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ECM Sounds

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Gewidmet dem Meer, das alle Musik in sich trägt

Parallel zur Ver&ouml;ffentlichung von Stephan Micus&rsquo; neuem Album "Traces in the Sand" erscheint bei seinem Label ECM Records nun auch "The Garden of Mirrors" aus dem Jahr 1997 erstmals auf Vinyl.

Stephan Micus hat seit jeher eine enge Verbindung zur Natur und l&auml;sst sich beim Komponieren sowie beim Betiteln seiner Alben oft von Landschaften, Gew&auml;ssern, Naturerscheinungen und &Auml;hnlichem inspirieren. Auf "<a href="https://www.jazzecho.de/stephan-micus/diskografie/traces-in-the-sand-1296510" target="_blank" rel="noopener">Traces in the Sand</a>", seinem inzwischen 27. Album, versucht er nicht, das Meer selbst musikalisch darzustellen, sondern reflektiert vielmehr &uuml;ber die Gef&uuml;hle, die dessen sich st&auml;ndig wandelnder Zustand in ihm hervorruft.
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Das Meer als unsch&auml;tzbarer Lehrer
"Ich gehe das ganze Jahr &uuml;ber fast jeden Tag an den Strand und schwimmen", erl&auml;utert Micus. "Die Arbeit an meiner Musik &ndash; oft sitze ich drei Monate an einem viermin&uuml;tigen St&uuml;ck &ndash; erfordert viel Konzentration. Sich ganz auf eine Komposition zu fokussieren, schr&auml;nkt zwangsl&auml;ufig die Wahrnehmung ein. Wenn ich dann ans Meer gehe und diese weite Wasserfl&auml;che und den gro&szlig;en Horizont sehe, wirkt das wie eine unglaubliche Medizin auf mich. Weite R&auml;ume haben mich schon immer fasziniert, und ich versuche, sie in meine Musik einflie&szlig;en zu lassen. Insofern war das Meer f&uuml;r mich ein unsch&auml;tzbarer Lehrer."
Eine Hommage an das Meer und seinen Reichtum&nbsp;
Der aus Bayern stammende K&uuml;nstler lebt seit &uuml;ber 30 Jahren auf der spanischen Insel Mallorca und komponiert Musik f&uuml;r Instrumente, die er in aller Welt zusammengetragen hat. Auf diesem Album, das eine Hommage an das Meer und seinen Reichtum ist, kommen Instrumente aus Borneo (Sapeh), Japan (Shakuhachi und Shō), Indien (Dilruba), Armenien (Duduk), &Auml;thiopien, Tansania, Mosambik und Botswana (verschiedene Kalimbas), Marokko (Gimbri), Irland (Bodhr&aacute;n), der Schweiz (Hang) sowie Bayern (Zither und Akkordzither) zum Einsatz.
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Dialoge zwischen Instrumenten unterschiedlicher Kulturen
"<a href="https://www.jazzecho.de/stephan-micus/diskografie/traces-in-the-sand-1296510" target="_blank" rel="noopener">Traces in the Sand</a>&rdquo; beginnt mit einer rhythmischen Einleitung von drei Steeldrum-&auml;hnlichen Hangs und vier afrikanischen Kalimbas, die anschlie&szlig;end die Melodien einer japanischen Shakuhachi und eines armenischen Duduk untermalen. Der Dialog zwischen Instrumenten unterschiedlicher Kulturen zieht sich durch wie ein roter Faden durch das gesamte Album. In "Dancing Cranes" &uuml;berlagert Micus eine indische Rohrfl&ouml;te, die in zwei unterschiedlichen Oktaven aufgenommen wurde, mit der Begleitung einer mosambikanischen Kalimba. Die Fl&ouml;tenstimmen wechseln sich zun&auml;chst ab, bevor sich ihre Melodielinien schlie&szlig;lich vereinen. In "The Pearl Diver and the Mermaid" wiederum begegnet der Duduk der Sapeh, einer f&uuml;nfsaitigen Laute aus Borneo, die aus einem einzigen St&uuml;ck Holz geschnitzt wird. Auf dem Album verwendet Micus Kalimbas, die er in &Auml;thiopien, Tansania, Mosambik und Botswana gesammelt hat. Diese Instrumente geh&ouml;ren zur Familie der Lamellophone und erzeugen ihren charakteristischen Klang durch Metallzungen, die an einem Resonanzk&ouml;rper befestigt sind. In den beiden miteinander verwandten St&uuml;cken "Another Day at Sea" und "Brother Dolphin" wird die Kalimba von einer irischen Bodhr&aacute;n und einer gezupften marokkanischen Gimbri begleitet. "For Layla and Majnun", benannt nach dem Liebespaar aus einer nah&ouml;stlichen Legende, verbindet die gezupfte Sapeh mit der gestrichenen Dilruba. Darauf folgt ein Solost&uuml;ck f&uuml;r Duduk. Mit "Light on Water" r&uuml;ckt Micus das japanische Shō in den Mittelpunkt, eine Mundorgel mit 17 Pfeifen und freien Zungen. In einem vielschichtigen Arrangement treffen drei Shōs auf drei gestrichene Dilruba und zwei Duduks. Das abschlie&szlig;ende "Far Horizon" f&uuml;hrt schlie&szlig;lich zur&uuml;ck zum Wechselspiel solistischer Passagen von Sapeh und Duduk.
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"The Garden of Mirrors": Ein Meilenstein in Stephan Micus&rsquo; breit gef&auml;chertem &OElig;uvre&nbsp;
Das Album "<a href="https://www.jazzecho.de/stephan-micus/diskografie/the-garden-of-mirrors-lp-1296511" target="_blank" rel="noopener">The Garden of Mirrors</a>", das in der Reihe "Luminessence" von ECM Records nun zum ersten Mal auf Vinyl herauskommt, gilt als Meilenstein im breit gef&auml;cherten &OElig;uvre des deutschen Multiinstrumentalisten Stephan Micus. Bei seiner urspr&uuml;nglichen Ver&ouml;ffentlichung auf CD im Jahr 1997 beschrieb DownBeat des Albums als "bemerkenswert, eindringlich und wahrhaft zeitlos".
Eines von Micus&rsquo; rhythmischsten Alben
Micus hat sich eine musikalische Identit&auml;t aufgebaut, die darauf basiert, sich niemals zu wiederholen und auf seinen Alben nie dieselbe Auswahl an Instrumenten zu verwenden. Im Fokus von "<a href="https://www.jazzecho.de/stephan-micus/diskografie/the-garden-of-mirrors-lp-1296511" target="_blank" rel="noopener">The Garden of Mirrors</a>" stehen zwei traditionelle afrikanische Harfen: die mit Darmsaiten bespannte Bolombatto und die mit Hanfsaiten bespannte Sinding. Beide Instrumente lernte Micus in Gambia kennen, wo er sie mit Hilfe lokaler Musiker auch erlernte. Er betont jedoch ausdr&uuml;cklich, dass es sich bei den Kompositionen auf dem Album nicht um afrikanische Musik handelt, auch wenn "die Harfen bis zu einem gewissen Grad diese Art afrikanischer Atmosph&auml;re schaffen und die Essenz ihrer Kultur vermitteln. Sie verleihen der Musik eine k&ouml;rperliche Qualit&auml;t. Sie sprechen den K&ouml;rper direkt an, was dieses Album zu einem meiner rhythmischsten macht." Neben den beiden afrikanischen Harfen setzt Micus auf dem Album auch seine Stimme, Steeldrums und vier verschiedene Fl&ouml;ten ein: die japanische Shakuhachi, die balinesische Suling, die irische Tin Whistle und die &auml;gyptische Ney.
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Musik, die nicht von dieser Welt ist
"Meine Musik spiegelt die heutige Welt wider, in der man problemlos reisen und verschiedene Kulturen erleben kann", erkl&auml;rte Micus damals. "Oder man geht einfach in einen Laden und findet dort Beispiele all dieser unterschiedlichen Musikrichtungen." Es gibt zahlreiche M&ouml;glichkeiten, die Interaktion zwischen verschiedenen Kulturen zu f&ouml;rdern. Micus tut dies unter anderem dadurch, dass er traditionelle Instrumente auf originelle Weise einsetzt und miteinander kombiniert. "Bevor es Weltmusik gab, gab es Stephan Micus, der Instrumente aus Afghanistan, Indien und Indonesien spielte", schrieb das Magazin Billboard einmal &uuml;ber ihn. "Doch seit seinem ersten Album (erschienen 1976) macht der deutsche Komponist keine Weltmusik mehr, sondern Musik, die nicht von dieser Welt ist. Er spielt ethnische Instrumente auf unkonventionelle Weise, nimmt sie in mehrspurigen, vielschichtigen Arrangements auf und schafft so meditative Ausfl&uuml;ge. Stephan Micus ist nicht pan-kulturell, sondern er &uuml;berwindet kulturelle Grenzen mit Musik, die unschuldig, aber nicht naiv ist."

Faszinierende Dialoge voller Feinheit, Tiefe und Emotionalität

<span style="font-size: 11.0pt; line-height: 107%; font-family: 'Aptos',sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: Aptos; mso-fareast-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: 'Times New Roman'; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; mso-ansi-language: DE; mso-fareast-language: EN-US; mso-bidi-language: AR-SA;">Mit "Reaching For the Moon" haben die S&auml;ngerin Elina Duni und der Gitarrist Rob Luft ein absolut unter die Haut gehendes Duo-Album geschaffen. Jetzt erscheint es bei ECM Records auch auf Vinyl.

Kaum ein anderes musikalisches Format erm&ouml;glicht ein derart hohes Ma&szlig; an spontaner, unverf&auml;lschter Intimit&auml;t wie das Duo. Ohne die st&uuml;tzende Pr&auml;senz einer Rhythmusgruppe oder die breitwandigen Klangschichten eines gr&ouml;&szlig;eren Ensembles, wird jeder Atemzug, jede noch so feine musikalische Nuance und auch jede kleine Unvollkommenheit unmittelbar h&ouml;rbar. Hier gibt es kein Verstecken, keine Ablenkung. Eine besonders reizvolle und zugleich anspruchsvolle Konstellation ist dabei das Zusammenspiel von Stimme und Gitarre. Dokumentiert wurde das bereits auf legend&auml;ren Alben von&nbsp;Julie Andrews mit Al Viola sowie Joe Pass mit Ella Fitzgerald oder Sarah Vaughan. Auch in j&uuml;ngerer Zeit hat diese intime Besetzung immer wieder au&szlig;ergew&ouml;hnliche musikalische Partnerschaften hervorgebracht: etwa die von Karin Krog und Jacob Young, Samara Joy und Pasquale Grasso, Cyrille Aim&eacute;e und Diego Figueiredo beziehungsweise Michael Valeanu oder Theo Bleckmann und Ben Monder. Mit ihrem im April erschienenen Album "<a href="https://www.jazzecho.de/elina-duni/diskografie/reaching-for-the-moon-lp-1296383" target="_blank" rel="noopener">Reaching For the Moon</a>" haben die schweizerisch-albanische S&auml;ngerin Elina Duni und der britische Gitarrist Rob Luft ein bemerkenswertes neues Kapitel in dieser besonderen musikalischen Tradition aufgeschlagen.
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Weit mehr als nur ein Wechselspiel von Gesang und Gitarre
Was Duni und Luft auf "Reaching For the Moon" bieten, geht weit &uuml;ber ein blo&szlig;es Wechselspiel von Gesang und Gitarre hinaus. Mit gro&szlig;em Einf&uuml;hlungsverm&ouml;gen, gegenseitigem Vertrauen und einem intuitiven Gesp&uuml;r f&uuml;r die musikalischen M&ouml;glichkeiten des jeweils anderen entspinnen sie faszinierende Dialoge voller Feinheit, Tiefe und Emotionalit&auml;t. Es ist eine Begegnung auf Augenh&ouml;he, in der Zur&uuml;ckhaltung ebenso viel Ausdruckskraft entfaltet wie virtuose Momente. Auf "Reaching For the Moon" f&uuml;hren Elina Duni und Rob Luft eindrucksvoll vor Augen, welches au&szlig;ergew&ouml;hnliche Potenzial in der scheinbaren Einfachheit dieser Besetzung liegt. Nun ist das in der Presse gefeierte Album bei ECM Records auch auf Vinyl ver&ouml;ffentlicht worden. In der ARD-Mediathek findet sich zudem die Aufzeichnung eines fast 50-min&uuml;tigen Clubkonzerts. Zu h&ouml;ren ist das Duo dort nicht nur mit St&uuml;cken des aktuellen Albums ("Reaching For the Moon", "Leili Lullaby", "Lonely Woman" und "Ani More Nuse"), sondern auch mit Nummern aus dem Repertoire des 2023 erschienenen Albums "<a href="https://www.jazzecho.de/elina-duni/diskografie/a-time-to-remember-846843" target="_blank" rel="noopener">A Time to Remember</a>&rdquo; ("I&rsquo;ll Be Seeing You" und "A Time to Remember") sowie dem bislang unver&ouml;ffentlichten Titel "M&euml; Ka Zan&euml; Meraku".
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Presse &uuml;ber "Reaching For the Moon":&nbsp;"Traumhaft sch&ouml;nes Album f&uuml;r stille Stunden."
"Das ist eines der feinsinnigsten Duos, die es im aktuellen weltweiten Jazzgeschehen gibt", meinte Roland Spiegel im ARD Jazz Spotlight. "Eine besonders stilvolle Sch&ouml;nheit des Aufeinander-Reagierens und Miteinander-Verschmelzens kennzeichnet ihr Zusammenspiel. Organischer geht&rsquo;s nicht &ndash; und auf leise Art ausdrucksst&auml;rker auch kaum. [&hellip;] Elina Duni singt in all den unterschiedlichen Genres mit traumhafter Klarheit und ber&uuml;ckend feiner Phrasierung, und Rob Luft schafft dazu ein fast orchestrales Spektrum an zarten T&ouml;nen, die er mit E-Gitarre und Effektger&auml;ten sowie in Ausnahmef&auml;llen auch mit akustischer Gitarre erzeugt.&rdquo; 
Im Fono Forum schrieb Sven Thielmann &uuml;ber das Album: "Eingerahmt von Irving Berlins Titelsong und dem finalen, ungemein sensibel intonierten &sbquo;Lonely Woman&lsquo; von Ornette Coleman schwebt ihre delikate Stimme &uuml;ber meist sph&auml;rischen, nur sparsam akzentuierten Gitarrengrundierungen durch zarte Klanggespinste aus aller Welt &ndash; vielsprachig kredenzt mit feinem Gesp&uuml;r f&uuml;r die melodische Sch&ouml;nheit unterschiedlicher Traditionen, wof&uuml;r ihr auf Farsi gesungenes &sbquo;Leili Lullaby&lsquo; der persischen S&auml;ngerin Mahsa Vadat nur ein stupendes Beispiel ist. Ob der atmosph&auml;risch luftigen (no pun intended), gleichwohl intensiven Dialoge von Elina Duni und Rob Luft ist man schwer bewegt &ndash; ein traumhaft sch&ouml;nes Album f&uuml;r stille Stunden.&rdquo;
<a href="https://www.ardmediathek.de/video/br-clubkonzert-jazz-im-bergson-kunstkraftwerk/elina-duni-und-rob-luft-reaching-for-the-moon-oder-jazz-im-bergson-kunstkraftwerk-oder-br-clubkonzert-s01-e13/br/Y3JpZDovL2JyLmRlL2Jyb2FkY2FzdC9GMjAyNVdPMDIxNDk3QTA" target="_blank" rel="noopener"><picembed class="mceNonEditable" data-asset-id="641123">&nbsp;</picembed></a>
Wie sich die besondere N&auml;he und das intuitive Miteinander von Stimme und Gitarre live entfalten, zeigen Elina Duni und Rob Luft in einem fast 50-min&uuml;tigen Clubkonzert mit St&uuml;cken aus &bdquo;Reaching For the Moon&ldquo; und ausgew&auml;hlten Titeln aus ihrem fr&uuml;heren Repertoire. Die Aufzeichnung ist <a href="https://www.ardmediathek.de/video/br-clubkonzert-jazz-im-bergson-kunstkraftwerk/elina-duni-und-rob-luft-reaching-for-the-moon-oder-jazz-im-bergson-kunstkraftwerk-oder-br-clubkonzert-s01-e13/br/Y3JpZDovL2JyLmRlL2Jyb2FkY2FzdC9GMjAyNVdPMDIxNDk3QTA?utm_source=chatgpt.com">in der ARD-Mediathek zu sehen</a>.

Intime Jazzballaden, die tief unter die Haut gehen

Mit "Jasmine" schufen der Pianist Keith Jarrett und der Bassist Charlie Haden im Jahr 2010 ein traumhaftes Duo-Album mit balladesken Jazzstandards. In der "Luminessence"-Reihe von ECM erscheint es am 20. November erstmals als Doppelalbum auf Vinyl.

"Na endlich!", werden sich viele Jazzfans gedacht haben, als ECM Records im Mai 2010 "<a href="https://www.jazzecho.de/keithjarrett/diskografie/jasmine-luminessence-series-2lp-hi-res-download-1296304" target="_blank" rel="noopener">Jasmine</a>" ver&ouml;ffentlichte, das erste Duo-Album des Pianisten Keith Jarrett mit dem Bassisten Charlie Haden. Dass es nicht schon wesentlich fr&uuml;her dazu gekommen war, ist in der Tat verwunderlich. Denn als Jarrett 1967 &ndash; vier Tage vor seinem 22. Geburtstag &ndash; mit Haden und dem Schlagzeuger Paul Motian sein Deb&uuml;talbum "Life Between the Exit Signs" f&uuml;r das Atlantic-Sublabel Vortex aufnahm, sprang der kreative Funke zwischen den Musikern auf Anhieb &uuml;ber. In den folgenden neun Jahren spielten sie zusammen sechzehn weitere Alben ein &ndash; mal als Trio, mal mit dem Saxofonisten Dewey Redman als viertem Mann in Jarretts "American Quartet". Ende 1976 trennten sich die Karrierewege von Jarrett und Haden, um sich erst 31 Jahre sp&auml;ter erneut zu kreuzen. Die Wiedervereinigung kam dabei eher zuf&auml;llig zustande. Anfang 2007 bat der Dokumentarfilmer Reto Caduff den Pianisten, sich f&uuml;r "Rambling Boy", ein Biopic &uuml;ber Haden, an die Zusammenarbeit mit dem Bassisten in den 70er Jahren zu erinnern. Als sich die beiden w&auml;hrend der Dreharbeiten trafen, kamen sie auf die Idee, noch einmal v&ouml;llig zwanglos zusammenzuspielen. Diese Session machte ihnen so viel Spa&szlig;, dass Jarrett Haden anschlie&szlig;end zu sich nach Hause einlud, um dort weiterzumachen. Und so trafen sie sich im M&auml;rz 2007 und zogen sich vier Tage lang in Jarretts Heimstudio in Oxford Township, New Jersey, zur&uuml;ck. Das Resultat dieser intimen Aufnahmesession, bei der das Duo balladesken Jazzstandards neuen Glanz verlieh, wurde im Mai 2010 &ndash; anl&auml;sslich von Jarretts 65. Geburtstag &ndash; von ECM Records auf dem Album "Jasmine" ver&ouml;ffentlicht. Die internationale Presse feierte es unisono als wahres Meisterwerk zweier Ausnahmemusiker an ihren Instrumenten.&nbsp;
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Eine absolute Rarit&auml;t in Keith Jarretts &OElig;uvre!
In Jarretts sehr umfangreicher ECM-Diskografie stellt das Album "Jasmine" eine Besonderheit dar. Zwar hatte er mit "Ruta and Daitya&rdquo; eines seiner ersten Alben f&uuml;r das Label von Manfred Eicher 1971 im Duo mit dem Schlagzeuger Jack DeJohnette eingespielt, danach machte er jedoch nur noch vier Duo-Alben mit klassischen Musiker:innen. Ganz anders Charlie Haden: Er entwickelte Mitte der 1970er Jahre ein Faible f&uuml;r Duette und nahm mit Musikern wie Ornette Coleman, Hampton Hawes, Egberto Gismonti, Jim Hall, Hank Jones, Kenny Barron, John Taylor, Gonzalo Rubalcaba und Brad Mehldau zwanzig Alben in diesem Format auf. Auf dem ersten dieser Alben, "<a href="https://www.jazzecho.de/charliehaden/diskografie/closeness-duets-69963" target="_blank" rel="noopener">Closeness</a>&rdquo; aus dem Jahr 1976, war er in einem St&uuml;ck im Duo mit Keith Jarrett zu h&ouml;ren. Schon damals sangen sie mehr auf ihren Instrumenten, als dass sie "nur" spielten, und bewiesen ihren Sinn f&uuml;r Poesie und R&auml;umlichkeit. Und obwohl beide noch ziemlich am Anfang ihrer Solokarriere standen, lag der Fokus ganz auf der Musik und nicht auf ihrem Ego.
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Die hohe Kunst des Duos wird auf einen neuen Gipfel getrieben
All diese Qualit&auml;ten zeigte das Duo auch bei den Aufnahmen f&uuml;r "Jasmine", wobei die beiden K&uuml;nstler inzwischen 30 Jahre gereifter waren und &uuml;ber einen weitaus gr&ouml;&szlig;eren Erfahrungsschatz und ein umfangreicheres musikalisches Vokabular verf&uuml;gten. So gelang es ihnen, die hohe Kunst des Duos auf ein vollkommen neues Level zu heben. "Jasmine&lsquo; ist tats&auml;chlich eine vertr&auml;umte Nachtmusik", schrieb Uli Bernays in der Neuen Z&uuml;rcher Zeitung, als das Album im Jahr 2010 erschien. "Das Interplay wirkt ruhig, gelassen und schlafwandlerisch sicher. Dabei hatten die beiden jahrzehntelang nicht zusammen musiziert. [...] Die Partner mochten die Kompositionen &ndash; alte, eher selten gespielte Standards &ndash; nicht gro&szlig; variieren oder dekonstruieren. Sie lie&szlig;en sich auf die musikalische Vorgabe quasi wie auf ein momentanes Schicksal ein. Statt die St&uuml;cke zu verfremden, verkl&auml;ren sie diese."
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Am 20. November erscheint "Jasmine" in der "Luminessence"-Reihe von ECM Records erstmals als Doppelalbum auf Vinyl und ist ab sofort exklusiv im <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/collections/keith-jarrett" target="_blank" rel="noopener">JazzEcho-Store</a> vorbestellbar. Das Album ist dort zudem als Download im <a href="https://eustore.everythingjazz.com/de/products/keith-jarrett-charlie-haden-jasmine-122679" target="_blank" rel="noopener">Hi-Res-Audio-Format</a> erh&auml;ltlich.

Zum 90. Geburtstag: Steve Reichs ECM-Aufnahmen auf Vinyl

Am 3. Oktober feiert Steve Reich seinen 90. Geburtstag. ECM w&uuml;rdigt den amerikanischen Komponisten mit der 3-LP-Box "<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/steve-reich-various-steve-reich-recordings-on-ecm-120085?_pos=1&amp;_psq=steve+reich&amp;_psid=f479c8c5b&amp;_ss=e" target="_blank" rel="noopener">Recordings on ECM</a>", die drei wegweisende Alben aus den Jahren 1978 bis 1982 erstmals in einer exklusiven Vinyl-Ausgabe versammelt.

<h3 class="MsoNormal">Am 3. Oktober feiert Steve Reich seinen 90. Geburtstag. ECM w&uuml;rdigt den amerikanischen Komponisten mit der 3-LP-Box "Recordings on ECM", die drei wegweisende Alben aus den Jahren 1978 bis 1982 erstmals in einer exklusiven Vinyl-Ausgabe versammelt.</h3>
Die Ver&ouml;ffentlichung von&nbsp;Steve Reichs "Music for 18 Musicians" trug 1978 ma&szlig;geblich zur Bekanntheit der Minimal Music bei und hatte nicht nur f&uuml;r die zeitgen&ouml;ssische Musik gro&szlig;en Neuheitswert, sondern hinterlie&szlig; auch in Jazz, elektronischer Musik und Pop deutliche Spuren. Reich selbst hat dabei den Begriff Minimalismus nie als enge stilistische Schublade verstanden. Im Zentrum seiner Musik stehen vielmehr Rhythmus, Klang und die Frage, wie aus wiederkehrenden Mustern immer neue musikalische Beziehungen entstehen.
Die 1978 bei ECM erschienene Aufnahme mit Steve Reich and Musicians wurde zur Referenzeinspielung dieses Werks. Pitchfork bezeichnete sie sp&auml;ter als die definitive Aufnahme von Reichs "unbestrittenem Meisterwerk".
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Zwei Jahre sp&auml;ter folgte "Octet&rdquo; / "Music for a Large Ensemble&rdquo; / "Violin Phase&rdquo;. Die drei St&uuml;cke machen zugleich h&ouml;rbar, wie weit Reichs Entwicklung zu diesem Zeitpunkt bereits reichte: vom 1967 entstandenen "Violin Phase", einem Schl&uuml;sselwerk seiner fr&uuml;hen Phasing-Technik, bis zur immer reicheren Ensemble- und Klangarchitektur der sp&auml;ten 1970er Jahre. Mit "Tehillim" &ouml;ffnete sich 1981 schlie&szlig;lich ein weiteres Kapitel. Erstmals seit seinen Studienjahren vertonte Reich wieder einen Text &ndash; hebr&auml;ische Psalmen &ndash;, und lange melodische Linien r&uuml;ckten st&auml;rker ins Zentrum seiner Arbeit. R&uuml;ckblickend bezeichnete er das Werk selbst als einen entscheidenden Schritt hin zu einer unmittelbareren Form von Melodie.
So lassen sich die drei ECM Alben auch als Momentaufnahmen einer besonders produktiven Phase verstehen. Zwischen "Violin Phase", "Music for 18 Musicians" und "Tehillim" liegen nicht nur unterschiedliche Besetzungen und Kompositionsweisen. Sie zeigen auch, wie Reich seine musikalischen Mittel stetig erweiterte, ohne die Grundprinzipien seiner Arbeit aus den Augen zu verlieren.
F&uuml;r "<a href="https://store.deutschegrammophon.com/de-de/products/steve-reich-various-steve-reich-recordings-on-ecm-120085?_pos=1&amp;_psq=steve+reich&amp;_psid=f479c8c5b&amp;_ss=e" target="_blank" rel="noopener">Recordings on ECM</a>" wurden die urspr&uuml;nglichen analogen Masterb&auml;nder verwendet. Die drei Alben erscheinen als Faksimiles ihrer Originalausgaben und wurden vollst&auml;ndig analog (AAA) neu produziert. Erg&auml;nzt wird die Box durch ein Booklet mit Archivfotografien, Manuskriptseiten und Liner Notes von Paul Griffiths.
Bereits 2016 hatte ECM die drei Aufnahmen anl&auml;sslich von Reichs 80. Geburtstag gemeinsam auf CD ver&ouml;ffentlicht. Zehn Jahre sp&auml;ter ist diese Sammlung nun auch auf Vinyl erh&auml;ltlich. Dabei dokumentiert die neue Box mehr als nur drei Stationen einer au&szlig;ergew&ouml;hnlichen Karriere: Sie spannt einen Bogen &uuml;ber rund f&uuml;nfzehn Jahre, in denen Steve Reich eine musikalische Sprache entwickelte, deren Puls bis heute weit &uuml;ber die zeitgen&ouml;ssische Musik hinaus nachwirkt.

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The Garden Of Mirrors (LP)

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Dussmann

The Garden Of Mirrors, das vierzehnte Album des Klangreisenden durch die Kulturen der Welt Stephan Micus, gilt heute als Meilenstein im breit gef&auml;cherten &OElig;uvre des deutschen Multi-Instrumentalisten &ndash; ein Werk, das Down Beat bei seiner urspr&uuml;nglichen Ver&ouml;ffentlichung bei ECM im Jahr 1997 als &bdquo;bemerkenswert, eindringlich und wahrhaft zeitlos&ldquo; bezeichnete. &nbsp; Micus hat sich eine musikalische Identit&auml;t aufgebaut, die auf dem Konzept basiert, sich niemals zweimal zu wiederholen und auf verschiedenen Alben nie dieselbe Auswahl an Instrumenten zu verwenden. Auf The Garden Of Mirrors beschr&auml;nkt sich sein st&auml;ndig wachsender Instrumentenbestand, den er oft auf Reisen rund um die Welt zusammengetragen hat, auf zwei traditionelle afrikanische Harfen, die Bolombatto (Darm-Saiten) und die Sinding (Hanf-Saiten), die Micus erstmals in Gambia kennenlernte, wo er sie mit Hilfe lokaler Musiker erlernte. Er betont jedoch ausdr&uuml;cklich, dass es sich bei den Kompositionen auf dem Album nicht um afrikanische Musik handelt, auch wenn &bdquo;die Harfen bis zu einem gewissen Grad diese Art afrikanischer Atmosph&auml;re schaffen und die Essenz ihrer Kultur vermitteln. Sie verleihen der Musik eine k&ouml;rperliche Qualit&auml;t. Sie sprechen den K&ouml;rper direkt an, was dieses Album zu einem meiner rhythmischsten macht.&ldquo; &nbsp; &bdquo;Meine Musik spiegelt die heutige Welt wider&ldquo;, erkl&auml;rt er, &bdquo;in der man problemlos reisen und verschiedene Kulturen erleben kann oder einfach in einen Laden geht und dort Beispiele all dieser unterschiedlichen Musikrichtungen findet.&ldquo; Micus&rsquo; Einsatz traditioneller Instrumente verdeutlicht einige der vielen M&ouml;glichkeiten, die es f&uuml;r die Interaktion zwischen verschiedenen Kulturen gibt. Hier schaffen sie ein eindrucksvolles Programm, das seine ganz eigene Handschrift tr&auml;gt. Wie die &bdquo;Times&ldquo; schrieb: &bdquo;Micus&rsquo; Musik besitzt eine hauchzarte Sch&ouml;nheit. Zeitlose, magische Musik von universeller Anziehungskraft.&ldquo; &nbsp; Garden of Mirrors erscheint nun erstmals auf Vinyl.

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KLASSIK

Zeitgenössische, moderne Klassik

Der Gr&uuml;nder und Pr&auml;sident von ECM Records Manfred Eicher versteht sich seit je her als recording producer, der das k&uuml;nstlerische Geschehen im Studio aktiv mitgestaltet. Seine Aufnahmen mit Musikern wie Keith Jarrett, Jan Garbarek, Chick Corea, Dave Holland, Egberto Gismonti, Paul Bley, Pat Metheny, Dino Saluzzi, John Surman, Ralph Towner, Terje Rypdal, Bobo Stenson, dem Art Ensemble of Chicago und anderen setzten auch klang&auml;sthetisch Ma&szlig;st&auml;be. Schon in den siebziger Jahren avancierte ECM zu einem der wichtigsten Schallplattenverlage im Jazz. 1984 erschien mit Arvo P&auml;rts Tabula Rasa die erste Ver&ouml;ffentlichung der Reihe ECM New Series, die sich der notierten Musik widmet. Seither entstanden Aufnahmen mit Kompositionen von Gy&ouml;rgy Kurt&aacute;g, Alfred Schnittke, Heinz Holliger, Steve Reich, Meredith Monk, Erkki-Sven T&uuml;&uuml;r, Heiner Goebbels, Eleni Karaindrou, Giya Kancheli, Tigran Mansurian, Valentin Silvestrov und anderen. Unter den Interpreten und Autoren der New Series sind insbesondere zu nennen: Kim Kashkashian, Thomas Zehetmair, das Hilliard Ensemble, Gidon Kremer, Thomas Demenga, Andr&aacute;s Schiff, Heinz Holliger, das Keller Quartett, das Rosamunde Quartett, Herbert Henck, Leonidas Kavakos, Dennis Russell Davies, Christoph Poppen, Bruno Ganz und Jean-Luc Godard. 1990 drehte Eicher zusammen mit Heinz B&uuml;tler den Film Holoz&auml;n nach einer Erz&auml;hlung von Max Frisch, der beim Filmfestival Locarno mit dem Spezialpreis der Jury ausgezeichnet wurde. Manfred Eichers weitere Filmarbeit umfasst die musikalische Produktion bzw. Konzeption f&uuml;r Filme von Jean-Luc Godard (Nouvelle Vague, Allemagne Neuf Z&eacute;ro, H&eacute;las Pour Moi, JLG, Forever Mozart, Histoire(s) du Cin&eacute;ma, The Old Place, Eloge de l'Amour, Notre musique), Theo Angelopoulos (Der Bienenz&uuml;chter, Landschaft im Nebel, Der schwebende Schritt des Storches, Der Blick des Odysseus, Die Ewigkeit und ein Tag, The Weeping Meadow), f&uuml;r Xavier Kollers Oscar-pr&auml;mierten Film Reise der Hoffnung, f&uuml;r Bella Martha von Sandra Nettelbeck und f&uuml;r den Dokumentarfilm War Photographer von Christian Frei mit James Nachtwey. Aus der Zusammenarbeit mit Jean-Luc Godard ging die mehrb&auml;ndige Dokumentation der kompletten Tonspur sowie des gesamten Textes der Histoire(s) du Cin&eacute;ma hervor, die mit dem "Jahrespreis der deutschen Schallplattenkritik" ausgezeichnet wurde. Herausragende ECM-Produktionen wurden unter anderem mit dem "Grand Prix du Disque" (Frankreich), dem "Edison Award" (Niederlande), dem "Grammy Award" (USA), dem "Academy Award" (Japan) und dem "Jahrespreis der Deutschen Schallplattenkritik" gew&uuml;rdigt. 1999 ehrten die amerikanischen Musikzeitschriften Down Beat, High Fidelity Magazine und Musician Magazine Manfred Eicher als "Producer of the Year".
Manfred Eicher wurden zahlreiche Auszeichnungen zuteil. So erhielt er 1986 den "Ehrenpreis der deutschen Schallplattenkritik", 1998 den "Musikpreis der Landeshauptstadt M&uuml;nchen". Die Universit&auml;t Brighton verlieh ihm im Jahre 2000 ein Ehrendotktorat "in recognition of his outstanding contribution to the development of contemporary music". 2002 wurde Eicher als "Best Classical Producer of the Year" mit einem Grammy ausgezeichnet. Im Januar 2005 wurde Eicher der "Kulturelle Ehrenpreis der Stadt M&uuml;nchen" verliehen.

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