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Enzo Favata: In Klänge gewandeter magischer Realismus

Auf "Ritornare", seinem Deb&uuml;talbum f&uuml;r ECM Records, schl&auml;gt der Saxofonist und Klarinettist Enzo Favata mit seinem 1999 gegr&uuml;ndeten Quintett Atlantico eine musikalische Br&uuml;cke zwischen seiner Heimat Sardinien und der italienischen Diaspora in S&uuml;damerika.&nbsp;

Mit seinem Quintett Atlantico erkundet der sardische Saxofonist und Klarinettist Enzo Favata einen musikalischen Raum, in dem seine mediterranen Wurzeln mit lateinamerikanischen Ankl&auml;ngen, afrikanischen Einfl&uuml;ssen, der Improvisation des Jazz und einer kammermusikalischen Dynamik verschmelzen. Wenngleich die Musik des Ensembles einer klaren k&uuml;nstlerischen Ausrichtung folgt, ist sie doch niemals vorhersehbar. Nun legt Enzo Favata, der in der Vergangenheit bereits mit ECM-Gr&ouml;&szlig;en wie Enrico Rava, Dino Saluzzi, Miroslav Vitou&scaron; und dem Art Ensemble of Chicago zusammenarbeitete, mit "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/ritornare-1295256" target="_blank" rel="noopener">Ritornare</a>" sein erstes Album bei ECM Records vor. Gemeinsam mit seinen langj&auml;hrigen Mitstreitern &ndash; dem Gitarristen Marcello Peghin, dem Bandoneonisten Daniel Di Bonaventura, dem Kontrabassisten Salvatore Maltana und dem Schlagzeuger UT Gandhi, der am 10. August im Alter von 66 Jahren &uuml;berraschend verstarb &ndash; erschafft er darauf eine faszinierende, farbenreiche akustische Klangwelt, die von den gemeinsamen Reisen der Protagonisten und ihrer Auseinandersetzung mit vielf&auml;ltigen Musikkulturen gepr&auml;gt ist.
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Der Name des Quintetts verweist auf die gro&szlig;en stilistischen, transatlantischen Br&uuml;cken, die die Musiker in ihren Kompositionen zwischen Sardinien &ndash; wo sie zu Hause sind &ndash; und S&uuml;damerika schlagen. In ihren Anfangsjahren zwischen 1999 und 2004 unternahm die Band mehrere ausgedehnte Tourneen durch den S&uuml;den des Kontinents. Seit Mitte des 19. Jahrhunderts hatten dort zahlreiche Emigranten aus dem Mezzogiorno eine neue Heimat gefunden und die Kultur der Region ma&szlig;geblich mitgepr&auml;gt. Von der Geschichte der Einwanderung der Italiener in S&uuml;damerika handelt auch die Musik des Quintetts Atlantico. "Einwanderung ist die Seele Italiens, die Seele Lateinamerikas&rdquo;, meint Favata. Als er im vergangenen Oktober mit dem Ensemble beim Baku Jazz Festival auftrat, schrieb Ian Patterson in seiner Konzertbesprechung f&uuml;r All About Jazz: "In Favatas Welt gilt &ndash; wie bei allen gro&szlig;artigen Gruppen &ndash; dass das Ganze mehr ist als die Summe seiner Teile." Dies trifft ganz sicher auch auf die Musik von "Ritornare" zu.
Ein kollektives kulturelles Ged&auml;chtnis verbindet Orte und Menschen, deren Wege sich rund um den Atlantik kreuzen, und schafft so eine neue Realit&auml;t. Der 1956 in Alghero auf Sardinien geborene Saxofonist und Klarinettist Enzo Favata ist seit langem von der F&uuml;lle der F&auml;den fasziniert, die dieses weitverzweigte Netz bilden. In seiner Musik entdeckt er die Orte, die er besucht hat, aus der Erinnerung wieder und kehrt ("ritornare&rdquo;) durch den Klang zu ihnen zur&uuml;ck. Es scheint, als h&auml;tte sich Favata das Motto zu eigen gemacht, das der kolumbianische Schriftsteller Gabriel Garc&iacute;a M&aacute;rquez 2002 seinen Memoiren voranstellte,: "Das Leben ist nicht das, was man gelebt hat, sondern das, woran man sich erinnert und wie man sich daran erinnert &ndash; um davon zu erz&auml;hlen."
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Wie seine gleichgesinnten Bandkollegen erkennt Favata den kulturellen Zusammenfluss in den Werken lateinamerikanischer Autoren wie Isabel Allende, Jorge Luis Borges oder Gabriel Garc&iacute;a M&aacute;rquez. Diese literarischen Referenzen sind f&uuml;r den Saxofonisten ebenso pr&auml;gend wie seine musikalischen Vorbilder. In seinen sanften akustischen Klanglandschaften strebt das Quintett Atlantico danach, Orte zu schaffen, die "zwischen Traum und Wirklichkeit schweben", wie Favata es beschreibt. Der magische Realismus pr&auml;gt den Geist der Gruppe ma&szlig;geblich.
Hier und jetzt, mehrere Jahrzehnte nachdem sie sich zum ersten Mal zusammengetan haben, schaffen Favata und seine Mitmusiker Dialoge innerhalb von Strukturen und Stimmungen, die beim ersten H&ouml;ren seltsam vertraut wirken und bei jedem weiteren H&ouml;ren immer mehr neue Details offenbaren. Der Zuh&ouml;rer wird langsam, aber stetig von dem entfernt, was er zu erkennen glaubte, und kehrt an einen unbekannten, doch beruhigenden Ort zur&uuml;ck. Und jedes Mal, wenn die Musiker versuchen, ihre Schritte zur&uuml;ckzuverfolgen, gelangen sie an einen neuen Ort und kehren dorthin zur&uuml;ck, wo sie noch nicht ganz gewesen sind.

Kammermusikalischer Jazz mit einem Hauch portugiesischer Saudade

"Salt Catchers" ist das erste eigene Album des englischen Saxofonisten Andy Sheppard seit acht Jahren. Neben acht neuen Eigenkompositionen stellt er darauf sein wunderbares neues Trio vor.

Der britische Saxofonist Andy Sheppard ist seit jeher daf&uuml;r bekannt, neue Herausforderungen zu suchen und in den unterschiedlichsten Besetzungen &ndash; vom Duo bis zur Big Band &ndash; aufzutreten. Sein erstes eigenes Album f&uuml;r ECM Records, "Movements in Colour", nahm er 2008 mit einem au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Quintett auf. Vier Jahre sp&auml;ter war er auf dem hochgelobten zweiten Werk "Trio Libero" im Zusammenspiel mit dem franz&ouml;sischen Bassisten Michel Benita und dem Schlagzeuger Seb Rochford zu h&ouml;ren. F&uuml;r die Alben "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/surrounded-by-sea-260809" target="_blank" rel="noopener">Surrounded By Sea</a>" (2015) und "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/romaria-420624" target="_blank" rel="noopener">Romaria</a>" (2018) wurde das Trio dann durch den norwegischen Gitarristen Eivind Aarset zum Quartett erweitert. Parallel dazu nahm er mit Carla Bley und Steve Swallow f&uuml;r ECM Records au&szlig;erdem noch eine international gefeierte Album-Trilogie auf: "<a href="https://www.jazzecho.de/carlabley/diskografie/trios-192144" target="_blank" rel="noopener">Trios</a>" (2013), "<a href="https://www.jazzecho.de/carlabley/diskografie/andando-el-tiempo-342521" target="_blank" rel="noopener">Andando el Tiempo</a>" (2016) und "<a href="https://www.jazzecho.de/carlabley/diskografie/life-goes-on-lp-582064" target="_blank" rel="noopener">Life Goes On</a>" (2020). Auf "<a href="https://www.jazzecho.de/ecm-sounds/diskografie/andy-sheppard-trio-salt-catchers-1295329" target="_blank" rel="noopener">Salt Catchers</a>" schl&auml;gt Andy Sheppard nun zusammen mit der italienischen Pianistin Rita Marcotulli und einmal mehr Michel Benita am Bass ein neues musikalisches Kapitel auf. Wenngleich sich die drei schon seit &uuml;ber zwanzig Jahren kennen und auch schon &ouml;fter miteinander gespielt haben, pr&auml;sentieren sie sich hier zum ersten Mal zusammen im Trio-Format.
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Neben einem St&uuml;ck von Carla Bley pr&auml;sentiert Sheppard auf "Salt Catchers" acht neue Eigenkompositionen, die allesamt durch einnehmende melodische Sch&ouml;nheit und delikate Harmonien bestechen. Sheppards unverwechselbarer Klang auf dem Tenor- und dem Sopransaxofon sowie seine elegant phrasierten Melodielinien werden von Marcotulli und Benita au&szlig;erordentlich geschmackvoll und mit gro&szlig;em Einf&uuml;hlungsverm&ouml;gen erg&auml;nzt.
Das Projekt nahm seinen Anfang w&auml;hrend der Corona-Pandemie, als Sheppard, der erst kurz zuvor in die Gegend von Lissabon gezogen war, nicht auftreten konnte und pl&ouml;tzlich viel mehr Zeit zum Komponieren hatte. "Ich versp&uuml;rte damals den inneren Drang, Musik zu schreiben, die auf das Klavier zugeschnitten ist, und nicht, wie es bei meinen fr&uuml;heren Projekten oft der Fall war, auf die Gitarre.&rdquo; Der britische Saxofonist wollte einen neuen Weg einschlagen und Musik mit einem kammermusikalischem Charakter schaffen, "die aber gleichzeitig eine Klangwelt haben sollte, die ganz und gar mir entspricht."
Die Entscheidung, in einem schlagzeuglosen Trio zu spielen,&nbsp;"r&uuml;hrt nur zum Teil daher, dass ich meinen Schlagzeuger Seb Rochford an Patti Smith verloren hatte", sagt Sheppard mit einem verschmitzten L&auml;cheln. "Der eigentliche Grund ist, dass ich die ganz besondere Herausforderung, ohne Schlagzeugbegleitung zu spielen, in den Jahren, in denen ich mit Carla Bley und Steve Swallow auftrat, so sehr genossen habe. Und mir gef&auml;llt auch die Idee, etwas ganz Neues zu schaffen, das gleichzeitig mit diesen vielen sch&ouml;nen Erinnerungen an Carla und Steve verbunden ist."
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Wie sein britischer ECM-Kollege John Surman hat auch Andy Sheppard eine Vorliebe f&uuml;r folk-inspirierte St&uuml;cke entwickelt. Das ist teilweise auf seine Zusammenarbeit mit dem schottischen Singer-Songwriter John Martyn in den fr&uuml;hen 1990er Jahren zur&uuml;ckzuf&uuml;hren. "Schon davor, als ich noch ein Teenager war, hat mich (Martyns Klassiker) &sbquo;Solid Air&lsquo; stark beeinflusst. Damals passierten in der britischen Singer-Songwriter-Szene so viele inspirierende Dinge. Das mag einer der Gr&uuml;nde daf&uuml;r sein, warum ich die Idee liebe, auch bei meiner Arbeit als Jazzmusiker echte Songs zu schreiben, obwohl ich das ziemlich anspruchsvoll finde."
Sheppard meint, dass sich in die Musik von "Salt Catchers" dar&uuml;ber hinaus auch Einfl&uuml;sse seiner Wahlheimat Portugal eingeschlichen haben. Der Saxofonist erw&auml;hnt dabei explizit das ganz besondere portugiesische Ph&auml;nomen der "Saudade" &ndash; ein Gef&uuml;hl von Sehnsucht und bitters&uuml;&szlig;er Melancholie &ndash;, das die meisten St&uuml;cke des Albums auf subtile Weise durchzieht. "Ich war im Grunde schon immer ein Romantiker." Besonders deutlich wird dieser Einfluss in den beiden St&uuml;cken mit portugiesischem Titel &ndash; "Encantos" und "Salgados" &ndash; sowie im Titelst&uuml;ck des Albums, zu dem ihn ein Besuch der Salzfelder der Ria von Aveiro inspirierte.
Die einzige Fremdkomposition des Albums, "Lawns", stammt von der im Oktober 2023 verstorbenen Carla Bley und erschien erstmals 1987 auf ihrem Album "Sextet" (WATT/ECM). Sheppard geh&ouml;rte ab 1988 rund zwanzig Jahre lang zur Band der Pianistin. "Es ist ein St&uuml;ck, das wir im Trio mit Carla und Steve oft gespielt, aber nie aufgenommen haben. Manfred, der ein un&uuml;bertroffener Meister darin ist, die Reihenfolge der Titel festzulegen, fand die Idee, es aufzunehmen, ebenfalls gut &ndash; und ich denke, dass es nun wirklich ein wichtiger Bestandteil des Gesamtgef&uuml;ges des Albums ist."

Zum 90. Geburtstag: Steve Reichs ECM-Aufnahmen auf Vinyl

Am 3. Oktober feiert Steve Reich seinen 90. Geburtstag. ECM w&uuml;rdigt den amerikanischen Komponisten mit der 3-LP-Box "<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/steve-reich-various-steve-reich-recordings-on-ecm-120085?_pos=1&amp;_psq=steve+reich&amp;_psid=f479c8c5b&amp;_ss=e" target="_blank" rel="noopener">Recordings on ECM</a>", die drei wegweisende Alben aus den Jahren 1978 bis 1982 erstmals in einer exklusiven Vinyl-Ausgabe versammelt.

<h3 class="MsoNormal">Am 3. Oktober feiert Steve Reich seinen 90. Geburtstag. ECM w&uuml;rdigt den amerikanischen Komponisten mit der 3-LP-Box "Recordings on ECM", die drei wegweisende Alben aus den Jahren 1978 bis 1982 erstmals in einer exklusiven Vinyl-Ausgabe versammelt.</h3>
Die Ver&ouml;ffentlichung von&nbsp;Steve Reichs "Music for 18 Musicians" trug 1978 ma&szlig;geblich zur Bekanntheit der Minimal Music bei und hatte nicht nur f&uuml;r die zeitgen&ouml;ssische Musik gro&szlig;en Neuheitswert, sondern hinterlie&szlig; auch in Jazz, elektronischer Musik und Pop deutliche Spuren. Reich selbst hat dabei den Begriff Minimalismus nie als enge stilistische Schublade verstanden. Im Zentrum seiner Musik stehen vielmehr Rhythmus, Klang und die Frage, wie aus wiederkehrenden Mustern immer neue musikalische Beziehungen entstehen.
Die 1978 bei ECM erschienene Aufnahme mit Steve Reich and Musicians wurde zur Referenzeinspielung dieses Werks. Pitchfork bezeichnete sie sp&auml;ter als die definitive Aufnahme von Reichs "unbestrittenem Meisterwerk".
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Zwei Jahre sp&auml;ter folgte "Octet&rdquo; / "Music for a Large Ensemble&rdquo; / "Violin Phase&rdquo;. Die drei St&uuml;cke machen zugleich h&ouml;rbar, wie weit Reichs Entwicklung zu diesem Zeitpunkt bereits reichte: vom 1967 entstandenen "Violin Phase", einem Schl&uuml;sselwerk seiner fr&uuml;hen Phasing-Technik, bis zur immer reicheren Ensemble- und Klangarchitektur der sp&auml;ten 1970er Jahre. Mit "Tehillim" &ouml;ffnete sich 1981 schlie&szlig;lich ein weiteres Kapitel. Erstmals seit seinen Studienjahren vertonte Reich wieder einen Text &ndash; hebr&auml;ische Psalmen &ndash;, und lange melodische Linien r&uuml;ckten st&auml;rker ins Zentrum seiner Arbeit. R&uuml;ckblickend bezeichnete er das Werk selbst als einen entscheidenden Schritt hin zu einer unmittelbareren Form von Melodie.
So lassen sich die drei ECM Alben auch als Momentaufnahmen einer besonders produktiven Phase verstehen. Zwischen "Violin Phase", "Music for 18 Musicians" und "Tehillim" liegen nicht nur unterschiedliche Besetzungen und Kompositionsweisen. Sie zeigen auch, wie Reich seine musikalischen Mittel stetig erweiterte, ohne die Grundprinzipien seiner Arbeit aus den Augen zu verlieren.
F&uuml;r "<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/steve-reich-various-steve-reich-recordings-on-ecm-120085?_pos=1&amp;_psq=steve+reich&amp;_psid=f479c8c5b&amp;_ss=e" target="_blank" rel="noopener">Recordings on ECM</a>" wurden die urspr&uuml;nglichen analogen Masterb&auml;nder verwendet. Die drei Alben erscheinen als Faksimiles ihrer Originalausgaben und wurden vollst&auml;ndig analog (AAA) neu produziert. Erg&auml;nzt wird die Box durch ein Booklet mit Archivfotografien, Manuskriptseiten und Liner Notes von Paul Griffiths.
Bereits 2016 hatte ECM die drei Aufnahmen anl&auml;sslich von Reichs 80. Geburtstag gemeinsam auf CD ver&ouml;ffentlicht. Zehn Jahre sp&auml;ter ist diese Sammlung nun auch auf Vinyl erh&auml;ltlich. Dabei dokumentiert die neue Box mehr als nur drei Stationen einer au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Karriere: Sie spannt einen Bogen &uuml;ber rund f&uuml;nfzehn Jahre, in denen Steve Reich eine musikalische Sprache entwickelte, deren Puls bis heute weit &uuml;ber die zeitgen&ouml;ssische Musik hinaus nachwirkt.

Gespräche über das, was hinter der Musik liegt

Welche Geschichten erz&auml;hlt ein K&uuml;nstler durch die Musik? Welche Begegnungen und Erfahrungen pr&auml;gen K&uuml;nstler? All dem widmet sich der ECM Records Podcast, in dem Caroline Fontanieu und Friedrich Kunzmann mit K&uuml;nstlerinnen und K&uuml;nstlern ins Gespr&auml;ch kommen.

Die j&uuml;ngsten Folgen f&uuml;hren in sehr unterschiedliche musikalische Welten. Ayumi Tanakas Trioalbum "<a href="https://open.spotify.com/episode/4wWf9N6aysQIr1OXBYXDM3?si=6c5193aa41974330" target="_blank" rel="noopener">Windflower</a>"&nbsp;f&uuml;hrt zu Gedanken &uuml;ber Natur, Universalit&auml;t und gemeinschaftliches Musizieren. Elina Duni und Rob Luft sprechen &uuml;ber die Rolle von Sprache und Tr&auml;umen auf ihrem Duoalbum "<a href="https://open.spotify.com/episode/3fvZsmpKtr3Z50iX9CBe42?si=b4d3ca2eaf294de3" target="_blank" rel="noopener">Reaching for the Moon</a>" und &uuml;ber die besondere Kommunikation zwischen Stimme und Gitarre. Joe Lovano erz&auml;hlt, wie sich im "<a href="https://open.spotify.com/episode/3YmbVOSspDlAtBptwYSEy9?si=8aaff3a83900414f" target="_blank" rel="noopener">Paramount Quartet</a>" aus Vertrauen, Verbindung und gemeinsamem Improvisieren eine eigene musikalische Sprache entwickelt. Fred Hersch blickt anl&auml;sslich von "<a href="https://open.spotify.com/episode/4mPIxd3Lm9WqWYDz8TvHfW?si=91f26e5e7917497b" target="_blank" rel="noopener">Feebles, Fables and Ferns</a>" auf eine Aufnahme aus dem Jahr 1988 zur&uuml;ck und spricht &uuml;ber Erinnerung und musikalischen Dialog. Steve Swallow wiederum n&auml;hert sich in der Folge zu "<a href="https://open.spotify.com/episode/0GIsoU4mWwwfvlhLOiv8iF?si=2fdce02faedf4bc1" target="_blank" rel="noopener">Winter Songs</a>" den Themen Trauer, Dankbarkeit und Zeit.
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Auch fr&uuml;here Aufnahmen werden im Podcast aus heutiger Perspektive neu betrachtet. Marilyn Crispell erinnert sich im Gespr&auml;ch &uuml;ber die Wiederver&ouml;ffentlichung von "<a href="https://open.spotify.com/episode/0p1bkhpZUZXCdjFU7WR0Tp?si=8bd507915da4484f" target="_blank" rel="noopener">Amaryllis</a>" an Paul Motian und Gary Peacock, Bennie Maupin verbindet "<a href="https://open.spotify.com/episode/0tgKyPXvVck9AkInLuX8jO?si=abbf3b251dee4105" target="_blank" rel="noopener">The Jewel in the Lotus</a>" mit Spiritualit&auml;t, Kunst und seiner musikalischen Vergangenheit.
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In mittlerweile &uuml;ber 70 Folgen er&ouml;ffnen die Gespr&auml;che immer neue Zug&auml;nge zu den Aufnahmen: &uuml;ber pers&ouml;nliche Erinnerungen, musikalische Beziehungen und die Gedanken, die eine Interpretation oder Zusammenarbeit pr&auml;gen. H&ouml;ren Sie doch mal rein!

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Titel

Jasmine (Luminessence)

JazzEcho Everything Jazz

Jasmine dokumentiert eine intime, einmalige Session und das Wiedersehen von Keith Jarrett und Charlie Haden. In Jarretts Heimstudio in New Jersey begegnen sich die beiden im Duo &uuml;ber mehrere Sets mit Standards &ndash; musikalisch vertraut und mit jener Selbstverst&auml;ndlichkeit, die nur langj&auml;hrige Weggef&auml;hrten verbindet. Anl&auml;sslich der Erstver&ouml;ffentlichung des Albums schrieb die Financial Times treffend: &bdquo;Es ist mehr als 30 Jahre her, dass sie zuletzt gemeinsam aufgenommen haben, doch ihr Dialog besitzt die detailreiche Intimit&auml;t alter Freunde, die gemeinsame Themen neu erkunden.&ldquo; Nun erscheint Jasmine erstmals &uuml;berhaupt auf Vinyl. Die unvergleichliche musikalische Verst&auml;ndigung zwischen Jarrett und Haden l&auml;sst sich damit neu entdecken &ndash; voller W&auml;rme in Klassikern wie &bdquo;Body and Soul&ldquo;, &bdquo;For All We Know&ldquo;, &bdquo;Where Can I Go Without You&ldquo;, &bdquo;Don&rsquo;t Ever Leave Me&ldquo; und weiteren St&uuml;cken. Keith Jarrett schreibt dazu in seinen Liner Notes: &bdquo;Dies ist spontane Musik, im Moment entstanden, ohne jede Vorbereitung &ndash; abgesehen von der Hingabe, die uns unser ganzes Leben begleitet hat, keinen Ersatz zu akzeptieren &hellip; Es sind gro&szlig;e Liebeslieder, gespielt von Musikern, die vor allem versuchen, ihre Botschaft unverf&auml;lscht zu bewahren.&ldquo;
 Im Rahmen der ECM-Reihe Luminessence neu aufgelegt, erscheint Jasmine erstmals auf Vinyl. Die Ver&ouml;ffentlichung kommt im hochwertigen Tip-on-Gatefold-Cover und enth&auml;lt s&auml;mtliche Inhalte der urspr&uuml;nglichen CD-Ausgabe. &bdquo;&sbquo;Jasmine&lsquo; ist eine so unverhohlen ausdrucksstarke Aufnahme, wie sie wohl keiner der beiden Musiker zuvor gemacht hat. Durchgehend bewegt sich das Duo in einer musikalischen Komfortzone, in der gl&uuml;ckliche Melodief&uuml;hrung und unverstellte Emotionalit&auml;t h&ouml;her gesch&auml;tzt werden als demonstrative Virtuosit&auml;t.&ldquo; &ndash; Steve Futterman, The New Yorker

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KLASSIK

Zeitgenössische, moderne Klassik

Der Gr&uuml;nder und Pr&auml;sident von ECM Records Manfred Eicher versteht sich seit je her als recording producer, der das k&uuml;nstlerische Geschehen im Studio aktiv mitgestaltet. Seine Aufnahmen mit Musikern wie Keith Jarrett, Jan Garbarek, Chick Corea, Dave Holland, Egberto Gismonti, Paul Bley, Pat Metheny, Dino Saluzzi, John Surman, Ralph Towner, Terje Rypdal, Bobo Stenson, dem Art Ensemble of Chicago und anderen setzten auch klang&auml;sthetisch Ma&szlig;st&auml;be. Schon in den siebziger Jahren avancierte ECM zu einem der wichtigsten Schallplattenverlage im Jazz. 1984 erschien mit Arvo P&auml;rts Tabula Rasa die erste Ver&ouml;ffentlichung der Reihe ECM New Series, die sich der notierten Musik widmet. Seither entstanden Aufnahmen mit Kompositionen von Gy&ouml;rgy Kurt&aacute;g, Alfred Schnittke, Heinz Holliger, Steve Reich, Meredith Monk, Erkki-Sven T&uuml;&uuml;r, Heiner Goebbels, Eleni Karaindrou, Giya Kancheli, Tigran Mansurian, Valentin Silvestrov und anderen. Unter den Interpreten und Autoren der New Series sind insbesondere zu nennen: Kim Kashkashian, Thomas Zehetmair, das Hilliard Ensemble, Gidon Kremer, Thomas Demenga, Andr&aacute;s Schiff, Heinz Holliger, das Keller Quartett, das Rosamunde Quartett, Herbert Henck, Leonidas Kavakos, Dennis Russell Davies, Christoph Poppen, Bruno Ganz und Jean-Luc Godard. 1990 drehte Eicher zusammen mit Heinz B&uuml;tler den Film Holoz&auml;n nach einer Erz&auml;hlung von Max Frisch, der beim Filmfestival Locarno mit dem Spezialpreis der Jury ausgezeichnet wurde. Manfred Eichers weitere Filmarbeit umfasst die musikalische Produktion bzw. Konzeption f&uuml;r Filme von Jean-Luc Godard (Nouvelle Vague, Allemagne Neuf Z&eacute;ro, H&eacute;las Pour Moi, JLG, Forever Mozart, Histoire(s) du Cin&eacute;ma, The Old Place, Eloge de l'Amour, Notre musique), Theo Angelopoulos (Der Bienenz&uuml;chter, Landschaft im Nebel, Der schwebende Schritt des Storches, Der Blick des Odysseus, Die Ewigkeit und ein Tag, The Weeping Meadow), f&uuml;r Xavier Kollers Oscar-pr&auml;mierten Film Reise der Hoffnung, f&uuml;r Bella Martha von Sandra Nettelbeck und f&uuml;r den Dokumentarfilm War Photographer von Christian Frei mit James Nachtwey. Aus der Zusammenarbeit mit Jean-Luc Godard ging die mehrb&auml;ndige Dokumentation der kompletten Tonspur sowie des gesamten Textes der Histoire(s) du Cin&eacute;ma hervor, die mit dem "Jahrespreis der deutschen Schallplattenkritik" ausgezeichnet wurde. Herausragende ECM-Produktionen wurden unter anderem mit dem "Grand Prix du Disque" (Frankreich), dem "Edison Award" (Niederlande), dem "Grammy Award" (USA), dem "Academy Award" (Japan) und dem "Jahrespreis der Deutschen Schallplattenkritik" gew&uuml;rdigt. 1999 ehrten die amerikanischen Musikzeitschriften Down Beat, High Fidelity Magazine und Musician Magazine Manfred Eicher als "Producer of the Year".
Manfred Eicher wurden zahlreiche Auszeichnungen zuteil. So erhielt er 1986 den "Ehrenpreis der deutschen Schallplattenkritik", 1998 den "Musikpreis der Landeshauptstadt M&uuml;nchen". Die Universit&auml;t Brighton verlieh ihm im Jahre 2000 ein Ehrendotktorat "in recognition of his outstanding contribution to the development of contemporary music". 2002 wurde Eicher als "Best Classical Producer of the Year" mit einem Grammy ausgezeichnet. Im Januar 2005 wurde Eicher der "Kulturelle Ehrenpreis der Stadt M&uuml;nchen" verliehen.

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