslash;nens Schlagzeug im Titelst&uuml;ck einen neuen Raum, in dem sich im Verlauf der Musik ein dynamisches Zusammenspiel entwickeln kann.
Das Album "Windflower" erscheint am Vorabend einer Europatournee des Trios. Seinen vorl&auml;ufig einziges Deutschland-Konzert wird es am 23. September im K&ouml;lner Stadtgarten geben.
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