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Chris Potter

The Dreamer Is The Dream

CD 1

Heart In Hand

Ilimba

Memory And Desire

Yasodhara

Sonic Anomaly

Apple Music Album

Amazon Music

Spotify

Amazon physisch Album/Track

iTunes Album

Auf seinem dritten ECM-Album unter eigenem Namen Leader stellt Chris Potter ein neues akustisches Quartett vor, das rhapsodische Melodik mit rhythmischer Kraft kombiniert. Der Gruppe geh&ouml;ren herausragende Musiker an, die ECM-H&ouml;rer von vielen w&auml;hrend der letzten Dekade in New York aufgenommenen Alben kennen: Keyboarder David Virelles, Bassist Joe Martin und Schlagzeuger Marcus Gilmore, die hier alle genauso gl&auml;nzen wie der Leader an seinen diversen Blasinstrumenten. "The Dreamer Is the Dream" pr&auml;sentiert Potter nicht nur am Tenorsaxophon &ndash; jenem Instrument, an dem er zu einem der meist bewunderten Musiker seiner Generation wurde, etwa im eindrucksvollen Er&ouml;ffnungsst&uuml;ck "Heart in Hand" oder in Album-Highlights wie "Yasodhara" &ndash; sondern auch an Sopransaxophon ("Memory and Desire") und Bassklarinette (im Titelst&uuml;ck). Potter ist ein Musiker, der "seine beachtliche Technik im Dienst der Musik einsetzt und nicht als Spektakel", schrieb der New Yorker. Seine kompositorische Arbeit entwickelt sich hinsichtlich Textur und Atmosph&auml;re mit jedem Album weiter.

Imaginary Cities (Dokumentation)

Chris Potter - die Ästhetik der Überraschung

Mit einem exzellent besetzten neuen New Yorker Quartett hat der Saxophonist Chris Potter das traumhafte Meisterwerk "The Dreamer Is The Dream" eingespielt.

Auf seinem dritten ECM-Album als Leader pr&auml;sentiert Chris Potter ein neues akustisches Quartett, das unbefangen rhapsodische Melodien mit kraftvollen Rhythmen verquickt. Best&uuml;ckt hat er die Band mit hervorragenden Musikern, die man von vielen New Yorker ECM-Aufnahmen der letzten zehn Jahre kennt: Keyboarder David Virelles, Bassist Joe Martin und Schlagzeuger Marcus Gilmore. Seine Vielseitigkeit zeigt Potter auf "The Dreamer Is The Dream" wahlweise auf dem Tenorsaxophon - auf dem er zu einem der am meisten bewunderten Spieler seiner Generation avanciert ist -, dem Sopransax und der Bassklarinette. Potter ist ein K&uuml;nstler, der seine "betr&auml;chtliche Technik stets in den Dienst der Musik stellt und nicht f&uuml;r Spektakel verschwendet", hie&szlig; es einmal im Magazin The New Yorker. Wie auf jedem seiner Alben entwickelt der Saxophonist in seinen Kompositionen auch diesmal &uuml;berraschende Texturen und Stimmungen.
Bevor das Quartett "The Dreamer Is The Dream" in den New Yorker Avatar Studios aufnahm, absolvierte es eine Reihe von Live-Auftritten und verbrachte zus&auml;tzlich einige Tage in der Schweiz, um das Material durchzugehen und vorzuproduzieren. Als man sich dann in den Avatar Studios wieder versammelte, floss die Musik nur so aus ihnen heraus.
Produzent Manfred Eicher half schlie&szlig;lich noch dabei, das Endergebnis zu formen. "Als Musiker kann man sich leicht im Dickicht der Dinge verlieren", meint Potter. "Aber Manfred sieht den Wald und nicht nur die B&auml;ume. Er hat ein wirkliches Gesp&uuml;r f&uuml;r das gro&szlig;e Ganze - f&uuml;r Stimmungen, Dichte, die Geschichte eines Albums. Ich habe mit ihm nun schon eine Menge Platten gemacht, und ich wei&szlig; das synergetische Geben und Nehmen mit ihm immer mehr zu sch&auml;tzen."
"Die generationen&uuml;bergreifende Mischung von Pers&ouml;nlichkeiten dieses Quartetts ist etwas Besonderes", sagt Potter. "Joe Martin kenne ich am l&auml;ngtsen - wir traten in den 90ern in denselben New Yorker Clubs auf.&nbsp;Abgesehen davon, dass er immer den richtigen Ton spielt, hat er diese sehr fokussierte, &uuml;berlegte Herangehensweise auf dem Bass, sehr klar und unterst&uuml;tzend - er ist das Fundament der Band. Das Quartett hat eine gro&szlig;e dynamische Bandbreite, agiert aber auch kontrollierter, was mir erm&ouml;glicht, auf eine bedachtere Art zu spielen. Joe hat daran gro&szlig;en Anteil."
"Marcus ist ein sehr eigenwilliger Schlagzeuger", f&auml;hrt Potter fort. "Er spielt nicht sensationsheischend, sondern subtil, detailfreudig und sehr musikalisch. Er hat seine eigene Art zu spielen und scheint sich alle sechs Monate sprunghaft zu entwickeln. David hat als Pianist seine eigene Nische gefunden. Obwohl er auf Kuba aufwuchs, spielt er nicht auf eine stereotype lateinamerikanische Art. Er hat die Rhythmen der kubanischen Folklore ausf&uuml;hrlich studiert, aber sich ebenso sehr mit Avantgarde-Jazz auseinandergesetzt. Er spielt mit Henry Threadgill, aber man kann ihn auch dabei erwischen, wie er an einer Et&uuml;de von Ligeti arbeitet. Die rhythmische Finesse in Davids Spiel ist einfach au&szlig;erordentlich. Und die Art, wie David und Marcus rhythmisch interagieren, hat einen generationstypischen Charakter - es ist ihr eigenes Ding. Man kann das nur schwer in Worte fassen, aber eine &auml;hnliche Verbindung gibt es auch zwischen mir und Joe. Unsere Generation&nbsp;- mit Leuten wie Brad Mehldau, Joshua Redman, Kurt Rosenwinkel - hat ihr eigenes Empfinden, ihr eigenes rhythmisches Gravitationszentrum. Die Generation von Marcus und David baut auf dem auf, was wir machten, so wie wir auf dem aufbauten, was die Generation vor uns gemacht hatte. Das ist eine Herausforderung- und inspirierend.&rdquo;
Wenn er komponiert befindet sich Potter, wie er sagt, oft in einem "traum&auml;hnlichen Zustand". "Heart In Hand", "Memory And Desire" und das Titelst&uuml;ck des Albums entstanden bei solchen frei-assoziativen Schreibsessions. Andere Nummern weisen indische ("Yasodhara") oder afrikanische ("Ilimba") Einfl&uuml;sse auf. Potter versucht auf jedem Album neue Ans&auml;tze zu finden. "Eine der Herausforderungen im Jazz ist, dass wir uns fragen m&uuml;ssen, wie wohl wir uns dabei f&uuml;hlen, wenn wir auf eine andere Weise arbeiten als beim vorherigen Mal - und dann dar&uuml;ber hinausgehen", sagt er. "Ich versuche immer im Hinterkopf zu haben, dass die urspr&uuml;ngliche und kostbarste Eigenschaft des Jazz die &Auml;sthetik der &Uuml;berraschung ist, nicht nur f&uuml;r das Publikum, sondern auch f&uuml;r den K&uuml;nstler. Es ist die Kunst, aus dem Stegreif Ideen zu entwickeln, gl&uuml;ckliche Zuf&auml;lle zu nutzen und eine Geschichte w&auml;hrend des Spielens zu entfalten. Darin liegt die Magie dieser Musik."

ECM - Vorsicht! Zerbrechlich!

Jetzt endlich auch auf Vinyl erh&auml;ltlich: die neuen ECM-Alben von Vijay Iyer, Jakob Bro, Mathias Eick und Chris Potters Underground Orchestra!

Der Pianist <a href="http://www.jazzecho.de/vijay-iyer/home" target="_self">Vijay Iyer</a> hat sein letztes Album zwar "Break Stuff" genannt. Vom mutwilligen Zerbrechen der jetzt erscheinenden Vinyl-Ausgabe dieses Meisterwerks raten wir aber trotzdem ab. Denn so wie "Break Stuff" in der internationalen Jazzpresse bejubelt wird, ist es eine Scheibe f&uuml;r die Ewigkeit.
Genauso sorgsam sollte man freilich auch die anderen drei ECM-Alben behandeln, die nun ebenfalls auf Vinyl erscheinen: "Gefion", das ECM-Deb&uuml;t des d&auml;nischen Gitarristen Jakob Bro (bekannt durch Zusammenarbeiten mit Paul Motian und Tomasz Stanko), Trompeter <a href="http://www.jazzecho.de/mathias-eick/home" target="_self">Mathias Eicks</a> musikalischer Ausflug in den "Midwest" der USA und "Imaginary Cities" von Saxophonist <a href="http://www.jazzecho.de/chris-potter/home" target="_self">Chris Potter</a> und seinem Underground Orchestra.

Chris Potter Underground Orchestra - Stadtplanung nach Noten

Mit seinem Underground Orchestra entwirft der Saxophonist Chris Potter auf seinem neuen ECM-Album atemberaubende "Imaginary Cities".

"Writing about music is like dancing about architecture" lautet ein oft zitierter Satz, der wahlweise u.a. Laurie Anderson, Steve Martin, Frank Zappa, Elvis Costello und Thelonious Monk zugeschrieben wird. Was w&uuml;rde der Urheber dieses Satzes wohl zu Chris Potters neuem Album sagen? Denn der entwirft darauf mit Noten gleiche ganze imagin&auml;re St&auml;dte. "Ich hatte diese Idee von imagin&auml;ren St&auml;dten, eine nicht spezifische, utopische Vorstellung, wie man die moderne Stadt verbessern k&ouml;nnte", erl&auml;utert Chris Potter "Imaginary Cities", den Titel seines neuen Albums. "Das soll nicht hei&szlig;en, dass ich ein Manifest zur Stadtplanung schreiben wollte... Es schien mir nur eine bezwingende Art zu sein, meine Gedanken zu ordnen. Ich hatte am Anfang nur ein St&uuml;ck und bemerkte dann, wie ein Thema zu einer anderen Stimmung hin&uuml;berleiten, sie fortsetzen und einen anderen Aspekt derselben Sache darstellen kann. So entstanden schlie&szlig;lich vier S&auml;tze mit einer fortlaufenden thematischen Entwicklung."
"Imaginary Cities" ist das erste Album, das der Saxophonist mit seinem neuen Underground Orchestra aufgenommen hat, das im Kern aus den Musikern seines Underground-Quartetts besteht: Gitarrist Adam Rogers, Pianist Craig Taborn und Drummer Nate Smith. Zu ihnen gesellen sich noch zwei Bassisten (Fima Ephron und Scott Colley), ein Streichquartett (mit den Violinisten Mark Feldman und Joyce Hammann, Bratschistin Lois Martin und Cellist David Eggar) sowie der Vibraphonist Steve Nelson, mit dem Potter einst in der Band von Dave Holland zusammenspielte. "Ich wollte keine dieser Klassik-trifft-Jazz-Geschichten machen", macht Potter klar. "Ich wollte, dass alle Musiker komplett integriert waren. An gewissen Stellen verschwimmen die Linien zwischen dem geschriebenen Material und dem improvisierten Material. Und auch die Streicher improvisieren."
Die Bandbreite dieses Werks, seine konstrastierenden Stimmungen und thematischen Entwicklungen inspirierten Potter h&ouml;rbar. Sein Saxophon segelt hoch &uuml;ber diese idealisierten Stadtlandschaften, initiiert Dialoge oder Kollektivimprovisationen. Vier weitere St&uuml;cke, in denen strikt auskomponierte und sehr offene Parts ebenfalls eng miteinander verwoben wurden, erg&auml;nzen die Suite. Die Referenzen sind multiidiomatisch und multikulturell. Und Potter, der fr&uuml;h den Charme von "Charlie Parker With Strings" f&uuml;r sich entdeckte, hatte sowohl arabische und indische Streicherensembles als auch zeitgen&ouml;ssische Kompositionen im Sinn, als er diese Kompositionen konzipierte. Keine Frage: In Potters imagin&auml;ren St&auml;dten, die auch die Phantasie des H&ouml;rers befl&uuml;geln, f&uuml;hlt man sich auf Anhieb wohl.

Verlockende Sirenengesänge: Chris Potters neues Album “The Sirens”

Mit &ldquo;The Sirens&rdquo; legt der Saxophonist Chris Potter sein erstes ECM-Album als Leader vor -&nbsp; inspiriert ist es von Homers epischer &ldquo;Odyssee&rdquo;.

Der 42-j&auml;hrige Chris Potter, der zuvor bereits auf mehreren ECM-Alben seines Mentors Dave Holland zu h&ouml;ren war und gemeinsam mit Paul Motian und Jason Moran 2009 das moderne Klassikeralbum &ldquo;Lost In A Dream&rdquo; einspielte, hat f&uuml;r &ldquo;The Sirens&rdquo; einen Zyklus reizvoller &ldquo;Songs ohne Worte&rdquo; komponiert. Die St&uuml;cke werden mit subtiler Virtuosit&auml;t von einer prominent und interessant zusammengestellten Band pr&auml;sentiert: Neben Potter an Tenor- und Sopransaxophon sowie an der Bassklarinette agieren hier Craig Taborn (Piano), David Virelles (pr&auml;pariertes Piano, Celeste, Harmonium), Larry Grenadier (Kontrabass) und Eric Harland (Schlagzeug).
&ldquo;Das ist f&uuml;r mich ein ungew&ouml;hnliches Album&rdquo;, gesteht Chris Potter. &ldquo;Da ich ein &uuml;bergreifendes Thema im Kopf hatte, schaffte ich es, die gesamte Musik in ungef&auml;hr zwei Wochen zu komponieren. Ich hatte &lsquo;Die Odyssee&rsquo; nach vielen Jahren gerade noch einmal gelesen, und dies inspirierte mich dazu, mit dieser epischen, mythischen Stimmung im Kopf Musik zu schreiben. In der &lsquo;Odyssee&rsquo;geht es ausschlie&szlig;lich um gro&szlig;e Themen, die in k&uuml;hnem Kontrast zu einander stehen - romantisches Abenteuer und Heimkehr, Versuchung und Identit&auml;t, Leben und Tod. Doch obwohl diese Themen in diesem archetypischen Raum stattfinden, geht es stets um Dinge, mit denen wir auch heute noch konfrontiert werden. Die Geschichten stammen aus der Antike, doch die menschlichen Emotionen &auml;ndern sich nie. Deshalb erscheint uns das Buch noch heute real. Aus diesem Grund wollte ich der Musik einen Lyrizismus verleihen, der auf dieser zeitlosen, sehr menschlichen Gem&uuml;tslage basiert - und es gibt nichts menschlicheres als Melodien.&rdquo;
Chris Potter: Ein Musiker der Kontraste und Paradoxe
Potters Stimme ist die eine Poeten. Geschickt w&auml;gt er Licht und Schatten miteinander ab und ist vor allem immer sehr lyrisch; sei es in dem song-&auml;hnlichen Auftakt von &ldquo;Wine Dark Sea&rdquo;, den er auf dem Tenorsax spielt, oder im leidenschaftlich romantischen &ldquo;Penelope&rdquo;, wo er zum Sopransax greift. Die Irish Times beschrieb sein Spiel einmal in paradoxer Weise: &ldquo;Wenn Potter spartanisch und lakonisch ist, gibt er seinem Spiel immer einen Schuss Redseligkeit. Wenn Potter hingegen mitteilsam ist, erweist er sich zugleich als Meister der Zur&uuml;ckhaltung.&rdquo; Der New Yorker wiederumgelangte zu folgender Erkenntnis: &ldquo;Als Tenorsaxophonist, der einen an Joe Henderson im Zenit seines K&ouml;nnens erinnern kann, stellt Potter seine beachtliche Technik stets in den Dienst der Musik und benutzt sie nie um des Spektakels willen.&rdquo;
Auf &ldquo;The Sirens&rdquo; sah Potter seine Rolle darin, den &ldquo;Geschichtenerz&auml;hler zu spielen. Anstatt &uuml;ber ein paar wirklich schwierige Changes zu spielen, wollte ich eine Stimmung erzeugen, eine Geschichte erz&auml;hlen.&rdquo; In Craig Taborn, David Virelles, Larry Grenadier und Eric Harland fand er die idealen Partner f&uuml;r seine musikalische Reise. &ldquo;Dies sind einige der Musiker, mit denen ich am liebsten zusammenspiele&rdquo;, sagt Chris Potter. &ldquo;Sie k&ouml;nnen einfach alles auf jede nur erdenkliche Art spielen, von straight-ahead bis vollkommen frei. Und wir geh&ouml;ren alle derselben Generation an, haben einander beobachtet, wie wir musikalisch aufwuchsen, und teilen eine Menge derselben zeitgen&ouml;ssischen Einfl&uuml;sse.&rdquo;
Offene Formen und ausgepr&auml;gter Lyrizismus
Mit ihren offenen Formen und ihrem ausgepr&auml;gten Lyrizismus stellt Musik wie jene von &ldquo;The Sirens&rdquo; die Protagonisten vor nicht geringe Herausforderungen. &ldquo;Man muss wissen, wann man in sie eintauchen sollte, aber auch, wann man ihr Raum lassen sollte&rdquo;, sagt Chris Potter, der momentan auch Mitglied von Pat Methenys Unity Band ist. &ldquo;Die Musiker m&uuml;ssen einerseits starke Pers&ouml;nlichkeiten sein, andererseits aber auch eine gewisse Reife besitzen - und deshalb ist diese Band geradezu perfekt. Diese Jungs sind absolut auf der H&ouml;he der Zeit.&rdquo;

Die ECM Highlights 2010 - Der Jahresrückblick Teil 2

Auch im Jahr 1 nach dem 40-j&auml;hrigen Jubil&auml;um, sorgten Manfred Eicher und ECM international f&uuml;r Schlagzeilen. Und dies nicht nur durch aufsehenerregende neue Produktionen von etablierten und aufstrebenden K&uuml;nstlern wie Keith Jarrett, Paul Motian, Charles Lloyd, Manu Katch&eacute;, Ketil Bj&oslash;rnstad, Roscoe Mitchell, Tord Gustavsen, Trygve Seim, Anat Fort und Nik B&auml;rtsch. Im April erhielt Eicher den &ldquo;Lifetime Achievement Award&rdquo; des amerikanischen Jazzmagazins DownBeat, mit dem zuvor vor allem hinter den Kulissen wirkende Legenden wie George Wein, Leonard Feather, Orrin Keepnews, Norman Granz, Rudy Van Gelder und Bruce Lundvall ausgezeichnet worden waren. Zwei Monate sp&auml;ter k&uuml;rte die aus internationalen Kritikern bestehende Jury des renommierten Magazins den ECM-Labelchef zum Produzenten und ECM zum Plattenlabel des Jahres. Sowohl Manfred Eicher als auch seinem Label gelang damit ein lupenreiner Hattrick, da sie diese Ehrungen in den beiden vorausgegangenen Jahren ebenfalls eingestrichen hatten.

Auch im Jahr 1 nach dem 40-j&auml;hrigen Jubil&auml;um, sorgten Manfred Eicher und ECM international f&uuml;r Schlagzeilen. Und dies nicht nur durch aufsehenerregende neue Produktionen von etablierten und aufstrebenden K&uuml;nstlern wie <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;139957&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;K&uuml;nstlerseite von Keith Jarrett auf JazzEcho (http://www.jazzecho.de/keith-jarrett/)&quot;}">Keith Jarrett</a>, Paul Motian, <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;111046&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;Zur K&uuml;nstlerseite von Charles Lloyd auf JazzEcho.de (http://www.jazzecho.de/charles-lloyd/)&quot;}">Charles Lloyd</a>, <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;37971&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;JazzEcho K&uuml;nstlerseite Manu Katch&eacute; (http://www.jazzecho.de/manu-katche)&quot;}">Manu Katch&eacute;</a>, <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;38224&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;Ketil Bjornstad auf Jazz Echo (http://www.jazzecho.de/ketil-bjornstad)&quot;}">Ketil Bj&oslash;rnstad</a>, Roscoe Mitchell, <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;34390&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;K&uuml;nstlerseite Tord Gustavsen (http://www.jazzecho.de/tord-gustavsen)&quot;}">Tord Gustavsen</a>, Trygve Seim, Anat Fort und <a href="javascript:void(0)" refval="{&quot;linkid&quot;:&quot;110905&quot;,&quot;listview&quot;:&quot;zur K&uuml;nstlerseite von Nik B&auml;rtsch's Ronin auf JazzEcho.de (http://www.jazzecho.de/nik-baertschs-ronin/)&quot;}">Nik B&auml;rtsch</a>. Im April erhielt Eicher den &ldquo;Lifetime Achievement Award&rdquo; des amerikanischen Jazzmagazins DownBeat, mit dem zuvor vor allem hinter den Kulissen wirkende Legenden wie George Wein, Leonard Feather, Orrin Keepnews, Norman Granz, Rudy Van Gelder und Bruce Lundvall ausgezeichnet worden waren. Zwei Monate sp&auml;ter k&uuml;rte die aus internationalen Kritikern bestehende Jury des renommierten Magazins den ECM-Labelchef zum Produzenten und ECM zum Plattenlabel des Jahres. Sowohl Manfred Eicher als auch seinem Label gelang damit ein lupenreiner Hattrick, da sie diese Ehrungen in den beiden vorausgegangenen Jahren ebenfalls eingestrichen hatten. Tord Gustavsen: Entr&uuml;ckter Fantast mit neuer Band Nach drei h&ouml;chst erfolgreichen Trio-Alben, die zu den popul&auml;rsten ECM-Einspielungen der letzten zehn Jahre z&auml;hlen, stellte der norwegische Pianist Tord Gustavsen Anfang 2010 auf &ldquo;Restored, Returned&rdquo; eine neukonfigurierte Band vor. Vor allem durch das Saxophone Tore Brunborgs erschlossen sich ihm neue Klangnuancen. &ldquo;Es ist faszinierend, mit welch einfachen Mitteln die Musiker um Tord Gustavsen eine musikalische Stimmung erschaffen, die den H&ouml;rer f&ouml;rmlich in die Kl&auml;nge hineinzieht&rdquo;, schrieb Mario-Felix Vogt in Fono Forum. &ldquo;Bei diesem musikalischen Konzept ist nicht nur von Bedeutung, was und wie gespielt wird, sondern auch, wann nicht gespielt wird, die Musiker der Stille Raum geben.&rdquo; In der Jazzthetik meinte Wolf Kampmann: &ldquo;Gustavsen ist ein entr&uuml;ckter Fantast, der musikalische Traumwelten entwirft, die ber&uuml;hren, weil sie Bed&uuml;rfnisse erf&uuml;llen, die in jedem Menschen ruhen... Geschichten so zu erz&auml;hlen, dass noch genug Raum f&uuml;r die Imagination des Zuh&ouml;rers bleibt, ist die gro&szlig;e Begabung des schlaksigen Norwegers.&rdquo; Paul Motian / Jason Moran / Chris Potter: Hingebungsvoller Slow-Motian-Jazz Ob ein Album das Zeug zum &ldquo;Klassiker&rdquo; hat, zeigt sich in der Regel erst nach geraumer Zeit. Selten passiert es, dass man schon nach dem ersten H&ouml;ren denkt, auf einen k&uuml;nftigen Klassiker gesto&szlig;en zu sein. Paul Motians &ldquo;Lost In A Dream&rdquo; ist aber ein solches Album. Zu diesem Urteil kam SZ-Kritiker Norbert D&ouml;mling, der &ldquo;Lost In A Dream&rdquo; ein Meisterwerk nannte: &ldquo;Als, vor 50 Jahren, Schlagzeuger Paul Motian zum ersten Mal mit dem Pianisten Bill Evans und dem Bassisten Scott La Faro spielte, tat sich im Jazz eine neue Welt auf: fein, melodisch, fast erhaben. Paul Motian hat das musikalische Ideal, das hinter dem Trio stand, nie aufgegeben. Jetzt hat der mittlerweile 78 Lenze z&auml;hlende Ausnahmedrummer im selben Club, in dem damals die Aufnahmen mit Evans entstanden, das Album &lsquo;Lost In Dreams&rsquo; eingespielt. Dabei sind Chris Potter, gegenw&auml;rtig wohl der technisch versierteste und ausdrucksst&auml;rkste Saxophonist, und der mindestens genauso einfallsreiche, elastisch virtuose, aber auch gekonnt sperrig spielende Pianist Jason Moran.&rdquo; Matthias Imhoffen k&uuml;rte das Album in Audio zur Jazz-CD des Monats und meinte: &ldquo;Hier gibt es keine Eitelkeiten, keine Hahnenk&auml;mpfe, keine Geschw&auml;tzigkeit, nur die Hingabe an die Musik im delikaten Kammer-Jazz-Environment...&rdquo; Manu Katch&eacute;: Mit elegantem Schwung in die dritte Runde Es gibt wohl kaum einen Schlagzeuger, der all die &uuml;blen Klischees und Witze, die &uuml;ber seinesgleichen in Umlauf sind, so elegant und locker ad absurdum zu f&uuml;hren versteht wie Manu Katch&eacute;. Auch auf seinem dritten ECM-Album &ldquo;Third Round&rdquo; gibt er sich keine Bl&ouml;&szlig;e. &ldquo;Katch&eacute; pr&auml;sentiert sich einmal mehr als versierter Komponist, der seinen Musikern intuitiv die passenden Arrangements liefert und diese dann dezent aus dem Hintergrund steuert&rdquo;, merkte Tom Fuchs in Fono Forum an. &ldquo;[Saxophonist Tore] Brunborg und die Trompeterin Kami Lyle erweisen sich als unaufdringliche Solisten, Jason Rebello, Jacob Young und Pino Palladino komplettieren an Klavier, Gitarre und Bass die Band zur kompakten Combo, die sich im Entwickeln lyrischer Momente eher hervortut als mit der Betonung profunder Grooves.&rdquo; Und in Jazzthetik res&uuml;miert Franz X.A. Zipperer: &ldquo;Manu Katch&eacute; beweist durch die Dramaturgie auf &lsquo;Third Round&rsquo; einmal mehr, dass er - wie kaum ein anderer Schlagzeuger - das formale Hirn eines klassisch geschulten K&uuml;nstlers, das herz eines Jazzers, das pulsierende Blut eines Popmusikers und die Seele schwarzafrikanischer Kl&auml;nge in sich vereint und auf unaufdringliche Weise massiv zur Geltung bringt.&rdquo; Ketil Bj&oslash;rnstad / Tore Brunborg / Jon Christensen: Ber&uuml;ckender denn je zuvor Solche Geniestreiche gelingen wohl nur improvisationserfahrenen Jazzmusikern. Bevor Ketil Bj&oslash;rnstad, Jon Christensen und Tore Brunborg ins Studio gingen, um &ldquo;Remembrance&rdquo; aufzunehmen, hatten sie in dieser Konstellation noch nie zusammengespielt. Dennoch ben&ouml;tigten sie nur eine Aufnahmesession f&uuml;r ein ganzes Album von zauberhafter Sch&ouml;nheit und beeindruckender Geschlossenheit. &ldquo;Dieses Trio zelebriert ganz wundervoll seine melancholisch verhangene, eing&auml;ngige und austarierte Musik&rdquo;, schw&auml;rmte Ulrich Steinmetzger in Jazzthing. &ldquo;Wie immer gilt: Wo Bj&oslash;rnstad draufsteht, ist auch Bj&oslash;rnstad drin. Immer wieder aber setzt er seine schwelgerische Musik in neue Band-Kontexte um - und selten waren dabei die Ergebnisse so ber&uuml;ckend wie diesmal.&rdquo; Im JazzPodium meinte Heribert Ickerott: &ldquo;Bj&oslash;rnstads Musik folgt einer eigenen &Auml;sthetik, klar und flie&szlig;end, sanft und zur&uuml;ckhaltend, transparent und warm leuchtend. An was auch immer sich der 58-j&auml;hrige Romancier, Lyriker und Pianist erinnert, seine Erinnerungen in 11 Teilen leuchten milde und bevorzugen mollges&auml;ttigte Adagio-Stimmungen.&rdquo; Food: Loungig erdenferner Klangausflug Seit sich der britischen Saxophonist Iain Ballamy 1998 mit Thomas Str&oslash;nen, Arve Henriksen und Mats Eilertsen zusammentat, versorgten sie das Jazzpublikum unter dem Bandnamen Food mit musikalischer Nahrung f&uuml;r Herz, Hirn und Ohren. Vor drei Jahren schrumpfte das Quartett dann zum Duo. F&uuml;r Food-Auftritte und -Alben luden Ballamy und Schlagzeuger Str&oslash;nen seitdem stets illustre Gastmusiker ein. Auf &ldquo;Quiet Inlet&rdquo; sind es der Trompeter Nils Petter Molv&aelig;r und der &ouml;sterreichische Gitarrist/Elektroniker Christian Fennesz. Laut Jazzthetik-Rezensent Ulrich Kriest &ldquo;klingt Food mit Ballamys lyrisch-getragenem Ton vor Str&oslash;nens verschwenderisch ausgebreiteter Palette an perkussiven Interventionen genau so, wie man sich ein ideales &lsquo;ECM-Album&rsquo; anno 2010 vom Sound her vorstellt: modern, aber zug&auml;nglich (in Ballamys Spiel d&uuml;rfen sich auch Garbarek-Fans zu Hause f&uuml;hlen).&rdquo; In Jazzthing kam Ralf Dombrowski zu dem Schluss, &ldquo;Quiet Inlet&rdquo; sei ein &ldquo;loungig erdenferner Ausflug in die H&ouml;rgefilde intellektuellen Sph&auml;renklangs, quasi &lsquo;Space Night&rsquo; f&uuml;r Fortgeschrittene.&rdquo; Keith Jarrett / Charlie Haden: Das perfekte Paar Dass Keith Jarrett und Charlie Haden geschlagene drei&szlig;ig Jahre lang getrennte Wege gegangen waren, mochte man angesichts ihres traumwandlerischen Zusammenspiels auf &ldquo;Jasmine&rdquo; kaum glauben. Aber es ist tats&auml;chlich so: Ihre letzte musikalische Begegnung hatte 1976 stattgefunden. Seitdem immens weitergereift, streiften sie nun auf &ldquo;Jasmine&rdquo; alles &Uuml;berfl&uuml;ssige ab, um sich auf die musikalische Essenz der gespielten Songs zu konzentrieren. &ldquo;F&uuml;r den H&ouml;rer&rdquo;, so Ralf Dombrowski in SONO, &ldquo;ist diese selbstverordnete Reduktion der Mittel ein Gewinn. Kompakt und klar sch&ouml;pft Jarrett aus seinem Reservoir der gestalterischen Erfahrungen, bringt Phrasen auf den Punkt, spitzt Motive zu. Vollt&ouml;nend und pointiert kontert Haden, mit spartanischen Linien, ein Rhapsode mit dem Hang zum versteckten, hintergr&uuml;ndigen Witz. So entsteht eine gute Stunde Musik ohne Anspruch auf H&ouml;chstleistung, die aber gerade dadurch immense Kraft gewinnt. Ein reifes Statement zweier Jazz-Eminenzen, das man keinem jungen H&uuml;pfer glauben w&uuml;rde.&rdquo; In Stereoplay befand Werner Stiefele: &ldquo;Sie sind ein perfektes Paar. Keith Jarrett zelebriert langsam und w&uuml;rdevoll Melodien, und Charlie Haden grundiert mit wenigen, effektiv gesetzten Basst&ouml;nen. Es ist, als philosophierten sie gemeinsam, illustrierten ihre Gedanken mit Anekdoten und verschmitzt eingestreuten Witzen.&rdquo; Anat Fort Trio: Ma&szlig;stab in der Flut neuer Pianotrios Seit die israelische Pianistin Anat Fort 2007 mit Unterst&uuml;tzung der Routiniers Paul Motian, Perry Robinson und Ed Schuller bei ECM deb&uuml;tierte, wird sie als eine der ganz gro&szlig;en Entdeckungen des Jazz der letzten Jahre gefeiert. Nun legte sie ihr zweites Album &ldquo;And If&rdquo; mit ihrem eigentlichen Trio vor, mit dem sie seit zehn Jahren in New York zusammenspielt. &ldquo;Acht Eigenkompositionen der Bandleaderin, umgeben von zwei Variationen eines Widmungsst&uuml;cks an Paul Motian, aufgenommen im kristallklaren Sound von Jan Erik Kongshaugs Osloer Rainbow Studio und hingebreitet in Noblesse, die nie etwas Pl&uuml;schiges bekommt&rdquo;, referiert Ulrich Steinmetzger im JazzPodium. &ldquo;Diese Musik ist uneingeschr&auml;nkt zu feiern. Sie hat nichts Beflissenes, irisiert in bezaubernder Sch&ouml;nheit und bewahrt sich unbedingt die Stilsicherheit, nicht ins Banale zu kippen. Das ist ein elegantes Spiel mit Nuancen, Tempoverlagerungen und Pausen. Weniger ist mehr, viel mehr, wenn es in dieser Weise beseelt wird. Die Einspielung setzt v&ouml;llig unaufgeregt und souver&auml;n einen Ma&szlig;stab in der Flut der neuen Pianotrios.&rdquo; Nik B&auml;rtsch&rsquo;s Ronin: Melodik statt Motivsplitter Schon im Titel von Nik B&auml;rtschs drittem ECM-Albums &ldquo;Llyr&igrave;a&ldquo; scheint anzuklingen, dass der Pianist mit seiner Band Ronin nun einen neuen, lyrischeren Weg einschlagen m&ouml;chte. Und tats&auml;chlich er&ouml;ffnen feine komponierte &Uuml;berg&auml;nge ihm in beinahe allen St&uuml;cken erfrischende melodische M&ouml;glichkeiten. Dies bemerkte auch Alex R&uuml;hle, der in seiner Rezension f&uuml;r die S&uuml;ddeutsche Zeitung schrieb: &ldquo;Der Schweizer Pianist Nik B&auml;rtsch und der wirklich fantastische Schlagzeuger Kaspar Rast arbeiten seit 25 Jahren gemeinsam an einer Musik, die B&auml;rtsch einmal als Zen-Funk definierte, eine Musik, die sich nicht prim&auml;r an Melodien entlang entwickelt, sondern einen Rhythmus in die Mitte eines leeren Raumes stellt und den erstmal aus sich selbst heraus pulsieren l&auml;sst. Es ist, als h&ouml;re sich dieser Rhythmus selbst bei der Arbeit zu, als triebe er, Fraktalen gleich, aus seinem Kraftzentrum heraus Motivsplitter voran. W&auml;hrend sie aber in den ersten Alben eine Art extrem saubere Grundlagenarbeit leisteten, scheinen sie diesmal herausfinden zu wollen, wieviel Melodik solche Klarheit vertr&auml;gt. Gro&szlig;artig, weiter so.&rdquo; Charles Lloyd Quartet: Souver&auml;ne Formsprache voller Energie Als &ldquo;Meisterwerk des romantischen Jazz&rdquo; bezeichnete Werner Stiefele in Stereoplay Charles Lloyds neues Album &ldquo;Mirrors&rdquo;: &ldquo;Nur wenige Saxofonisten vereinen so viele emotionale Facetten in einer einzigen Melodie wie Charles Lloyd. Seine T&ouml;ne k&ouml;nnen zerbrechen, dr&uuml;cken und pressen, suchen oder fest dastehen, greinen, enteilen oder den Raum dominieren. Sein neues Quartett um den Pianisten Jason Moran zieht bei zw&ouml;lf ausdrucksstarken Nummern kongenial mit. Diese Vier konzentrieren alles auf seinen Kern; selbst jede Zierfigur verst&auml;rkt hier den Ausdruck und ist keinesfalls &uuml;berfl&uuml;ssig.&rdquo; Die Kollegen von Fono Forum schrieben: &ldquo;Eine souver&auml;ne Formsprache voller Energie kennzeichnet jede Session von Charles Lloyd. Seine fantasievollen Erkundungen, die er auf Alt- und Tenorsax zelebriert, erz&auml;hlen von der Spiritualit&auml;t seiner Musik und ihrer einfallsreichen Umsetzung, in die auch Kl&auml;nge anderer Kulturen einflie&szlig;en. Mit der aktuellen Besetzung [...] streift Lloyd durch Spirituals wie &lsquo;Go Down, Moses&rsquo;, offenbart sein Blues-Feeling in &lsquo;Desolation Sound&rsquo; und verlagert den Beach-Boys-Hit &lsquo;Caroline, No&rsquo; in das Spannungsfeld des modernen Jazz.&rdquo; Roscoe Mitchell And The Note Factory: Kompromisslose Klangforschungstour Auch mit 70 Jahren denkt der Saxophonist, Komponist und Improvisationspionier Roscoe Mitchell nicht daran, sich auf eingefahrene musikalische Gleise zu begeben. Mit seinem Ensemble Note Factory verwischt er auf dem Album &ldquo;Far Side&rdquo; die Demarkationslinien zwischen Komposition und Improvisation. Im JazzPodium meinte Klaus H&uuml;bner dazu: &ldquo;&lsquo;Far Side&rsquo; bietet eine kompromisslose Forschungstour der verschiedenen Ebenen und Grade des Sounds von Roscoe Mitchell, den er seit den Tagen mit dem Art Ensemble Of Chicago und dem Transatlantic Art Ensemble (mit Evan Parker) verfeinerte. Kratzte die Grobschl&auml;chtigkeit des Art Ensemble Of Chicago noch an den Grundmauern des freien Jazz und der Improvisation, reklamierte Roscoe Mitchell sp&auml;ter f&uuml;r sich einen lyrisch-prosaischen Anspruch. Die drei&szlig;ig Minuten lange Suite &lsquo;Far Side/Cards/Far Side&rsquo; spiegelt diese Entwicklung wider. An die Kandare genommen und entfesselt - Mitchells z&uuml;gellose bis gelenkte Improvisation findet insbesondere in diesem Live-Mitschnitt vom M&auml;rz 2007 beim Burghausen Jazzfestival ihr Echo.&rdquo; Trygve Seim / Andreas Utnem: Improvisierte Kirchenmusik Der oft mit Jan Garbarek verglichene Trygve Seim liebt neue musikalische Herausforderungen. Vor 13 Jahren begann er eine Zusammenarbeit mit dem Kirchenmusiker und Pianisten Andreas Utnem, die nun erstmals auf dem Album &ldquo;Purcor&rdquo; dokumentiert wurde. Die Leipziger Volkszeitung stimmte ein Loblied auf den norwegischen Saxophonisten und sein neues Album an: &ldquo;Man sage bitte nicht immer Garbarek, wenn dieser Saxofonist aus Oslo zu seinen Ges&auml;ngen anhebt. Viel zu sehr hat er sich als unik&auml;rer Komponist profiliert, hat seinen Ton in konsequenter Reduktion individualisiert, hat g&auml;nzlich unaufgeregt eine neue Sinnlichkeit des hohen Nordens in wundervollen Melodieschleifen eingefangen, die neben jedem Kitschverdacht schwerelos segeln. Er kennt seine Wurzeln und greift weit dar&uuml;ber hinaus. Immer neu und auch diesmal wieder anders. Und er hat keine Eile dabei, das macht seine Musik so weise und ohne Verfallsdatum unanfechtbar. Mit Pianist [Andreas] Utnem zog er sich in eine Kirche zur&uuml;ck, &ouml;ffnete Horizonte, schwelgte, schwebte und zelebrierte schlicht sch&ouml;ne Musik ohne Wenn und Aber.&rdquo;

Chris Potter im Doppelpack

Seit Chris Potter im Dezember 1992 kurz vor seinem 22. Geburtstag für das niederländische Independent-Jazzlabel Criss Cross sein Debütalbum "Introducing Chris Potter" aufnahm, scheint er seinen kreativen Elan kaum noch im Zaum halten zu können. Zehn weitere Alben unter eigenem Namen folgten in den nächsten vierzehn Jahren - und jedes einzelne wurde von Jazzkritikern in aller Welt in den höchsten Tönen gelobt. Auch als Sideman machte Chris Potter in den letzten anderthalb Jahrzehnten immer wieder von sich Reden: etwa auf Alben von Dave Holland, Lizz Wright, Dave Douglas, Paul Motian, John Patitucci, Steve Swallow, der Mingus Big Band sowie der wiederauferstandenen Jazz-Pop-Band Steely Dan. Jetzt beschert er uns mit "Follow the Red Line - Live At The Village Vanguard" und "Song For Anyone" einen Album-Doppelschlag. Auf diesen beiden neuen parallel veröffentlichten Meisterwerken präsentiert sich der Saxophonist mit musikalischen Konzepten, die sich diametral gegenüberstehen.

Seit Chris Potter im Dezember 1992 kurz vor seinem 22. Geburtstag für das niederländische Independent-Jazzlabel Criss Cross sein Debütalbum "Introducing Chris Potter" aufnahm, scheint er seinen kreativen Elan kaum noch im Zaum halten zu können. Zehn weitere Alben unter eigenem Namen folgten in den nächsten vierzehn Jahren - und jedes einzelne wurde von Jazzkritikern in aller Welt in den höchsten Tönen gelobt. Auch als Sideman machte Chris Potter in den letzten anderthalb Jahrzehnten immer wieder von sich Reden: etwa auf Alben von Dave Holland, Lizz Wright, Dave Douglas, Paul Motian, John Patitucci, Steve Swallow, der Mingus Big Band sowie der wiederauferstandenen Jazz-Pop-Band Steely Dan. Jetzt beschert er uns mit "Follow the Red Line - Live At The Village Vanguard" und "Song For Anyone" einen Album-Doppelschlag. Auf diesen beiden neuen parallel veröffentlichten Meisterwerken präsentiert sich der Saxophonist mit musikalischen Konzepten, die sich diametral gegenüberstehen.Mit seinem Quartett Underground zelebriert er auf "Follow The Red Line", live aufgenommen im Village Vanguard, eine atemberaubend groovende Marathon-Jamsession, die einem beim bloßen Anhören den Schweiß in Sturzbächen auf die Stirn treibt. Potter und seine nicht minder brillanten Underground-Partner (Craig Taborn am Fender Rhodes, Gitarrist Adam Rogers und Schlagzeuger Nate Smith) erweisen sich als wahre Champions des improvisierten Spiels, die nicht eine Sekunde lang im Leerlauf verharren und bei all ihren abenteuerlichen Drehungen und Wendungen nie den im Titel des Albums erwähnten "roten Faden" verlieren. Ein besseres, spannenderes Live-Album kann man sich im zeitgenössischen Jazz kaum vorstellen. &nbsp; Auf dem zweiten Album "Song For Anyone", das er mit einem Tentett aufnahm, stehen hingegen vor allem Potters Fähigkeiten als Komponist und Arrangeur im Mittelpunkt. Virtuos mischt der Saxophonist, der hier Tenor und Sopran spielt, die Klangfarben, die ihm die progressiv-kammermusikalische Besetzung mit Flöte (Erica von Kleist), Klarinette (Greg Tardy), Fagott (Michael Rabinowitz), Violine (Mark Feldman), Viola (Lois Martin), Cello (Dave Eggar), Gitarre (Steve Cardenas), Kontrabass (Scott Colley) und Schlagzeug/Perkussion (Adam Cruz) offeriert. Das erinnert in der Genialität etwa an den Stan-Getz-Klassiker "Focus" (mit Eddie Sauter) oder das Album "Rush Hour", das Joe Lovano mit Hilfe von Gunther Schuller aufnahm. &nbsp; Chris Potter kam am 1. Januar 1971 in Chicago zur Welt, zog mit seinen Eltern aber schon bald nach Columbia/South Carolina. Erste musikalische Experimente unternahm er im Alter von drei Jahren auf Gitarre und Piano. Wirklich ernst nahm er die Musik aber erst ab seinem zehnten Lebensjahr, als er - inspiriert von Paul Desmond und Johnny Hodges - begann Altsaxophon zu spielen. Kaum drei Jahre später beherrschte er das Instrument schon so gut, daß er öffentlich auftreten konnte. Als er 15 Jahre alt war, entdeckte ihn die legendäre Pianistin Marian McPartland (die ihm Jahre später auch den Weg zum Concord-Label ebnen sollte). McPartland war von Potters Talent so sehr begeistert, daß sie ihn an Woody Herman weiterempfehlen wollte. Doch Chris' Eltern bestanden vernünftigerweise darauf, daß er erst einmal seinen Schulabschluß machte. Als er diesen mit 18 Jahren in der Tasche hatte, spielte er neben Altsaxophon auch noch Tenor- und Sopransaxophon, Baßklarinette und Altflöte. &nbsp; Derart musikalisch gerüstet zog er nach New York, um sich erst an der New School und danach an der Manhattan School Of Music den Schliff für einen professionelle Musikerlaufbahn zu holen. Zu seinen Lehrern gehörten u.a. der Pianist Kenny Werner, mit dem Potter bis heute eine tiefe Freundschaft verbindet (die beiden nahmen 1994 auch ein Duo-Album für Concord auf), und der Trompeter Red Rodney, in dessen Band der Saxophonist bis zum Tod des legendären Beboppers vier Jahre lang spielte. &nbsp; Noch bevor er 1993 seinen Abschluß an der Manhattan School Of Music machte, nahm Chris Potter für Criss Cross sein erstes Album unter eigenem Namen auf. Danach konnte er sich vor Jobangeboten kaum noch retten und machte Gigs sowie Plattenaufnahmen mit u.a. Mingus Big Band, Paul Motian, Ray Brown, Jim Hall, James Moody, Dave Douglas und Mike Mainieri. &nbsp; Längst hat sich der bescheiden wirkende Musiker zu einem der bedeutendsten Stilisten des Jazz gemausert, dem schon jetzt ein sicherer Platz im Olymp der besten Jazzsaxophonisten aller Zeiten gebührt. Bereits vor Jahren konstatierten Kritiker verblüfft, daß Chris Potter mit jedem neuen Album stärker und stärker wird. Noch haftet dem 36jährigen zwar der Ruf des "musicians' musician" an, aber dies dürfte sich mit den beiden neuesten Alben, die er nun parallel lanciert, wohl endgültig ändern. JazzEcho verlost drei mal das neue Live-Album Follow The Red Line von Chris Potter. <A class=sololink href="wochengewinnspiel_9928.jsp">Zum Gewinnspiel</A>.

Chris Potter - Underground

Es kommt sicherlich nicht von ungefähr, daß die internationale Kritikerriege des Down Beat Chris Potter bereits zweimal nacheinander zum "Rising Star of Tenor Saxophone" ernannt hat. Seit seinem Debütalbum "Presenting Chris Potter", das der aus Chicago stammende Saxophonist schon mit 21 Jahren aufnahm, lieferte Potter mit jedem neuen Werk einen Beweis für seine rasante musikalische Entwicklung. Nun bringt der mittlerweile 35jährige mit "Underground" sein elftes Soloalbum heraus.

Es kommt sicherlich nicht von ungefähr, daß die internationale Kritikerriege des Down Beat Chris Potter bereits zweimal nacheinander zum "Rising Star of Tenor Saxophone" ernannt hat. Seit seinem Debütalbum "Presenting Chris Potter", das der aus Chicago stammende Saxophonist schon mit 21 Jahren aufnahm, lieferte Potter mit jedem neuen Werk einen Beweis für seine rasante musikalische Entwicklung. Nun bringt der mittlerweile 35jährige mit "Underground" sein elftes Soloalbum heraus.Auf "Underground" präsentiert Chris Potter seine neue Band mit Gitarrist Wayne Krantz, Keyboarder Craig Taborn und Schlagzeuger Nate Smith, der mit dem Saxophonisten auch im Dave Holland Quintet spielt. "Es macht mir wirklich Spaß, mit dieser Kombination von Leuten zu spielen", meint Potter. "Wir vier haben eigentlich alle einen anderen musikalischen Background, harmonieren aber ganz ausgezeichnet miteinander." 
 
In Krantz engagierte Potter einen der eigenständigsten E-Gitarristen der zeitgenössischen Jazzszene. Krantz hat in den vergangenen 15 Jahren nicht nur sechs Alben unter eigenem Namen eingespielt (drei davon für das Münchner Enja-Label), sondern auf auf der Bühne und im Studio schon mit Steely Dan, Steps Ahead, Michael Brecker, Billy Cobham, Victor Bailey und Leni Stern gearbeitet. Der aus Detroit stammende Piano- und Orgelvirtuose Taborn arbeitete wiederum mit Musikern wie James Carter, Tim Berne, Mat Maneri, Dave Douglas, Bill Laswell, Susie Ibarra, Steve Coleman sowie Drew Gress und nahm drei Alben als Leader auf. Schlagzeuger Nate Smith schaffte den Durchbruch an der Seite der legendären Jazzvokalistin und Mentorin Betty Carter und stieß 2003 als Ersatz für Billy Kilson zum Dave Holland Quintet. 
 
Gefunden hat sich dieses nicht alltäglich besetzte Quartett, zu dem bei zwei Tracks auch noch der Gitarrist Adam Rogers stößt, bei Sessions in der New Yorker 55 Bar, einem kleinen Jazzclub im Greenwich Village. Nach der Veröffentlichung des Live-Albums "Lift" (auf dem der Saxophonist mit Keyboarder Kevin Hays, Bassist Scott Colley und Drummer Bill Stewart zu hören war) probierte Potter bei seinen Auftritten in der 55 Bar, die vielen New Yorker Jazzmusikern als eine Art Experimentierfeld dient, verschiedene neue Besetzungen aus. Bis sich schließlich die vielversprechende Kombination mit Krantz, Taborn und Smith herauskristallisierte. "Ich arbeitete mit einer Menge unterschiedlicher Musiker, bis ich endlich den Eindruck gewann: Das ist die Band." 
 
"Was ich an Wayne besonders mag, ist sein Gefühl für Rhythmus. Und der Rhythmus spielt bei meiner neuen Band eine große Rolle", meint Potter. "Ich war mir nicht sicher, ob ich in der Band einen akustischen oder elektrischen Baß haben wollte, und entschied mich letztendlich dafür, ganz auf einen Bassisten zu verzichten. Ich wollte allerdings auch nicht, daß Craig den Baß-Part auf der Orgel übernimmt. Er ist hier ausschließlich am Fender Rhodes zu hören und spielt die Baßlinien mit der linken Hand, so wie er es auch schon mal bei Tim Berne gemacht hat. Nate stieß ungefähr zur selben Zeit zu uns, als er auch in das Quintett von Dave Holland einstieg." Bei einer Tournee, die das Quartett im vergangenen Jahr durch Europa unternahm, entwickelte sich dann die richtige Chemie zwischen den Musikern. 
 
So überraschend wie die Besetzung ist auch das Repertoire dieser Band. Neben dem Billy-Strayhorn-Standard "Lotus Blossom" und Originalen aus der Feder von Potter enthält es auch Interpretationen zweier Popsongs: von dem Beatles-Klassiker "Yesterday" und dem Radiohead-Hit "Morning Bell".

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